dimanche 27 mai 2018

ALBA ECSTASY: Berlin Shades (2018)

“Mostly on dancing modes, Berlin Shades offers structures of rhythms driven by a plethora of percussive elements and sequences fill of sparkling and lighting tones”

1 Blooming Minds 3:23
2 Signs of Attraction 12:22
3 eMotion 5:36
4 Are Protons Stable? 7:48
5 Berlin Shades 5:34
6 Electric Echo 4:55
7 Soundtrails 5:45

Alba Ecstasy Music (DDL 45:24)
(Mix of New Berlin School, E-Rock & EDM)
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  **Chronique en français plus bas**
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If Bergenon had left me a little on my appetite, “Berlin Shades” loads my ears fully with its 45 minutes of electronic rhythm which flirts with a kind of EDM strung in the nuances of a Berliner model of EM. Apart from the staging of "Signs of Attraction", the music of this album, offered only for download, offers structures of rhythms driven by a plethora of percussive elements and sequences with tones as sparkling as these bubbles of fizzy water which bubble in our nostrils. And yep, this is another nice album of Alba Ecstasy who is regular like this friend that we always like to see again and hear...
Short but very catchy, "Blooming Minds" is an electronic anthem energized by an avalanche of percussions in mode; crush my bones and make me float. Drums and percussive effects fuel a sonic fauna which makes overflow the capacity of my ears to assimilate all these strikes that decorate a structure whose life is related to a superabundance of industrial, and even organic, elements of percussions. The synth launches a very melodic idea, kind of Jean-Michel Jarre period Revolutions, which hooks as much the eardrums that this spasmodic rhythm sets fire to our feet. Too short not to like and not long enough to snub this approach of Electronic Rock & Dance! "Signs of Attraction" is in the tone of the good New Berlin School flavored with a little of madness. After an ambient introduction charged with melancholic sighs, the synth is as beautiful as it is morose here, the sequencer activates a structure that waddles from one ear to the other. A bass pulsation gets in the movement a few seconds later, giving a depth field that befits the songs of a synth more and more attractive. A movement of bass sequences harpoons this structure a little before the 5th minute, initiating a lively and fluid rhythm, in spite of its spasms, with a synth just as dynamic and which follows the rhythm with a harmonic spirit. Some good New Berlin School, with a synth in mode; fright me at night in the moods of Klaus Schulze's 85-90 years or closer to our era; Remy. "Signs of Attraction" depicts here the interconnections and symbioses between different structures of parallel rhythms and confluent in this album. "eMotion" is a ball of energy that glitters on the spot and sparkle of highly electronic tones on a sequencer from which the nervous keys are jumping in jerks in a sound magma filled with unruly sequences and felted and/or gassed percussion effects.
Some of these percussive effects cross the silence to join "Are Protons Stable?" which is a more complex energy ball and definitely more on the edge of implosion than "eMotion". Stationary and magnetizing, the rhythm is nevertheless lively and hyper jerky with sequences that form lines of spasmodic rodeos. A little like these lines of static balls, the sequences remain trapped and sparkle like dozens of bubbles bursting in a tube too narrow, spilling their rages of freedom in electronic percussions fed with green wood. The title-track also exploits a lively approach. The keys of a sequencing line leap briskly, like a horde of daredevils on jumping sticks hopping in a corridor too small, too narrow and undulating on a long course. A line of bass pulsations spits out a swarm of resonances which weaves paranoid chants and spread their vampiric shadows over this rhythm typed of vivid and incisive strikes. Unstable Up-tempo? It looks like this like it can also look like these discos of the future such as put in images by the people of George Lucas in the Star Wars saga. "Electric Echo" is in IDM mode with another futuristic psychedelic approach. The melody is good and quite catchy while the hopping rhythm is forged on organic sequences and other more conventional ones, which are never on the same beat, while the drums are still frozen in an eclectic tonal pond which tells me that Mihail Adrian Simion has done a very critical research work for these percussions highly stylized, one must not forget the sequences too, for this album. Voice effects hum on this title and are gurgling on "Soundtrails", a Techno for Zombies, smarter and less amorphous, which flirts with Break-Dance. The rhythm is heavy and hammered by good percussion while the synth launches ear-catching solos which spin and flit in a decor of percussion which fill my ears with a questioning charm...How he continues to did that?
Alba Ecstasy's music has become my guilty pleasure. Month after month, this Romanian artist offers its latest finds, he is an engineer in computer development for music, in albums where always drag 1 to 3 small jewels. And sometimes more ... like here! I spent 45 very good minutes where my predatory ears of sound devoured a panoply of rhythms as seductive than audacious and very catchy. EDM and Berlin School! What could be better?

Sylvain Lupari (May 25th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Alba Ecstasy's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Si Bergenon m'avait laissé un peu sur mon appétit, “Berlin Shades” m'en met plein les oreilles avec ses 45 minutes de rythme électronique qui flirte avec une sorte d'EDM ficelée dans les nuances de la MÉ Berliner. Mise à part la mise en scène de "Signs of Attraction", la musique de cet album, offert uniquement en téléchargement, propose des structures de rythmes poussées par une pléthore d'éléments percussifs et de séquences aux tonalités aussi pétillantes que ces bulles d'eau gazeuse qui nous moussent les narines. Eh oui, un autre bel opus d'Alba Ecstasy qui est régulier comme cet ami qu'on aime toujours revoir et entendre…
Court mais très accrocheur, "Blooming Minds" est un hymne électronique dynamisé par une avalanche de percussions en mode défonce-moi pour que je plane. Les percussions et les effets percussifs alimentent une faune sonique qui fait déborder la capacité de mes oreilles afin d'assimiler toutes ces frappes qui décorent une structure dont la vie est rattachée à une surabondance d'éléments de percussions industrielles et même organiques. Le synthé lance une idée mélodique très Jean-Michel Jarre, période Révolutions, qui accroche autant les tympans que ce rythme spasmodique met le feu à nos pieds. Trop court pour ne pas aimer et pas assez long pour snober cette approche de Rock & Danse électronique! "Signs of Attraction" est dans le ton des bons New Berlin School aromatisé d'un peu de folie. Après une introduction ambiante chargée de soupirs mélancoliques, le synthé est aussi beau que morose ici, le séquenceur active une structure qui se dandine d'une oreille à l'autre. Une pulsation basse accoste le mouvement quelques 80 secondes plus loin, donnant un champ de profondeur qui sied bien aux chants d'un synthé de plus en plus séduisant. Un mouvement de basses séquences harponne cette structure un peu avant la 5ième minute, initiant un rythme vif et fluide, malgré ses spasmes, avec un synthé tout autant dynamique et qui suit la cadence avec un entrain harmonique. Du bon New Berlin School, avec un synthé en mode épouvante de nuit, des années 85-90 de Klaus Schulze et plus près de nous Remy, "Signs of Attraction" dépeint ici les interconnexions et les symbioses entre les différentes structures de rythmes parallèles et confluentes dans cet album. "eMotion" est une boule d'énergie qui scintille surplace et pétille avec des tonalités très électroniques sur un séquenceur dont les ions nerveux soubresautent dans un magma sonore rempli de séquences indisciplinées et d'effets de percussions feutrées et/ou gazées.
Certains de ces effets percussifs traversent le silence pour rejoindre "Are Protons Stable?" qui est une boule d'énergie plus complexe et nettement plus sur le bord de l'implosion que "eMotion". Stationnaire et magnétisant, le rythme est néanmoins vif et hyper saccadé avec des séquences qui forment des lignes de rodéos spasmodiques. Un peu comme ces lignes de boules statiques, les séquences restent prisonnières et pétillent comme des dizaines de bulles qui éclatent dans un tube trop étroit, déversant leurs rages de liberté dans des percussions électroniques nourries de bois vert. La pièce-titre exploite aussi une approche vive. Les ions d'une ligne de séquences bondissent vivement, comme une horde de casse-cous sur des bâtons sauteurs sautillant dans un couloir trop petit, trop étroit et ondulant sur un long parcours. Une ligne de basse pulsations crache un essaim de résonnances alors que tisse des chants de paranoïa qui étendent leurs ombres vampiriques au-dessus de ce rythme dactylographié par des frappes vives et incisives. Du Up-tempo instable? Ça ressemble à cela comme ça peut aussi ressembler à ces discos du futur tel que mis en image par la gang à Georges Lucas dans la saga Star Wars. "Electric Echo" est en mode IDM avec une autre approche psychédélique futuriste. La mélodie est belle et assez accrocheuses alors que le rythme sautillant est forgé de séquences organiques et autres plus conventionnelles, qui ne sont jamais sur le même beat, alors les percussions restent toujours figées dans un éclectisme tonal qui me dit que Mihail Adrian Simion a fait un travail de recherche très critique pour ces percussions, il ne faut pas oublier les séquences aussi, hautement stylisées pour cet album. Des effets de voix chantonnent sur ce titre et gargouillent sur "Soundtrails", un Techno pour Zombies, plus intelligents et moins amorphe, qui flirte avec le Break-Dance. Le rythme est lourd et martelé de bonnes percussions alors que le synthé lance des solos accrocheurs qui virevoltent dans un décor de percussions qui m'a rempli les oreilles de charme interrogatoire… Comment il continue à faire ça?   
La musique d'Alba Ecstasy est devenu mon petit plaisir coupable. Mois après mois, cet artiste Roumain propose ses dernières trouvailles, il est ingénieur en développement informatique pour la musique, dans des albums où traînent toujours 1 à 3 petits bijoux. Et parfois plus…comme ici! J'ai passé 45 très bonnes minutes où mes oreilles carnassières de sons ont dévoré une panoplie de rythmes aussi séduisants qu'audacieux et entraînants. De l'EDM et du Berlin School! Que demander de mieux?

Sylvain Lupari (24/05/18)

vendredi 25 mai 2018

VANDERSON: Sequenced Thoughts (2018)

“Sequenced Thoughts is a bombshell of emotions and of reminiscences on the art of the Berlin School and its evolutions through the ages”

1 Sequenced Thoughts Part 1 18:43
2 Sequenced Thoughts Part 2 21:35
3 Sequenced Thoughts Part 3 16:52
4 Sequenced Thoughts Part 4 15:29

Spheric Music | SMCD 8101 (CD 72:40)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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The Berlin School style EM will lose a great collaborator with the breakout of Vanderson towards the territories of Electronic Dance Music. The Polish synthesist has been tergiversating for at least four years regarding his musical orientation, reaffirming his desire to continue in the footsteps of his album Abyss and his latest album Beyond Time Structure, making of “Sequenced Thoughts” his testament to the Berlin School. And he doesn't do it alone! Accompanied by Lambert Ringlage on sequencer, he signs one of his best albums where solos scroll like tails of multicolored kites in azure sky and where the music is a little masterpiece and an authentic overview of the evolution of the genre since the 70's. Benefiting from a production and a mixing without spots which fill us the ears at satiety, this last opus of Vanderson consists of 4 very beautiful parts which subdue and astonish with this fascinating complicity between simplicity and complexity.
The blurry introduction of "Sequenced Thoughts Part 1" fills our ears with tones that only EM can put into images. Are they some kind of water lapping? Felted explosions? Whispers of a cave's walls? It doesn't matter! There is of everything here for a fertile imagination. A synth launches harmonies in the form of solos that sneak like a sonic snake over this stave of ambient noises. A sequencer activates its keys after the door of 3 minutes. Waddling vigorously, it structures a rhythm in stereo which is harpooned by a line of bass sequences and its contrasting oscillations. Jingles of percussion? Why not! And of course, percussions. All these elements combine for an ear-catching rhythm where whistle no less catchy harmonies from a synth in mode creativity. The lines of harmonies succeed each other with nuances in their aerial pirouettes while behind this scenery, layers of gas very TD add to a soundscape in constant movement. The sequences bring nuances to this structure of rhythm which hiccoughs now of spasms, whereas the atmospheres add effects which oversize an already very rich musical scenography. Even the synth adds nuanced touches in its drifting harmonies as fictional elements squeak in a motley sky unique to the tonal creativity of EM. Gradually, the spasmodic restructuring of "Sequenced Thoughts Part 1" arrives at this ambiospheric stage so dear to this model in the secrets of its 10th minute. A little respite, not even meditative, which invigorates a structure already near its climax with a thick layer of sonic additives where solos guide the pace with a presence as harmonic as rhythmic. Some big Berlin School from Spheric here!
"Sequenced Thoughts Part 2" follows the same parameters with a spheroidal rhythmic structure that goes back and forth like the pace of a cosmic cha-cha whose uncertain steps are conducive to a synth and its thousand sonic artifices. The rhythm is always in evolutionary mode with a proactive sequencer which inserts its legion of hopping and dancing keys in a constraint-free structure, thus allowing the synth to modify the character of its songs and solos. If the approach is more ethereal than in "Sequenced Thoughts Part 1", the explosion point, which is around the 13 minutes, has nothing to envy to the first part of this album. A loud raucous roar leads our ears to "Sequenced Thoughts Part 3". The added layers deepen a dark approach which flirts with the chthonian ambiances so dear to the retro Berlin School. A pool of tones and of elements of ambience awaits our ears a few 140 seconds later, giving the start to a dizzying structure and of which the influences of Chris Franke's sequencing style can not be dissociated from a breathtaking pattern of sequences which blows my mind. The first part of "Sequenced Thoughts Part 3" exceeds my expectations. In fact, it's one of the most beautiful movements that Lambert and Vanderson, together or separately, have built to date. The synths are more discreet here, leaving all the nobility to these repetitive Paddle Ball strikes which end a race of sequences in some gas and felted percussion effects. We are around the 11th minute and a refueling point of ambiances is needed before the 3rd party goes into this EDM approach in this style of Vanderson or even Klaus Schulze. Another great track! Another great track! It must take something very strong to succeed it, and "Sequenced Thoughts Part 4" does the work. Born from waters, the music rises with a little something that questions our memories. That's it! The fog layers are very Klaus Schulze. The effects and the airs from the synths which follow are just as much. Exceeding 3 minutes, these atmospheres charm with songs of astral whales trapped in layers of fog saturated of drizzle. And a nice sequence of ambient rhythm emerges after these 3 minutes. Vanderson and Lambert go there for a Schulze painting to end the final visions of the Polish synthesist with regard to the Berlin School. Very mesmerizing, the movement is total Schulze with a very Moondawn sequencer which climbs its 10 minutes through layers full of whispers and of delicate harmonic flutes. The added percussion gives velocity which excites our senses and the moods. It's in a magical electronic decor that this last part of “Sequenced Thoughts” evolves. And, regular like a clock, the pace takes a new step with a little more power and speed while the moods follow the pace without wandering. Between Moondawn and In Blue, for the more contemporary aspect, "Sequenced Thoughts Part 4" makes us regret Vanderson's decision to focus on EDM from now on.
On 4 parts well distributed over its 73 minutes, “Sequenced Thoughts” is a bombshell of emotions and of reminiscences on the art of the Berlin School and its evolutions through the ages. This is a tour de force that Vanderson and Lambert Ringlage offer to our ears. And hopefully this tandem will come back once in a while to give us such other beautiful emotions. If not, it's the heart a little sad and already nostalgic that I tell you that this “Sequenced Thoughts” is delicious, dreamlike and highly inspired from point A to point Z. Hat to both of you guys for this album which should defy time!

Sylvain Lupari (May 22nd, 2018) *****
synth&sequences.com
Available at Spheric as well as at
CD Baby


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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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La MÉ de style Berlin School va perdre un grand collaborateur avec la fuite de Vanderson vers des territoires de la Electronic Dance Music. Tergiversant depuis au moins 4 ans quand à son orientation musicale, le synthésiste Polonais réaffirme sa volonté de continuer sur les traces de son album Abyss, et de son dernier album Beyond Time Structure, faisant de “Sequenced Thoughts” son testament de la Berlin School. Et il ne le fait pas seul! Accompagné par Lambert Ringlage au séquenceur, il signe ici un de ses meilleurs albums où les solos défilent comme ces queues de cerfs-volants multicolores dans un ciel azuré et où la musique proposée est un petit chef d'œuvre et un authentique survol de l'évolution du genre depuis les années 70. Bénéficiant d'une production et d'un mixage sans taches qui nous bourrent les oreilles à satiété, ce dernier opus de Vanderson est constitué de 4 très belles parties qui subjuguent et étonnent avec cette fascinante complicité entre la simplicité et la complexité.
L'introduction toute brouillonne de "Sequenced Thoughts Part 1" remplie nos oreilles de tonalités que seule la MÉ peut mettre en images. Sont-ce des clapotis? Des explosions feutrées? Des murmures de cavernes? Peu importe! Il y a de tout pour une imagination fertile. Un synthé lance des harmonies sous formes de solos qui se faufilent comme un serpent sonique au-dessus de cette portée de bruits ambiants. Un séquenceur active ses ions après la porte des 3 minutes. En dandinant vivement, il structure un rythme en stéréo qui se fait harponner par une ligne de basses séquences et ses oscillations contrastantes. Des cliquetis de percussions? Pourquoi pas! Et évidement, des percussions. Tous ces éléments combinent un rythme accrocheur où sifflent de non moins accrocheuses harmonies d'un synthé en mode créativité. Les lignes d'harmonies se succèdent avec des nuances dans leurs pirouettes aériennes alors que tout derrière ce décor, des nappes de gaz très TD ajoutent à un panorama sonore où tout est en mouvement. Les séquences apportent des nuances à cette structure de rythme qui hoquète maintenant de spasmes, alors que les ambiances ajoutent des effets qui dimensionnent une scénographie musicale déjà très riche. Même le synthé ajoute une touche nuancée dans ses harmonies dérivantes alors que des éléments fictifs crissent dans un ciel bariolé d'une créativité tonale unique à la MÉ. Peu à peu, la restructuration spasmodique de "Sequenced Thoughts Part 1" arrive à cette étape ambiosphérique si chère à ce modèle dans les secrets de sa 10ième minute. Un petit répit, même pas méditatif, qui revigore une structure déjà près de son paroxysme avec une épaisse couche d'additifs sonores où les solos guident le pas avec une présence autant harmonique que rythmique. Du bon gros Berlin School de la maison Spheric.
"Sequenced Thoughts Part 2" suit les mêmes paramètres avec une structure rythmique sphéroïdale qui va-et-vient comme dans les pas d'un cha-cha cosmique dont les pas incertains sont propices à un synthé et ses milles artifices soniques. Le rythme reste toujours en mode évolutif avec un séquenceur proactif qui insère sa légion d'ions sautillant et dansant dans une structure libre de contraintes, permettant ainsi au synthé de modifier le caractère de ses chants et solos. Si l'approche est plus éthérée que "Sequenced Thoughts Part 1", le point d'explosion, qui se situe autour des 13 minutes, n'a rien à envier à la première partie de “Sequenced Thoughts”. Un gros grondement rauque amène nos oreilles vers "Sequenced Thoughts Part 3". Les nappes qui s'ajoutent approfondissent une approche ténébreuse qui flirte avec les ambiances chthoniennes si chères au Berlin School rétro. Une mare de tonalités et d'éléments d'ambiances attend nos oreilles quelques 140 secondes plus loin, donnant le coup de départ à une structure vertigineuse et dont les influences de Chris Franke au séquenceur ne peuvent être dissocier d'un époustouflant motif de séquences qui m'a jeté par terre. La 1ière partie de "Sequenced Thoughts Part 3" dépasse mes attentes. En fait, c'est un des plus beaux mouvements que Lambert et Vanderson, ensemble ou séparé, ont construit à date. Les synthés sont plus discrets ici, laissant toute la noblesse à ces coups de Bolo répétitifs qui terminent une course de séquences dans des effets de percussions gazées et feutrées. Nous sommes autour de la 11ième minute et un point de ravitaillement d'ambiances est nécessaire avant que la 3ième partie ne verse dans ces approches EDM de Vanderson ou même de Klaus Schulze. Un très bon titre. Et ça prenait quelque chose de très fort pour lui succéder et "Sequenced Thoughts Part 4" fait le travail. Née des eaux, la musique s'élève avec un petit quelque chose qui interroge nos souvenirs. Ça y est! Les nappes de brume font très Klaus Schulze. Les effets et les chants des synthés qui viennent font tout autant. Dépassant les 3 minutes, ces ambiances charment avec des chants de baleines astrales prises dans des nappes de brouillard gorgées de bruines. Et une belle séquence de rythme ambiant émerge après ces 3 minutes. Vanderson et Lambert y vont pour du Schulze afin de bien terminer les dernières visions du synthésiste Polonais eu égard à la Berlin School. Très magnétisant, le mouvement est dans du pur Schulze avec un séquenceur très Moondawn qui escalade ses 10 minutes à travers des nappes pleines de chuchotements et de délicates flûtes harmoniques. Les percussions qui s'ajoutent donne de la vélocité qui excite nos sens et les ambiances. C'est dans un décor électronique féérique que cette dernière partie de “Sequenced Thoughts” évolue. Et, régulier comme une horloge, le rythme franchit une nouvelle étape avec un peu plus de puissance et de vitesse alors que les ambiances suivent le pas sans traîner de la patte. Entre Moondawn et In Blue, pour l'aspect plus contemporain, "Sequenced Thoughts Part 4" nous fait regretter cette décision de Vanderson de se concentrer dorénavant sur la EDM.
Sur 4 parties bien réparties sur ses 73 minutes, “Sequenced Thoughts” est une bombe d'émotions et de réminiscences sur l'art de la Berlin School et de ses évolutions au travers les âges. C'est un véritable tour de force que Vanderson et Lambert Ringlage offrent à nos oreilles. Et c'est à espérer que ce tandem revienne une fois de temps en temps nous refiler de si belles sensations. Sinon, c'est le cœur un peu triste et déjà nostalgique que je vous dis que ce “Sequenced Thoughts” est délicieux, onirique et hautement inspiré du point A au point Z. Chapeau messieurs pour cet album qui devrait défier le temps!

Sylvain Lupari 22/05/18

mercredi 23 mai 2018

SENSITIVE CHAOS: Walking a Beautiful World (2018)

“Rich and creative in all aspect, this is a travel diary into sounds and tones”
1 Dreaming Helsinki Esplanadi
   (Walking a Beautiful World) 6:58
2 Missing Viejo 7:13      3 Jomo Jet Lag 1:14
4 Bad Ass Nairobi Land Rover 6:35
5 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky 8:01
6 Gift Hill Respite 1:00
7 Takeshita Street vs. the Jeepney 6:41
8 Mercado San Telmo 4:31
9 Spirits Between Bourbon and Royal 5:01
10 Hypnotica Muríca 10:22
11 Last Day Song (World Walking Again) 5:10
12 Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky (Radio Edit) 7:04

Subsequent Records|SR008-02 (CD 69:44)
(Electronic Folk)
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**Chronique en français plus bas**
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With time, I eventually became a true fan of Sensitive Chaos. Nevertheless, this Jim Combs' project is at light years of the Berlin School model, even if it's essentially built around synthesizers and beat-boxes. Mixed adequately to more conventional instruments, such as guitars and bass, and to acoustic instruments such as trumpet, harmonica, saxophone and violin, this electronic music reaches another level which becomes even more surprising when the targeted styles go from Jazz to Folk with a touch of American Southwest's spirit. In fact, it's the very eclectic side of the Pacific School model but with a more cheerful vision and where some essences of Robert Rich and Forrest Fang drag melancholy and creativity beyond what one could imagine. “Walking a Beautiful World” is a 9th album and especially a diary travel in sounds and tones that Jim Combs made around the globe these last years. Inspired by meetings with people of Finland and Europe, as well as from South America, from Africa, Asia and finally from his home in the region of Atlanta, the sound troubadour with thousand ideas returns with an album as surprising as his long journey. And his immense bunch of guest artists gives as many colors as emotivism to a superb immensely musical album.
This tone so crystalline of Sensitive Chaos slits the silence with hesitating arpeggios which connect to another keyboard and to a suspended rivulet of electronic arpeggios which glitters adrift. The electronic envelope spreads its influence made of charms and surprises to percussions of which the acoustic gallops run to support the Chinese harmonies of Josie Quick's violin. Light and lively, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" proposes the work of three synthesists (Jim Combs, Tony Gerber and Otso Pakarinen) who court, by presenting miscellaneous tones of wind instruments, a violin which knows skillfully how to measure its emotions. "Missing Viejo" is a first crush here with a rhythm structured well on a good work of percussions. The electronic and acoustic ingredients melt themselves in a very musical sound mass where Dave Coustan's trumpet does very Mark Isham. We stamp of the foot, the bass is also very good, and we enjoy this meshing of electronic and acoustic instruments which get lost in our imagination. Is it a synth? A saxophone? A violin? All living with a symbiosis of the most melodious. The electronic effects of "Jomo Jet Lag" throw themselves into "Bad Ass Nairobi Land Rover" and whose ambiospherical road goes slowly towards a fascinating and very bucolic Southern Rock. Each album of Sensitive Chaos possesses its pearl. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the one of “Walking a Beautiful World”. A wonderful ballad in a musical texture full of new developments, at the level emotion, where all the instruments converge on an ear-catchy, because of its intensity, electronic Folk.
"Gift Hill Respite" proposes a very ethereal introduction to "Takeshita Street vs. the Jeepney". And running away from a sound romance gone up on a bed of carillons, this title proposes a spasmodic structure forged with rhythmic arpeggios and with percussions sometimes sober and sometimes livened up by a desire to blow up a rhythmic proposal which increases its depth with Ryan Taylor's good bass. His guitar also scatters its musing, more present than the discreet violin, on this tight meshing which flows like a rivulet of clanic trance. A convincing and very catchy surprise! "Mercado San Telmo" is another cheerful hymn where a street of New Orleans gets embellish of festive music. The violin and Brian Good's soprano saxophone have a great time on a purely electronic structure where the chords and the riffs of synth play with our sense of hearing like the uncertain steps of a cat a little bit drunk. "Spirits Between Bourbon and Royal" is a surprising title which reminds us in of a good Beck. The mixture of Funk and Folk, with riffs of rather cosmic guitar, shines here with a sound aestheticism as complex as very catchy. The bass is more vicious than the collection of jerky riffs of the guitar. "Hypnotica Muríca" is a strange title, a little like a music without identity, which could be as well produced by Beck or by Brian Eno in Nerve Net. The music is rich and the tonal aestheticism make a good menu for my Tribe Tower. Funk and Southern Rock, with an approach of collective joy, the rhythm skips with the cawings of a bass and a series of very acid riffs which forge a jerky and bipolar tempo. Voices of a man and of a girl decorate a panorama very near a psychedelic without borders with sound effects which abound around the violin which crumbles some American patriotic airs and a very rock guitar of the former 70's. On a structure of circular rhythm which hops up and down with hundreds of crazy steps, and which gets back constantly, "Last Day Song (World Walking Again)" offers a melodious ritornello with a very creative synth at the level of its choice of flute. It's Sensitive Chaos at its purest level with an approach of minimalist tornado which swallows all the sounds on its passage. When I told you that "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" is the pearl of this album …The gang of Jim Combs even made a radio edit version. A way as another one to hear this wonderful title twice rather than one and which is taken from a “Walking a Beautiful World” rich and creative at every level. A top notch album my dear Jim!

Sylvain Lupari (May 21st,2018) ****¼*
synth&sequences.com
You will find this album on Sensitive Chaos web shop

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Avec le temps, j'ai fini par devenir un inconditionnel de Sensitive Chaos. Pourtant, ce projet de Jim Combs est à des années-lumière du modèle Berlin School, même si elle est construite essentiellement autour des synthétiseurs et des boîtes à rythmes. Mélangés adéquatement à des instruments plus conventionnels, tels que guitares et basse, et à des instruments acoustiques tels que trompette, harmonica, saxophone et violon, cette musique électronique atteint un autre niveau qui devient encore plus étonnant lorsque les styles ciblés vont du Jazz à du Folk avec une touche du Sud-Ouest américain. En fait, c'est le côté très éclectique du modèle de la Pacific School mais avec une vision plus enjouée où des parfums de Robert Rich et Forrest Fang traînent mélancolie et créativité au-delà de ce que l'on pourrait imaginer. “Walking a Beautiful World” est un 9ième album et surtout un journal de voyage en sons et en tons que Jim Combs a effectué autour du globe ces dernières années. Inspiré par des rencontres avec des habitants de la Finlande et de l'Europe, de même que de l'Amérique du Sud, l'Afrique, l'Asie et finalement chez lui dans la région d'Atlanta, le troubadour sonique aux milles idées revient avec un album aussi étonnant que son long voyage. Et son immense brochette d'artistes invités donne autant de couleurs que d'émotivité à un splendide album immensément musical.
Cette tonalité si cristalline à Sensitive Chaos fend le silence avec des arpèges hésitants qui se connectent à un autre clavier et à un ruisselet d'arpèges électroniques suspendu et qui miroite à la dérive. L'enveloppe électronique étend son emprise constituée de charmes et de surprises
avec des percussions dont les galops acoustiques courent afin de soutenir les harmonies chinoises du violon de Josie Quick. Léger et entrainant, "Dreaming Helsinki Esplanadi (Walking a Beautiful World)" propose le travail de trois synthétistes (Jim Combs, Tony Gerber et Otso Pakarinen) qui font la cour, en présentant divers tonalités d'instruments à vents, à un violon qui sait habilement doser ses émotions. "Missing Viejo" est un premier coup de cœur avec un rythme bien structuré sur un beau travail de percussions. Les ingrédients électroniques et acoustiques se fondent en une masse sonore très musicale où la trompette de Dave Coustan fait très Mark Isham. On tape du pied, la basse est très bonne aussi, et on apprécie ce maillage d'instruments électroniques et acoustiques qui se perdent dans notre imagination. Est-ce un synthé? Un saxophone? Un violon? Tous cohabitant avec une symbiose des plus mélodieuses. Les effets électroniques de "Jomo Jet Lag" se jettent dans "Bad Ass Nairobi Land Rover" et dont la route ambiosphérique aboutira vers un fascinant Southern Rock très bucolique. Chaque album de Sensitive Chaos possède sa perle. "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est celle de “Walking a Beautiful World”. Une superbe ballade dans une texture musicale pleine de rebondissements, au niveau émotion, où tous les instruments convergent vers un séduisant Folk électronique.
"Gift Hill Respite" propose une introduction très éthérée à "Takeshita Street vs. the Jeepney". Et fuyant une romance sonique montée sur un lit de carillons, ce titre propose une structure spasmodique forgée avec des arpèges rythmiques et de percussions tantôt sobres et tantôt animées d'un désir de faire exploser une proposition rythmique qui alourdit sa profondeur avec la bonne basse de Ryan Taylor. Sa guitare éparpille aussi ses rêveries, plus présentes que le discret violon, sur cet étroit maillage qui coule comme un ruisselet de transe clanique. Étonnement convaincant et très accrocheur! "Mercado San Telmo" est un autre hymne de fête où une rue de la Nouvelle-Orléans se décore de musique festive. Le violon et le saxophone soprano de Brian Good s'en donnent à cœur joie sur une structure purement électronique où les accords et les riffs de synthé jouent avec notre ouïe comme les pas incertain d'un chat un peu saoul. "Spirits Between Bourbon and Royal" est un titre étonnant qui nous fait penser à du bon Beck. Le mélange de Funk et de Folk, avec des riffs de guitare assez cosmique, rayonne ici d'un esthétisme sonore aussi complexe que très séduisant. La basse est plus vicieuse que la collection de riffs saccadés de la guitare. "Hypnotica Muríca" est un titre étrange, un peu comme une musique sans identité, qui pourrait être aussi bien produite par Beck ou par Brian Eno dans Nerve Net. La musique est riche et l'esthétisme tonal font bien paraître mes Tribe Tower. Funk et Southern Rock, avec une approche de défoulement collectif, le rythme sautille avec des croassements de basse et une série de riffs très acides qui forgent un tempo saccadé et bipolaire. Une voix d'homme et de petite fille ornent un panorama très près du psychédélique sans frontières avec des effets sonores qui abondent autour du violon qui émiette des airs patriotiques américains et une guitare très rock ancien aussi fougueuse que dans les années 70. Sur une structure de rythme circulaire qui trépigne de cents pas fous, et qui revient en boucles, "Last Day Song (World Walking Again)" offre une ritournelle mélodieuse avec un synthé très créatif au niveau de son choix de flûte. C'est du Sensitive Chaos de ce qu'on connaît le mieux avec une approche de tornade minimaliste qui avale tous les sons sur son passage. Quand je vous disais que "Rain Falls Down Like an Ocean in the Sky" est la perle de cet album…La gang à Jim Combs en a même fait une version pour la radio. Une façon comme une autre d'entendre ce splendide titre deux fois plutôt qu'une et qui est tiré d'un “Walking a Beautiful World” riche et créatif à tous les niveaux. Un superbe album mon cher Jim!

Sylvain Lupari 21/05/18

lundi 21 mai 2018

DIVIDED BY TWO: The Legend (2018)

“A nice but purely ambient tale, The Legend bears the seal of two veterans in the field who kept their unique signature that characterized the intensity of their floating visions”

1 The Oppression of the Giant 20:46
2 Throwing the Hand 17:21
3 The River Filled with Blood 14:56
4 Out of the Dark Ages 17:03

SynGate Luna|DT01 (CD-r/DDL 70:08)
(Ambient Music
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   **Chronique en français plus bas**
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Divided by Two is a musical project led jointly by Gabriele Quirici, of Perceptual Defence and Danny Budts from Syndromeda. These 2 artists collaborate together since Fear of the Emptiness Space, which is appeared in the cd trays in 2014. Three other albums followed, among which Live at Cosmic Nights 2017 which had showed already the next stage of the duet Quirici/Budts. And this next phase is Divided by Two, a project of ambient music and music of ambiences with a strong connotation for essences of cosmos, even if this first album, “The Legend”, is inspired by an Earth legend. Either be the mythical story of the Roman soldier Silvius Brabo who killed the Giant, cutter of hands, Druon Antigoo and threw his hand in the Scheldt.
After some first minutes rather quiet, synth waves revolve between our ears with this state of astral weightlessness. Lapping of water and electronic noises decorate this slow sound impulse which is braided tightened enough by floating multi-lines which seem to an obstacle to felted explosions. Little by little the dimension of the tones puts down its blooming of sounds with lines painted of contrasting colors which weld their wings and split them some flights farther. The sound panorama of "The Oppression of the Giant" is dark and constituted by the floating of multi-layers of which the esoteric chants are drifting in the density of a sound texture which exploits without embarrassment the most intriguing colors of the synths. It's hefty and this sensation to roam in the plains of the galaxies dressed in cosmonaut's combination is more omnipresent than those of crossing a river the hands cut, according to this legend that the giant used to cut the hands of those who were incapable to pay the price of the crossing. "Throwing the Hand" is more linear and plays into an endless corridor where the breezes and the whistles of the winds accentuate even more the sibilant and oppressive aspect of "The Oppression of the Giant". The progression and the intensity of "The River Filled with Blood" is going quite softly and especially in length. The synth breezes are warmer and if we soak our imagination in a film vision, we can see this river of blood in the movie Shake Hands with the Devil and/or other movies of the same genre. It's quiet, more ethereal and clearly less cosmic. In fact, these last two titles are very contrasting compared to "The Oppression of the Giant" and "Out of the Dark Ages" which are two very intense music tales. And "Out of the Dark Ages" is even more striking, almost cataclysmic with these rustles of metal sheets and these layers of more or less seraphic voices, where all the electronic effects adorn a panorama always well fed and to the antipodes of a cosmic approach as a mythological one.
In reality, Divided by Two is not really too much far from the four albums of the duet Syndromeda/ Perceptual Defence. Thus, the fan and the listener are not disoriented. Except that here, there are no sequences, nor rhythms propelled by implosions of lines strongly opposed which distanced this music of that purely ambient of “The Legend”. But on the other hand Quirici/Budts kept this intensity that characterized their music, making of her a unique signature in the spheres of music for ambiences, which implants images in our spirit, and ambient music, which makes us travel over the plains of Antwerpen.

Sylvain Lupari (May 20th, 2018) ***½**
synth&sequences.com
Available on SynGate's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Divided by Two est un projet de musique mené conjointement par Gabriele Quirici, de Perceptual Defence et Danny Budts de Syndromeda. Ces 2 artistes collaborent ensemble depuis Fear of the Emptiness Space, qui est apparu dans les bacs en 2014. Trois autres albums ont suivi dont le dernier, Live at Cosmic Nights 2017, montrait déjà la prochaine étape du duo Quirici/Budts. Et cette prochaine étape est Divided by Two, un projet de musique ambiante et d'ambiances avec une forte connotation pour les essences du cosmos, même si ce premier album, “The Legend”, est inspiré d'une légende Terrestre. Soit la mythique histoire du soldat romain Silvius Brabo qui a tué le géant coupeur de mains Druon Antigoo et a lancé sa main dans l'Escaut.
Après des premières minutes plutôt calmes, des ondes de synthé gravitent entre nos oreilles avec cet état d'apesanteur astrale. Des clapotis d'eau et des bruits électroniques ornent cette lente impulsion sonique qui est tressée assez serrée par des multi-lignes flottantes qui semblent former un obstacle à des explosions feutrées. Peu à peu la dimension des tons étend sa floraison sonique avec des lignes aux couleurs contrastantes qui soudent leurs ailes pour les séparer quelques envolées plus loin. Le panorama sonique de "The Oppression of the Giant" est sombre et constitué des nappes flottantes dont les chants ésotériques flottent dans la densité d'une texture sonore qui exploite sans gênes les couleurs les plus intrigantes des synthés. C'est lourd et cette sensation d'errer dans les plaines des galaxies vêtu d'une combinaison de cosmonaute est plus omniprésentes que celles de traverser un fleuve les mains coupées, selon cette légende que le géant coupait les mains de ceux qui étaient incapable d'affranchir le prix de la traversée. "Throwing the Hand" est plus linéaire et exploite un corridor sans fin où les brises et les siffles des vents accentuent encore plus l'aspect sibilant et oppressant de "The Oppression of the Giant". La progression et l'intensité de "The River Filled with Blood" se fait tout en douceur et surtout en longueur. Les brises sont chaleureuses et si on imbibe notre imagination dans une vision cinématographique, on peut voir cette rivière de sang dans le film J'ai serré la Main du Diable et/ou autres films du même genre. C'est calme, plus éthéré et nettement moins cosmique. En fait, ces deux derniers titres font très contraste à "The Oppression of the Giant" et à "Out of the Dark Ages" qui sont deux très intenses contes sonores. Et "Out of the Dark Ages" l'est encore plus dans une approche saisissante, quasiment cataclysmique avec ces bruissements de métal criant et ces nappes de voix plus ou moins séraphiques, où les effets électroniques ornent un panorama toujours bien nourri et aux antipodes d'une approche cosmique comme mythologique.
En réalité, Divided by Two n'est pas vraiment trop loin des 4 albums du duo Syndromeda & Perceptual Defence. Donc, le fan et l'auditeur ne sont pas dépaysé. Sauf qu'ici, il n’y a point de séquences, ni de rythmes propulsés par des implosions de lignes farouchement opposées qui distançaient cette musique de celle purement ambiante de “The Legend”. Mais Quirici/Budts ont gardé par contre cette intensité qui caractérisait leur musique, faisant d'elle une signature unique dans les sphères de la musique d’ambiances pour implanter des images dans notre esprit et ambiante pour nous faire voyager au-dessus des plaines d'Antwerpen.

Sylvain Lupari 20/05/18

dimanche 20 mai 2018

NORD: The Tree of Life (2017)

“The more he moves forwards and the more Nord is turning into a one member band of Electronic prog-rock”
1 The Wise Man 13:09
2 The Deer and the Horse 10:38
3 The Falcon and the River 8:38
4 The Tree 12:49
5 Trance 10:06
6 Completion 11:36

Nord Music (67:00)
(Electronic Progressive Rock)
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   **Chronique en français plus bas**

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First album of Nord in 2018, “The Tree of Life” is inspired by an ancient Hungarian mythology; Életfa or the Tree of life which is considered to be the center of the world. And like in his last albums, Sztakics István Attila keeps on going and even accentuates his bend towards a fusion of progressive rock and of an EM of the Berlin School style which seduced his new legion of fans since The Hidden Garden of Semiramis. Genesis dipped into Opeth and\or Strawbs marinated in Dream Theater, Nord uses more and more his electric guitars plug-ins on this album. Structuring thus head-bangers rhythms between phases of atmospheres or as complement to a rising electronic rhythm. In the end, “The Tree of Life” ends to be more a progressive rock album decorated with a touch of EM than of its opposite. Exception made of the synth solos which abound on every title with some very esthetic choreographies.
It's moreover by a very Jeff Beck guitar (Roger Waters-Amused to Death) which roams in ethereal atmospheres that "The Wise Man", one of the main characters of this mythology, gets open. Some caresses of violins try to float with the suave lyrical harmonies of a splendid voice of goddess which is raised in order to give us shivers with his poignant crescendo of emotionalism. The synth plays on the depth of an Elvish choir for Angels and Devils, while injecting banks of mist in this luxurious decoration where even the twist reverberations the have a beautiful tonal tint. Crystal clear sequences liven up these spasmodic movements of rhythm unique in the arsenal of EM with two tones which head for the same tangent. If songs of a virgin flute tickle our emotions, the heavy riffs very loud of a rock guitar make counterweight. The fluty airs become piercing whereas the rhythm pursues its zigzagging road, a little as Tangram played in speeded-up, with sequences which remove their shadows in order to accelerate a pace which collapses now under the weight of heavy and resonant chords. This rhythmic instability is then whipped by percussions which lead the finale of "The Wise Man" towards a furious almighty mixture of heavy and ethereal, of theatrical progressive rock and electronic which is now the trademark of Nord since some albums. "The Deer and the Horse" are other elements of this Hungarian tale. In music, this is translated by an intro fed of glaucous reverberations and of synth riffs which coos some nice little melodic soloes adorned of sound prisms which remain suspended in this very aerial decoration. Bass pulsations form a structure of rhythm which waves discreetly in this introduction fed of reverberations, solos of uncertain forms, tonal prisms … and riffs of guitar a la David Gilmour (Animals). The door is now open to a rock approach which becomes rather a heavy rock a la Uriah Heep, set apart the jerky riffs of guitars which make very Opeth, with synth solos and layers of Hammond organ which are running on a structure in madness. "The Falcon and the River" follows the same rules, exception made of an introduction blown by celestial voices and also for a rhythm which is slightly slower. The riffs are also sharp-edged and monstrous! And so goes too "The Tree" which adopts the shape of the previous titles with an opening where reverberations, electro-cosmic effects and layers of celestial voices spread a panorama of an idle serenity. A circular movement of the sequencer goes out of these ambiences of which the crescendo pursues its ascent with these big jerky riffs, helped by very rock percussions, which perturb the atmospheres of this album while preserving a level of rhythmic uncertainty convenient for good synth solos which sound very David Wright. "Trance" is a beautiful electronic ballad which gets transformed into a copy of Power Ballad. The same goes for "Completion" which concludes “The Tree of Life” with the very theatrical rock vision heavy and incisive from Nord.

Sylvain Lupari (May 15th, 2018) ***¼**
synth&sequences.com
You will find this album in DDL only on Nord Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Premier album de Nord en 2018, “The Tree of Life” est inspiré d'une ancienne mythologie hongroise; Életfa ou l'Arbre de Vie qui est considéré comme le centre du monde. Et comme lors de ses derniers albums, Sztakics István Attila continue et accentue même son virage vers une fusion de rock progressif et de MÉ du style Berlin School qui a séduit une nouvelle légion de fans depuis The Hidden Garden of Semiramis. Du Genesis trempé dans du Opeth et/ou du Strawbs mariné dans du Dream Theater, Nord utilise d'avantage ses modules de guitare électrique sur cet album. Structurant ainsi des rythmes de head-bangers entre des phases d'ambiances ou comme complément à un rythme électronique naissant. Au final, “The Tree of Life” devient plus un rock progressif orné d'une touche de MÉ que son contraire. Exception faite des solos de synthés qui abondent sur chaque titre avec des chorégraphies très esthétiques.
C'est d'ailleurs par une guitare très Jeff Beck (Roger Waters-Amused to Death) qui rôde dans des ambiances éthérées que s'ouvre "The Wise Man", un des personnages centraux de cette mythologie. Des caresses de violons tentent de flotter avec les suaves harmonies lyriques d'une splendide voix de déesse qui est dressée pour nous donner des frissons avec ses poignants crescendos d'émotivité. Le synthé joue sur la profondeur d'une chorale Elfique pour Anges et Démons, tout en injectant des bancs de brume dans ce somptueux décor où même les réverbérations twistées ont un beau teint tonal. Des séquences limpides animent ces mouvements de rythme spasmodique uniques à l'arsenal de la MÉ avec deux tonalités qui épousent une même tangente. Si des chants d'une flûte virginale chatouille nos émotions, les lourds riffs bien pesant d'une guitare rock font contrepoids. Les chants flûtés deviennent acuités tandis que le rythme poursuit sa route zigzagante, un peu comme Tangram joué en accéléré, avec des séquences qui détachent leurs ombres afin d'accélérer une cadence qui croule maintenant sous le poids d'accords lourds et résonnants. Cette instabilité rythmique est fouettée alors par des percussions qui conduisent la finale de "The Wise Man" vers un furieux mélange de lourd et d'éthéré, de rock progressif théâtral et d'électronique qui est devenu le sceau de Nord depuis quelques albums. "The Deer and the Horse" sont d'autres éléments de ce conte Hongrois. En musique ça se traduit par une intro nourrie de réverbérations glauques et de riffs de synthé qui roucoule de beaux petits solos mélodiques ornés de prismes soniques qui restent suspendu dans ce décor très aérien. Des basses pulsations forment une structure de rythme qui ondule discrètement dans cette introduction nourrie de réverbérations, de solos aux formes incertaines, de prismes tonals…et des riffs de guitare à la David Gilmour (Animals). La porte est ainsi ouverte à une approche rock qui devient plutôt un heavy rock à la Uriah Heep, mis à part les riffs de guitares saccadés qui font très Opeth, avec des solos de synthé, et des nappes de Hammond, qui courent sur une structure en folie. "The Falcon and the River" suit les mêmes règles, sauf pour une introduction soufflée par des voix célestes et le rythme qui est légèrement plus lent. Les riffs sont aussi tranchants et monstrueux! Et de "The Tree" de suivre le modèle du titre précédent avec une ouverture où réverbérations, effets électronicosmiques et nappes de voix célestes étendent un panorama de sérénité oisive. Un mouvement circulaire du séquenceur sort de ces ambiances dont le crescendo poursuit sa montée avec ces gros riffs saccadés, aidés de percussions très rock, qui perturbent les ambiances de cet album maintiennent un niveau d'incertitude rythmique propice à de bons solos de synthé qui font très David Wright. "Trance" est une belle ballade électronique qui se transforme en une copie de Power Ballad. Idem pour "Completion" qui conclut “The Tree of Life” avec la vision très rock théâtrale lourd et incisif de Nord.
Sylvain Lupari (15/05/18)

samedi 19 mai 2018

LENSFLARE: Ultraviolet 2 (2018)

“Much more ambiospherical than the first chapter Ultraviolet 2 is a blend of pure Cosmic essence and of morphing Berlin School”

1 Cosmic Radiation 18:05
2 Time Warp 16:00
3 Gamma Decay 21:28

Lensflare Music (DDL 55:34)
(Cosmic and floating Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Breaths made of ochre and deaf reverberations perfume an introduction where a thick surface of synth waves and of rippling synth lines are retaining the impulse of "Cosmic Radiation". In fact, the intro, and the ambiences to come from this title, depicts quite right the territory in which "Cosmic Radiation" evolves and by ricochet this album of Lensflare. Cosmic electronic effects, and other ones purely electronic, mark out a procession at the counter of a title which has difficulty in breathing, so much the atmospheres are weaved in stitches of tones without holes to make breathe the tissue. Layers of voice? Why not! It was the only element being lacking in this puddle of sound graffiti and sound effects. And their presences after 3 minutes comfort the fans of Berlin School. We smell that Lensflare is going to give birth soon. But it will rather be like a mountain giving birth to a mouse. Sequences packed of radiances, one would say Syndromeda's sequencing pattern, roam here and there before a less irradiant line of sequences modulates these rhythms which flicker with alacrity to make dance our neurons. This first phase of motionless rhythm lays down short oscillations without cleaning up the elements of ambiences present from the first seconds of this first title, and which will be living right to the very end of “Ultraviolet 2”. Little by little, the structure frees shapes of cosmic rodeos to which are grafted layers of voices which are as much fed than the rippling vapors of the synths. And quite slowly, the life of "Cosmic Radiation" goes out under this thick veil of cosmic radiations.
If the first Ultraviolet was an album of free interpretation about Rubycon, “Ultraviolet 2” brings us back a little more in the universe of the cosmic atmospheres a bit complexes and progressives of The Valle dell' Inferno, released at the beginning of 2018. We are here in a mixture of ambient cosmic music and Berlin School, which the Italian synthesist has composed in his studio of Guidonia in Italy at this beginning of 2018. “Ultraviolet 2” is 3 long structures of which the slow evolutions take place in a universe where our ears have already put their lobes. Background noises, sound effects as cosmic as organic, sinuous lines and sinister reverberations as well as layers of voices and aerial flutes give birth and suffocate rhythms too weak to drill this sound opacity which is the ink of this album. "Time Warp" doesn't escape to this vision of Lensflare for this album, while only the short invasion of the sequencer in "Gamma Decay" escapes the domination of the atmospheres. For the rest, this “Ultraviolet 2” reaches the goal aimed; either a good cosmic music with a little of Berlin School.

Sylvain Lupari (May 18th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des souffles ocrés et des réverbérations sourdes parfument une introduction où un épais tapis d'ondes et de lignes ondoyantes retiennent l’élan de "Cosmic Radiation". En fait, l'intro, et les ambiances à venir de ce titre, dépeint assez bien le territoire dans lequel "Cosmic Radiation" évolue et par le fait même cet album de Lensflare. Des effets électroniques cosmiques, et d'autres purement électroniques, jalonnent une procession du compteur d'un titre qui peine à respirer, tant les ambiances sont tissées dans des mailles de tons sans trous pour faire respirer le tissu. Des nappes de voix? Pourquoi pas! C'était le seul élément manquant dans cette mare de graffitis et d'effets soniques. Et leurs présences après les 3 minutes réconfortent les amateurs de la Berlin School. On sent que Lensflare va accoucher d'ici peu. Mais ce sera plutôt comme une montagne donnant naissance à une souris. Des séquences gorgées de radiances, on dirait du Syndromeda, errent ici et là avant qu'une ligne de séquences moins irradiante module ces rythmes qui papillonnent avec ardeur afin de faire danser nos neurones. Cette première phase de rythme stationnaire couche de courtes oscillations sans pour autant nettoyer les éléments d'ambiances présentes depuis les premières secondes de ce premier titre, et qui le seront jusqu'à la toute fin, de “Ultraviolet 2”. Peu à peu, la structure libère des figures de rodéos cosmiques auxquels se greffent des nappes de voix aussi nourries que les vapeurs ondoyantes des synthés. Et tout doucement "Cosmic Radiation" s'éteint peu à peu sous cet épais voile de radiations cosmiques.
Si le premier Ultraviolet était un album d'interprétation libre sur Rubycon, “Ultraviolet 2” nous ramène un peu plus dans l'univers des ambiances cosmiques un brin complexes et progressives de La Valle dell'Inferno, paru en début 2018. Nous sommes dans un mélange de musique d'ambiances cosmiques et de Berlin School, que le synthésiste Italien a composé dans son studio de Guidonia en Italie en ce début 2018. “Ultraviolet 2”, c'est 3 longues structures dont les lentes évolutions se passent dans un univers où nos oreilles ont déjà mis leurs lobes. Bruits de fond, effets sonores tant cosmiques qu'organiques, lignes sinueuses et réverbérations sinistres ainsi que nappes de voix et chants de flûtes donnent naissance et étouffent des rythmes trop faibles pour percer cette opacité sonore qui est l'encre de cet album. "Time Warp" n'échappe pas à cette vision de Lensflare pour cet album, alors que seule la courte évasion du séquenceur dans "Gamma Decay" échappe à la domination des ambiances. Pour le reste, ce “Ultraviolet 2” atteint le but visé; de la musique cosmique avec un peu de Berlin School.
Sylvain Lupari (18/05/18)

LENSFLARE: Ultraviolet (2017)

“Ultraviolet is a free interpretation of TD's Rubycon which will pleased for sure those who have missed those years”

1 Ultraviolet Part 1: Spectrum 19:23
2 Ultraviolet Part 2: Exposure 15:52

Lensflare Music (DDL 35:15)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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It's like a tonal blooming which develops under Silvain's eyes, apprentice flutist and God of fields. The sounds grow in this music field and get into our ears with a little of echo and discord. A flute brings up a more harmonious aura with an air which is shaking under the stings of some cold breezes and the delicate knocks of gongs. Other noises, stranger ones, bloom between the crevices of synthesizers which add layers of chthonian voices. This tonal hatching wins in intensity of noises where falls of winds and horizontal hummings add more psychedelic effects to this long introduction of "Ultraviolet Part 1: Spectrum". And if your ears believe to have discover the garden of influences of these atmospheres, it's that you know by heart the ambiospherical elements which fed the introductions of the first Tangerine Dream albums on Virgin. And it's after 8:30 minutes that the whole thing gets revealed. With a movement of the sequencer stolen from the memories of Rubycon, Lensflare sculpts this fluid and floating movement of the sequencer of which the heavy oscillations here serve as bed for a melodious approach of the synth. The airs of the flute are more sharpened, less dreamy also, and sing this ghostly melody which irreparably seduced us in the turning of the 70's. Superb and predictable, this version freely inspired by this first cult album of Tangerine Dream reaches its purpose with the addition of percussions and this caricatural finale which here really sounds strangely like those ambient elements in a title of Black Sabbath from the Mob Rules album; E5150.
Have we enough of these perpetual movements of EM which are freely inspired by old Berlin School and of its pioneers? From what I've heard since years, I don't think so because there is big movement of revival in the air. The young artists look for this analog tone, some are in search of the possible unknown paths of those years, some have even found them, while other artists are freely inspired by an album in particular which is connected to this era. It's the case here with “Ultraviolet” from the Italian musician Lensflare. The latter said things clearly and dives literally in both sides of the Rubycon universe. I followed him and I enjoyed it. That gives me an opportunity to reconnect with the past. But his version doesn't surpass the original, even if sometimes we have the vague feeling to be pushed in a furrow that our senses hadn't perceived yet at that time, and even years farther. It's the case with "Ultraviolet Part 2: Exposure" where the sound fauna is especially denser and more creative by flooding even a longer structure of rhythm and which imitates the original in its architecture while bringing more abrupt contrast in its oscillations and more fluidity in its leading movement. To me that sounds much more like a kind of remix than a free interpretation. But in any case, one listens to it very well even if that never matches the original, and I don't believe that it was the goal aimed by Lensflare. I think that it's a fair free interpretation with a very good wealth and a search in the color of the tones. If you liked Rubycon and Phaedra years of Tangerine Dream, I believe that in the end you will be satisfied by this “Ultraviolet” which is available only in a downloadable on the Lensflare's Bandcamp page.

Sylvain Lupari (May 17th, 2018) *** ½**
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est comme une floraison tonale qui se développe sous les yeux de Silvain, apprenti flûtiste et 
Dieu des champs. Des sons poussent dans ce champ de musique et entrent dans nos oreilles avec un peu d'écho et de discorde. Une flûte élève une aura plus harmonique avec un air qui chevrote sous la piqure de brises froides et les délicats coups des gongs. D'autres bruits, plus étranges, fleurissent entre les interstices de synthétiseurs qui rajoutent des nappes de voix chthoniennes. Cette éclosion tonale gagne en intensité bruiteuse où des chutes de vents et des bourdonnements horizontaux ajoutent plus d'effets psychédéliques à cette longue introduction de "Ultraviolet Part 1: Spectrum". Et si vos oreilles croient avoir décelé le jardin des influences de ces ambiances, c'est que vous connaissez par cœur les éléments ambiosphériques qui nourrissaient les introductions des premiers albums de Tangerine Dream sur Virgin. Et c'est après les 8:30 minutes que le tout s'explique. Avec un mouvement du séquenceur volé aux souvenirs de Rubycon, Lensflare sculpte ce mouvement fluide et flottant du séquenceur dont les lourdes oscillations ici servent de lit pour une approche mélodieuse du synthé. Les chants de flûte sont plus aiguisés, moins rêveurs aussi, et épousent cette mélodie fantomatique qui nous a irrémédiablement séduite au tournant des années 70. Superbe et prévisible, cette version librement inspirée de ce premier album culte de Tangerine Dream atteint son but avec l'addition de percussions et cette finale caricaturale qui ici ressemble drôlement aux ambiances d'un titre de Black Sabbath dans Mob Rules, E5150.
En avons-nous assez de ces sempiternelles mouvements de MÉ qui sont librement inspirés de la vieille Berlin School et de ses artisans? Avec tout ce que j'entends depuis les dernières années il faudrait croire que non, puisqu'il y a gros mouvement de revival dans les airs. Les jeunes artistes recherchent cette sonorité analogue, certains sont à la recherche des possibles sentiers ignorés de cette époque, même que certains en trouvent, alors que d'autres artistes s'inspirent librement d'un album en particulier qui est lié à cette période. C'est le cas ici avec “Ultraviolet” du musicien Italien Lensflare. Ce dernier ne fait aucune cachette et plonge littéralement dans les deux côtés de l'univers Rubycon. Et moi j'embarque et j'aime bien cela. Ça me donne une occasion de me reconnecter avec le passé. Mais ça ne dépasse pas l’original, même si des fois on a la vague impression d'être enfoncé dans un sillon que nos sens n'avaient pas encore perçu à cette époque, et même des années plus loin. C'est le cas avec "Ultraviolet Part 2: Exposure" où la faune sonore est plus dense et surtout plus créative en inondant même une structure de rythme plus longue et qui imite l'original dans son architecture tout en apportant plus de contraste abrupte dans ses oscillations et plus de fluidité dans son mouvement. Ça ressemble bien plus à un genre de remix qu'à une interprétation libre. Mais dans tous les cas, ça s'écoute très bien même si ça ne dépasse pas, et je ne crois pas que c'est le but visé de Lensflare, l'original. Une belle interprétation libre et une très belle richesse et recherche dans la couleur des tons. Si vous aimez la période Rubycon et Phaedra de Tangerine Dream, je crois qu'au final vous serez bien comblé par ce “Ultraviolet”. Disponible uniquement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Lensflare.

Sylvain Lupari (17/05/18)

jeudi 17 mai 2018

EFSS: Tidal Shift (2018)

“A bit difficult to tame and to taste, Tidal Shift worth these extra listenings you will give to it...and then, it will be a hearing love story”

1 Flood 8:16
2 Fate 7:09
3 Movement 10:12
4 Transit 7:04
5 Tunnel 7:59
6 Macroscopic 5:35
7 Axis 8:06

EFSS Music (CD & DDL 54:23)
(Berlin School with a bit of extravaganzas)
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   **Chronique en français plus bas**

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Always very original, the music of the German quartet Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcends the Berlin School style while being inspired by it freely. These 4 musicians-friends meet occasionally in the small Dutch municipality of Ouddorp located on the island of Goeree-Overflakkee. An idyllic place which is convenient to jams sessions which gave us the fabulous first 3 CD of EFSS. The last reunion of the quartet took place in January 2018 and the results, without almost any sound make-up, find themselves on this “Tidal Shift” which is a little different. In fact, the hearing seduction let's itself be desired after the 1st listen to. If "Tunnel", and possibly "Flood", seduced straight out, the rest is quite a different story Except that these four friends who are still huge followers of the modular synths are always so intuitive and manage to attract our ears with a palette of audacious colors for their rhythms, their tones and their atmospheres always at the top of the creativity.
"Flood" already establishes the new climate of EFSS with a meshing of percussions which sparkle over a good bass line. The rhythm shows the regularity of a metronome to which one would have added a collage of jingles and of percussive elements which beat to the same hypnotic measure, but with distances in the knocks. Thus, that beats constantly such as a percussionists' concerto on boilers and cauldrons. This structure welcomes the murmurs of machines and, a little farther, synths' lamentations whereas the rhythm becomes more pulsating and the effects of the voices more disturbing if we pour a few into a kind of paranoia. The percussions and the cawing of the bass are elements of charms here. "Fate" is a little darker with a more cinematic vision. The larvas of synth flow with a mixture of tones, so that it's difficult to separate the color from the shadows, throwing an aura of fascination that we shall feel only after some listening. And this insidious side of “Tidal Shift” will make its effect rather quickly. Be sure of that. There are so beautiful groans of the synths than their sound effects which burst here and there, while the ceaseless tick-tock of the rhythm lays down an ambient structure which undulates and skips beneath the effects of percussions-sequences-pulsations-jingles-percussive effects. The fluid rhythm, always conceived in a material of harmonious complexity, of "Movement" is the first element of this album which moves us closer to the first E.P. of those 4 friends and of their Modular synths. Fluid and attractive, one still doesn't dance here although with imagination…, it rolls with its small jolts under some nice morphing layers which are the faithful reflections of old Berlin School. Still here, effects of voice from an extraterrestrials' tribe can be felt and they're mumbling over a structure dominating more slightly in its shape of ambient trance.
Effects of voices that we also find on the introduction all in morphing vibes of "Transit". Jingles dance the clapper and seem to irritate a line of bass pulsations of which the knocks resound in another momentum of a metronome. A synth answers to this rhythm by pouring a melodious line as fluid but more pleasant to the ear. Little by little, other synths' effects invite each other, among whom some nice winks of eye to the Exit era of Tangerine Dream, and embellishes this passive structure that we shall always enjoy more and more in the course of its exploration. I wrote about it at the beginning, "Tunnel" is simply magical. Its simple approach and its melody which eats your neurons destabilize with a huge dose of magnificence. It's the kind of melody that doesn't leave you for hours to come, while the jerky movement of the sequencer and the robotics rhythm of the percussions, without forgetting the percussive effects, are as many elements that we want to hear again and again. But it's also as many reasons make "Macroscopic" a little less attractive. Nevertheless, its ambiences should fit marvelously in a lugubrious movie of which the intensity gives sweats to the spectator. It's a sort of Industrial Dark ambient which overflows even beyond the introduction of "Axis" which, after some 3 minutes of dark and a little less inviting atmospheres for an evening where one wants to charm our potential Cupid, is hatching out with a structure of rhythm built upon fluid morphing undulations.
One doesn't say WoW after the first listening of “Tidal Shift”, unless having our neurons and the bases of our two hemispheres are well sharpened. The complexity, in particular at the level of the conception of the rhythms and of the effects of synth which mold these murmurs of another world, of structures competes with this idea that the beauty is find in a first look. It's the very opposite here! “Tidal Shift” is like this very particular experience where we find a very attractive element in the first look and which gives us this desire to look again and again. It's maybe not this love at first sight, but when we hang onto, we seriously stick! I have to say a big bravo to Erren, Fleißig, Schöttler and Steffen for a boldness which in the end is paying, as much for them as for us …
Sylvain Lupari (May 16th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album at EFSS Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Toujours très originale, la musique du quatuor Allemand Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcende le genre Berlin School tout en s'en inspirant librement. Ces 4 musiciens-amis se rencontrent occasionnellement dans la petite municipalité néerlandaise Ouddorp sise sur l'île de Goeree-Overflakkee. Un endroit idyllique qui est propice à des jams sessions qui nous ont donné les fabuleux 3 premiers CD de EFSS. La dernière rencontre du quatuor a eu lieu en Janvier 2018 et les résultats, sans presqu'aucun maquillage sonique, se retrouvent sur ce “Tidal Shift” qui est quelque peu différent. En fait, la séduction auditive se fait désirer après la 1ière écoute. Si "Tunnel", et possiblement "Flood", séduit tout de go, le reste est une tout autre histoire. Sauf que ces 4 amis adeptes des synthés modulaires sont toujours aussi intuitifs et réussissent à attirer nos oreilles avec une palette de couleurs audacieuses pour leurs rythmes, leurs tons et leurs ambiances toujours au sommet de la créativité. 
"Flood" instaure déjà le nouveau climat de EFSS avec un maillage de percussions qui pétillent sur une bonne ligne de basse. Le rythme affiche la régularité d'un métronome auquel on aurait rajouté un collage de cliquetis et d'éléments percussifs qui battent dans une même mesure hypnotique, mais avec des décalages dans les coups. Donc, ça bat constamment comme un concerto de percussionnistes sur des chaudières et chaudrons. Cette structure accueille des murmures de machines et, un peu plus loin, des lamentations de synthés alors que le rythme devient plus pulsatoire et l'effet des voix plus dérangeant si on verse un peu dans une forme de paranoïa. Les percussions et les croassements de la basse sont des éléments de charmes ici. "Fate" est un peu plus sombre avec une vision plus cinématographique. Les larves de synthé coulent avec un mélange de tonalités, si bien qu'il est difficile de séparer la couleur des ombres, jetant une aura de fascination que l'on percevra seulement après quelques écoutes. Et ce côté insidieux de “Tidal Shift” fera son effet assez rapidement, soyez-en assuré. Il y a autant de beaux gémissements des synthés que leurs effets sonores qui éclatent ici et là, alors que le tic-tac incessant du rythme étend une structure ambiante qui ondule et sautille sous les effets des percussions-séquences-pulsations-cliquetis-effets percussifs. Le rythme fluide, toujours conçu dans une étoffe de complexité harmonique, de "Movement" est le premier élément de cet album qui nous rapproche des premiers E.P. des 4 amis et leurs Modulaires. Fluide et attrayant, on n'y danse toujours pas quoiqu'avec de l'imagination…, il roule avec ses petits cahots sous de belles nappes morphiques qui sont des fidèles reflets de la vieille Berlin School. Encore ici, des effets de voix d'une tribu d’extra-terrestres sont perçus et marmonnent sur une structure dominant plus légèrement dans sa forme de transe ambiante.
Des effets de voix que l'on retrouve aussi sur l'introduction toute en ambiances morphiques de "Transit". Des cliquetis dansent la claquette et semblent énerver une ligne de basse pulsations dont les coups résonnent dans un autre élan de métronome. Un synthé répond à ce rythme en coulant une ligne mélodieuse aussi fluide mais plus agréable à l'oreille. Peu à peu, d'autres effets des synthés s'invitent, dont des beaux clins d'œil à la période Exit de Tangerine Dream, et ornent cette structure passive que l'on appréciera toujours un peu plus au fil de son exploration. J'en parlais en ouverture, "Tunnel" est tout simplement magique. Son approche simple et sa mélodie qui mange vos neurones déstabilisent avec une énorme dose de magnificence. C'est le genre de mélodie qui ne vous quitte pas pendant des heures, alors que le mouvement saccadé du séquenceur et le rythme robotique des percussions, sans oublier les effets percussifs, sont autant d'éléments que l'on veut réentendre encore et encore. Mais c'est aussi autant de raisons qui rend "Macroscopic" peu attrayant. Pourtant ses ambiances se prêtent à merveille à un film lugubre dont l'intensité donne des sueurs au spectateur. Du Dark ambiant industriel qui déborde même au-delà de l'introduction de "Axis" qui, après quelques 3 minutes d'ambiances sombres et peu invitantes pour une soirée où on veut charmer son potentiel cupidon, éclot avec une structure de rythme aux fluides ondulations morphiques.
On ne dit pas WoW à la première écoute de “Tidal Shift”, à moins d'avoir nos neurones et les bases de nos deux hémisphères bien éveillées. La complexité, notamment au niveau de la conception des rythmes et des effets de synthé qui moulent ces murmures d'un autre monde, des structures rivalise avec cette idée que la beauté se trouve dans un premier regard. C'est tout le contraire ici! “Tidal Shift” est comme cette expérience très particulière où l'on trouve un élément très attirant au premier regard et qui nous donne cette envie de regarder encore et encore. Ce n'est peut-être pas ce coup de foudre, mais quand on accroche, on accroche sérieusement! Je dois dire au gros bravo à Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen pour une audace qui au final est payante pour eux comme pour nous…

Sylvain Lupari (16/05/18)