lundi 15 janvier 2018

BRIDGE TO IMLA: The Radiant Sea (2017)

“The Radiant Sea is a mosaic of atmospheric elements which is ideal for those who enjoy a long quiet journey in the twilights of dark ambient music”
1 Prologue: The Kuroshio Current 6:40
2 Tsushima Basin 1:56
3 Shatsky Rise 7:09
4 The Aleutian Current 3:15
5 Hikurangi Plateau 3:05
6 Mariana Trench 4:51
7 Louisville Ridge 4:47
8 The California Current 1:34
9 Richards Deep 7:14
10 Raukumara Plain 7:19
11 Emerald Fracture Zone 6:43
12 Fobos-Grunt 4:13
13 The Humboldt Current 5:24
14 Galathea Depth 5:22
15 Epilogue: Ring of Fire 4:24

Winter-Light ‎– WIN 013 (CD/DDL 74:47)
(Dark ambient music)
A quiet journey in twilights rich in synth waves and in hollow breezes where the purity of waters is confronted to the immorality of men! Set up on an implosive storm of 75 minutes, “The Radiant Sea” is the result of a collaboration between Michael Brückner and Hans-Dieter Schmidt who form from now on the Bridge To Imla project. I know well enough Michael Brückner's style to know that the German musician adapts himself at every level, from ambient music to sequenced Berlin School by touching a little to the EDM style, while Hans-Dieter Schmidt, who is known in the field since the end of the 80’s with its project Imaginary Landscape, is rather of the ambient kind with deep soundscapes which flirt with a meditative approach. The history behind “The Radiant Sea” goes back to the Fukushima Drones album, a collaboration of various artists to raise funds in order to support the victims of Fukushima nuclear disaster. This album appeared on the Aural Film label in 2013. Michael Brückner had composed then the track All the Weight of the Sun. He also wrote a rather impressive stream of ambient music of which the main lines guide the music of this album. It's at that time that the idea to realize an album with Hans-Dieter Schmidt, who had already collaborated on Brückner's One Hundred Million Miles Under the Stars back in 2012, had been moved forward. Some 4 years later, both musicians realized a solid quantity of purely atmospheric music, very cinematic music, to Robert Rich who has delicately retextured and remasterised it in his Soundscape Studio.
A muffled humming wraps gradually the tick-tock of a clock and the voice of a narrator. Like a starving rumbling, it swallows these elements in an avalanche of synth layers which outspreads such as a flow of lava. This flow of sound magma congeals its fury when it melts down into the Neptunian breezes of an azure blue. We hardly crossed the 3 minutes and already the atmospheric elements of "Prologue: The Kuroshio Current" give the colors of the tones of “The Radiant Sea”. Between an alarmist fury countered by the quiet force of the reconstructive elements of the nature, the music of Brückner/Schmidt spreads its contrasts with a tonal elegance which makes the strength of this first opus of Bridge To Imla. But here, the music of this album is only intended for the fans of atmospheric elements, at the image of the artistic seal of the Dutch label Winter Light which produces this album. A melody sculpted in the abandonment escapes from a piano, signature of Michael Brückner who likes to mislay these pensive lines of piano. The soundscapes of “The Radiant Sea” follow each other like a morphic monument which takes place as a music for documentary on the continual battles of the Pacific Ocean. These rumblings pursue the descent of this flow up through the borders of "Tsushima Basin", where ring bells in a mess, to reach the soft moaning of a violin skillfully sculptured by Hans-Dieter Schmidt on his EWI. These two elements are rather present in this oceanic ode. We are in the more melodious lands in this second part of "Shatsky Rise". Except that the melodious verses are extremely rare in this album. But they arise as shadows throughout an opaque sound curtain. Like in "The Aleutian Current" and its strident whistles which very make contrasts with the backdrop always dark or still with the distant orchestrations in "Hikurangi Plateau".
What fascinates in this album is this subtle gradation of the atmospheres, thus the emotions, which follows peacefully the advance of its sonic current. The caresses of Aeolus are lively and shrill, as in "Mariana Trench" which spreads slowly its shroud of fragility by crossing the very oriental approach of the violin in "Louisville Ridge". The notes of piano roam here with a fascinating will to disappear in the steam of good synth solos. I have this impression to hear the surrealist decor of Vangelis here. After another interlude of dark mediation with "The California Current", "Richard Deep", which does very Steve Roach by the way, shakes elements of rhythms which fast sink into oblivion. "Raukumara Plain" is a good title where fascinating voices whisper in the tears of violins. Sound effects are painting the decor like knife blows on a silk painting. There are many elements in this title which seems to be the core of “The Radiant Sea”. "Emerald Fracture Zone" confirms this hypothesis with a very sibylline approach. The ringings which sparkle almost everywhere in this landscape of shadows remind me of the Michael Stearns' oceanic, and nevertheless melodious, universe on the M'Ocean album. A pure delight and a classic of ambient music which throws its particles in “The Radiant Sea”. Multiple ringing also decorate the somber universe of "Fobos-Grunt". One has to wait until "The Humboldt Current" before hearing the shiny side of this album. It's a soft moment of serenity embellished by layers of violin and pearls of a piano always so subdued. With breezes become darker again, "Galathea Depth" calls the finale of this album with a pack of breezes which moves towards "Epilogue: Ring of Fire". This last title contains in its 5 minutes the wealth of this first album of Bridge To Imla. An album very rich in tones and in colors of sounds which should undoubtedly please the aficionados of the genre. Need to say that with names as much legendary in the domain, the result meets the expectations.

Sylvain Lupari (January 15th, 2018) *****
You will find this album on
Winter Light Bandcamp

Un tranquille voyage dans des pénombres riches en vagues de synthés et en brises caverneuses où la pureté des eaux est confrontée à l'immoralité des hommes! Érigé sur une tempête implosive de 75 minutes, “The Radiant Sea” est le résultat d'une collaboration entre Michael Brückner et Hans-Dieter Schmidt qui forment dorénavant le projet Bridge To Imla. Je connais assez bien le style de Michael Brückner pour savoir que le musicien Allemand s'adapte à tous les niveaux, musique d'ambiances au Berlin School séquencé en effleurant un peu d'EDM, alors que Hans-Dieter Schmidt, qui œuvre dans le domaine depuis la fin des années 80 avec son projet Imaginary Landscape, est plutôt du genre ambiant avec des paysages sonores qui flirtent avec une approche méditative. L'histoire derrière “The Radiant Sea” remonte à l'album Fukushima Drones, une collaboration de différents artistes afin d'amasser des fonds pour soutenir les sinistrés de la catastrophe nucléaire de Fukushima parue sur l'étiquette Aural Film en 2013. Michael Brückner avait alors composé la pièce All The Weight of the Sun. Il avait aussi composé un flot assez impressionnant de musique d'ambiances dont les grandes lignes se retrouvent sur cet album. C'est à cette époque que l'idée de réaliser un album avec Hans-Dieter Schmidt, qui avait déjà collaboré sur l'album One Hundred Million Miles Under the Stars de Brückner en 2012, avait été avancée. Quelques 4 ans plus tard, les deux musiciens soumettent une palette de musique purement d'ambiances, de musique très cinématique, Robert Rich a délicatement retexturé et masterisé dans son Soundscape Studio.
Un bourdonnement sourd enveloppe graduellement les tic-tac d'une horloge et une voix narratrice. Comme un grondement affamé, il avale ces éléments dans une avalanche de couches de synthés qui s'étend comme une coulée de lave. Cette coulée de magma sonique fige sa fureur à la rencontre d'une brise neptunienne d'un bleu azuré. À peine 3 minutes passées et les éléments d'ambiances de "Prologue: The Kuroshio Current" donnent la couleur des tons de “The Radiant Sea”. Entre une fureur alarmiste contrée par la force tranquille des éléments reconstructeurs de la nature, la musique du duo Brückner/Schmidt étend ses contrastes avec une élégance tonale qui fait la force de ce premier opus de Bridge To Imla. Mais ici, la musique de cet album est destinée uniquement aux amateurs d’ambiances, comme le sceau artistique du label Néerlandais Winter-Light qui produit cet album. Une mélodie sculptée dans l'abandon s'échappe d'un piano, signature de Michael Brückner qui aime bien égarée ces lignes de piano songeuses. Les paysages sonores de “The Radiant Sea” se suivent comme un monument morphique qui se déroule comme une musique pour documentaire sur les continuelles batailles de l'Océan Pacifique. Ces grondements poursuivent la descente de cette coulée à travers les frontières de "Tsushima Basin", où tintent des clochettes en désordre, pour atteindre les tendres jérémiades d'un violon habilement sculpté par le EWI de Hans-Dieter Schmidt. Ces deux éléments sont assez présents dans cette ode océanique. Nous sommes en terre plus mélodieuse dans cette seconde partie de "Shatsky Rise". Sauf que les versets mélodieux sont rarissimes dans cet album. Mais ils surviennent comme des ombres au travers un opaque rideau sonore. Comme dans "The Aleutian Current" et ses siffles aigus qui font très contrastes avec la toile de fond toujours sombre ou encore avec les lointaines orchestrations dans "Hikurangi Plateau".
Ce qui fascine dans cet album est cette subtile gradation des ambiances, donc des émotions, qui suit paisiblement l'avancée de son courant sonique. Les caresses d'Éole sont vives et stridentes, comme dans "Mariana Trench" qui étend doucement son linceul de fragilité en traversant l'approche très Orientale du violon dans "Louisville Ridge". Les notes de piano errent ici avec une fascinante volonté de disparaître dans de bons solos de synthé. J'ai l'impression d'entendre le décor surréaliste de Vangelis ici. Après un autre interlude de médiation sombre avec "The California Current", "Richards Deep", qui fait très Steve Roach en passant, secoue des éléments de rythmes qui tombent vite dans l'oubli. "Raukumara Plain" est un bon titre où de fascinantes voix chuchotent dans les larmes de violons. Des effets sonores peinturent le décor comme des coups de couteaux sur une toile de soie. Il y a beaucoup d'éléments dans ce titre qui semble être le cœur de “The Radiant Sea”. "Emerald Fracture Zone" confirme cette hypothèse avec une approche très sibylline. Les tintements qui scintillent un peu partout dans ce paysage d'ombres me font penser à l'univers océanique et pourtant mélodieux de Michael Stearns sur l'album M'Ocean. Un pur délice et un classique de musique d'ambiances qui secoue ses particules dans “The Radiant Sea”. Des tintements multiples décorent aussi le sombre univers de "Fobos-Grunt". Il faut attendre à "The Humboldt Current" avant d'entendre le versant lumineux de cet album. C'est un doux moment de sérénité embelli par des couches de violon et des perles d'un piano toujours aussi effacé. Avec des brises redevenues plus sombres, "Galathea Depth" annonce la finale de “The Radiant Sea” avec une meute de brises qui se dirigent vers "Epilogue: Ring of Fire". Ce dernier titre renferme dans ses 5 minutes la richesse de ce premier album de Bridge To Imla. Un album très riche en tons et en couleurs des sons qui devrait assurément plaire aux amateurs du genre. Faut dire qu'avec des figures aussi légendaires dans le domaine, le résultat répond aux attentes.

Sylvain Lupari 15/01/2018

samedi 13 janvier 2018

MOONBOOTER: Cosmosonic (2018)

 “This one is a killer! With a skillful mixture of IDM, E-rock and cosmic ambient music, this Cosmosonic is, and by far, the most beautiful opus from Moonbooter”
1 LIFO 5:05
2 Caught by Melancholy 7:15
3 I remembered Tomorrow 6:17
4 Within Time Machine 6:55
5 33 years Later 3:52
6 Cosmic Thunder 9:35
7 Now and Then 7:12
8 Inside Space 5:51
9 Outside Space 4:04
10 Anatal 4:43
11 Perfect Stranger 6:49
12 Follow M 6:49

MellowJet Records | mb1801 (CD/DDL 74:27)
(IDM, E-Rock, Cosmic Music)
That's what happens when we take the time to savor an album! We hang on to structures where the mystery and the melody are merging with elegance. And all that seemed to us average at the beginning, takes another proportion with the order of the tracks and some other listening. Between his IDM, his E-rock and his cosmic music styles, Bernd Scholl always manages to charm an audience which identifies with one of these styles especially because of his strong melodic presence. And if an album could harmonize all these kinds? “Cosmosonic” is the one! On about 75 minutes of a music of which the common link is the strong presence of synths and of synth solos, this last album of Moonbooter reaches an unhoped-for nirvana where the fan of E-rock eventually ended to like his feisty sound of dance style music and vice versa. A tour de force which makes of this most beautiful and the most complete album of Moonbooter.
A sonic wave coming from the nothingness wraps a beautiful lively sequence which skips in solo. A pulsation dimmed and forged like an effect of a tongue that we slam in the palate is grafted to this structure simple and motorik, beating in countersense and not at all on the same pace. Other elements of percussions converge on the introduction of "LIFO", giving two senses to a music which goes for a good phase of EDM. Effects of voices erode by radioactivity give then a light aspect of psy dance-music, while definitively "LIFO" takes off in mode Dance with an approach crossed with a good E-rock. Heavy of its big juicy chords and livened up by a jewel of percussion effects of all tones, the rhythm is as lively as melodious with a kind of techno for zombies marinated in THC. From then on, "LIFO" sets the tone to a stunning melodious and highly worked EM album. With its riffs of the 70's dance music, "Caught by Melancholy" is a hymn to dance very faithful to the signature of Moonbooter. Very harmonious elements of the Jive years from Tangerine Dream breathes here, as well as on other titles among the much fiery "33 years Later", the kind of thing which is going to make you run out of breath. As in each album of the Cosmos series, Moonbooter manages to lay down some beautiful pearls by linking Berliner EM style to hymns of dance a little less deafening. Like the superb "I remembered Tomorrow" and its heavy and slow rhythm which is clubbed by very nice synth pads from a synth forgotten in the studios of Le Parc. This is the kind of thing that brings you to another level. And it's not the only one here. "Within Time Machine" is a wonderful ballad which escapes from the depths of an opening soaked of a nebulous painting among which the contemporary tones and the structure have nothing to envy to the vintage years. The rhythm is heavy and slower than in "I remembered Tomorrow", which is more in a down-tempo style, with a dense bluish mist which surrounds a beautiful melodic procession and some very good percussive effects which assist the heavy, slow and stunning percussions. They are two very good movements of lasciviousness cerebral before that "33 years Later" and its very Dance music style, which survives by jerky pulsations and especially jingles of percussions, gets too fast for my feet. Bernd Scholl throws tiles of harmonies which transcend the insane hammerings of the rhythms of lead which fill the surface of “Cosmosonic”.
Except that this last opus of Moonbooter is more than a simple album of dance. The German musician gives a lot of space here to some very cosmic vibes, like in the opening of "I remembered Tomorrow" and "Cosmic Thunder". This other superb title is simply addicting. Our spirit is tickled by its slow procession which is majestically fed by wonderful solos of synth and of organ which calls back the most beautiful days of Klaus Schulze … and even more. If the rhythm seems imperfect, the ambiences which surround it correct this situation up until the complete ripening around the 6th minute. But it's too late, we are already hooked because of these solos and effects, like these thunderclaps and these layers of organ, which petrify us on the spot from the first seconds of what I qualify as being the most beautiful title of Moonbooter's repertoire. Period! "Now and Then" is as much livened up and catchy as "Caught by Melancholy" while that "Inside Space" is a title of ambiences pushed by effects of reverberations on a nest of quiet floating waves. Arpeggios ringing like a concerto for harp feed a little a structure which tries to wake up and whose finale is crushed by a big radioactive breath. This element of intensity propels "Outside Space" towards a mixture of e-rock and dance music. One of the titles, with "Caught by Melancholy" and the fiery "Anatal" and its spiral of resonant arpeggios which knocks out the senses, that I liked after more than one or two listening. The female voice here sounds very TD, period Atomic Seasons. "Perfect Stranger" is another very catchy and wonderful ballad on this album which doesn't stop at all to charm, while that "Follow Me" concludes it album with a lively structure where e-rock and dynamic IDM mix their possible charms on a distance of 6:49 minutes. It's already finished and one dives back into the styles, all charms included, of this solid album from Moonbooter. “Cosmosonic” is, and by far, his most beautiful opus and a blow of charm to begin 2018. Hold this title in mind because it could very well appear on my Top10 of 2018!

Sylvain Lupari (January 12th, 2018) ****¾*
You will find this album on the MellowJet Records shop
Voilà ce qui arrive lorsque l'on prend le temps de déguster un album! On s'accroche à des structures où le mystère et la mélodie fusionnent avec élégance. Et tout ce qui nous semblait moyen au début, prend une toute autre proportion avec le positionnement des titres et les écoutes. Entre ses styles d'IDM, de rock électronique et de musique cosmique, Bernd Scholl réussit toujours à charmer un auditoire qui s'identifie à un de ces styles surtout grâce à sa forte présence mélodique. Et si un album arrivait à harmoniser tous ces genres? “Cosmosonic” y parvient! Sur près de 75 minutes d'une musique dont le lien commun est la forte présence de synthés et de solos de synthés, ce dernier album de Moonbooter atteint un nirvana inespéré où l'amateur de rock électronique fini par aimer son fougueux style de Dance Music et vice-versa. Un tour de force qui fait de cet album le plus beau et le plus complet de Moonbooter.
Une onde sonore venant du néant enveloppe une belle séquence vive qui sautille en solitaire. Une pulsation assourdie et forgée sur un effet de langue que l'on claque dans le palais se greffe à cette structure simple et motorique, battant à contre-sens et pas du tout sur la même cadence. D'autres éléments de percussions convergent vers l'introduction de "LIFO", donnant deux sens à une musique qui se dirige vers une bonne phase d'EDM. Des effets de voix grugées par de la radioactivité donnent alors un léger aspect de psy dance-music, alors que définitivement "LIFO" décolle en mode Dance avec une approche croisée dans un bon rock électronique. Lourd de ses gros accords juteux et animé par un joyau d'effets de percussions de tous acabits, le rythme est aussi entraînant que mélodieux avec un genre de techno pour zombies marinées dans du THC. Dès lors, "LIFO" donne le ton à un superbe album de MÉ mélodieuse fort bien conçue. Avec ses riffs de danse des années 70, "Caught by Melancholy" est un hymne à la danse très fidèle à la signature de Moonbooter. Des éléments très harmonieux de la MÉ des années Jive de Tangerine Dream respirent ici, ainsi que sur d'autres titres dont le trop fougueux "33 years Later", le genre de truc qui va vous rendre à bout de souffle. Comme à chaque album de la série Cosmos, Moonbooter réussit à pondre de belles perles en liant la MÉ de style Berliner à des hymnes de danse un peu moins décapant. Comme le splendide "I remembered Tomorrow" et son rythme lourd et lent qui est matraqué par de belles nappes d'un synthé oublié dans les studios de Le Parc. Le genre de truc qui vous amène à un autre niveau! Et ce n'est pas le seul ici. "Within Time Machine" est une superbe ballade qui s'échappe des entrailles d'une ouverture imbibée d'ambiances vaporeuses dont les tonalités et la structure contemporaines n'ont rien à envier aux années vintages. Le rythme est lourd et plus lent que dans "I remembered Tomorrow" qui est plus du style down-tempo, avec une dense brume bleutée qui encercle une belle procession mélodique et de très bons effets percussifs qui secondent des percussions lourdes, lentes et assommantes. Ce sont deux très bons mouvements de lascivité cérébral avant que "33 years Later" et sa musique très Dance, qui survit par des pulsations saccadées et surtout des cliquetis de percussions, soit trop rapide pour mes pieds. Bernd Scholl lance des tuiles d'harmonies qui transcendent les martèlements maladifs des rythmes de plomb qui plombent la surface de “Cosmosonic”.
Sauf que ce dernier opus de Moonbooter est plus qu'un simple album de danse. Le musicien Allemand donne beaucoup d'espace ici à des ambiances très cosmiques, comme dans l'ouverture de "I remembered Tomorrow" et "Cosmic Thunder". Cet autre superbe titre est tout simplement addictif. Notre esprit est chatouillé par sa lente procession qui est majestueusement nourrie par de splendides solos de synthé et d'orgue qui rappelle les plus beaux jours de Klaus Schulze…et même plus. Si le rythme semble imparfait, les ambiances qui l'entourent corrigent cette situation jusqu'à murissement complet autour de la 6ième minute. Trop tard, on est déjà accro à cause de ces solos et des effets, comme ces coups de tonnerres et ces nappes d'orgue, qui nous pétrifient sur place dès les premières secondes de ce que je qualifie comme étant le plus beau titre du répertoire de Moonbooter. Point! "Now and Then" est aussi animé et vivant que "Caught by Melancholy" alors que "Inside Space" est un titre d'ambiances poussé par des effets de réverbérations sur un nid de tranquilles ondes flottantes. Des arpèges sonnant comme un concerto pour harpe alimentent un peu une structure qui cherche à s'éveiller et dont la finale est broyée par un gros respire radioactif. Cet élément d'intensité propulse "Outside Space" vers un mélange de rock électronique et de Dance Music. Un des titres, avec "Caught by Melancholy" et le fougueux "Anatal" et sa spirale d'arpèges résonnants qui assomme les sens, que j'ai aimé après quelques écoutes. La voix ici fait très TD, période Atomic Seasons. "Perfect Stranger" est une autre superbe ballade très accrochante sur cet album qui ne finit plus de séduire, alors que "Follow Me" conclut ce splendide album de Moonbooter avec une structure vivante où le rock électronique et la dynamique IDM entremêlent leurs possibles charmes sur une longueur de 6:49 minutes. C'est déjà fini et on replonge dans les styles, tous en charmes, de ce solide album de Moonbooter. “Cosmosonic” est, et de loin, son plus bel opus et un coup de charme pour débuter l'année 2018. Retenez ce titre car il pourrait fort bien paraître sur mon Top 10 de 2018!

Sylvain Lupari 12/01/2018
I Remembered Tomorrow

vendredi 12 janvier 2018

GUSTAVO JOBIM: Meio-Dia (2017)

“Although bathing in very complex and uneasy to tame moments, Meio-Dia is probably one of the best album in 2017”
1 Meio-Dia 22:02
2 Pirâmide 15:32
3 Eterno Retorno 7:17
Gustavo Jobim Music (DDL 44:51)
(Krautrock, Berlin School, Experimental)

Gustavo Jobim is quite a whole phenomenon! Die-hard fan of the motorik structures of rhythms a la Düsseldorf School, the multi- instrumentalist from Brazil has gradually moving up through success of the artistic credibility by attacking a not really accessible musical genre. A kind which makes nevertheless a fascinating and tangible link between the Krautrock of the vintage years to a more contemporary Krautrock, while injecting old fragrances of Ash Ra Tempel and Tangerine Dream of the Pink years. We can always be intimidated by his style, but each time we tame one of his albums one recognizes all the extent of his creativity. “Meio-Dia” is already a 19th album for this eclectic artist. And what an album it is! A surprising album because we slide easily in spheres which are familiar to us with 2 key titles which evolve between schemas so surprising and always complex, but at the very end rather attractive.
Percussive elements are dancing with the rhythm of a stoned peak wood at the opening of the long title-track. Some chords, playing cat and mouse, espouse this model of rhythm which does rather EDM when synth layers throw some nice tunes and solos which move in a phase of improvisation. The rhythm breaks itself in an impromptu way from the 3rd minute. Only stay these wooden castanets which skip in the floating tunes of a Mellotron. Hopping arpeggios are redefining then new borders. And if the rhythm seems alike, the decor changes with the addition of rough layers which grumble in a little game of effects and harmonies where the Mellotron waltzes now with a jet of chords which petrify a zigzagging structure which we hear hardly in a ornament rich in tones and in effects. Riffs of keyboards are dancing at the same diapason of the Mellotron pads, which have here a light hint of organ, demonstrating all the depth of a title which roots down in its rather jerky minimalist structure, but which flows all the same well enough. You like sounds? A crossroads of sounds which are independent one of the others but which breathe in the same corridor? The first 8 minutes of "Meio-Dia" are going to seduce you, after having tamed all the sound dimension. Afterward, the music goes to a phase of chthonian atmospheres with delicious waves of organ of which the floating harmonies roam like lost specters while imitating the initial structure of rhythm with slow impulses. A little more than 4 minutes farther, these vibes rush towards a rhythmic motif a little bit more lively. A rhythm where the sequences dance such as a reunion of small imps on an air of traditional folklore. Gustavo Jobim weaves superb synth solos here while "Meio-Dia" sinks in a finale heavy of these atmospheres sculpted by a Mellotron in mode Suspiria from Goblin.
After this great track, "Pirâmide" brings us in territories forgotten by the Krautrock movement and of Kraftwerk's first albums in a structure where Ralf and Florian album's fragrances are firing up the starving skeleton of Autobhan. The rhythm, the vibes and the harmonies! Everything is vertiginous in this very multicolor and multitonal opening. The movement slips towards a much colorful phase where tones communicate with a language as so complex as these sounds which teem in video games. This phase of ambiences moves towards the 3rd part of "Pirâmide". Here the Autobhan is multicolored of a wall of shrill tones which screech in an eternal madness. If the rhythm remains lively, the ambiences and the cacophonous harmonies which roar a vision simply abstract will give some headaches to those who want to resist. We are a bit much in Gustavo Jobim's extreme. In a more abstract, even concrete music, where we feel this huge admiration of Gustavo for Conrad Schnitzler by whom anti commercial, almost anti music, approach is strongly anchored on this title. To say the least, in its last phase. But there are many elements of retro Berlin School on "Pirâmide" that we discover with surprise after some listening. It's a little less rough, but always enough intimidating, with the very Richard Pinhas rhythm (era L'Éthique) which is landing between our ears with the following track. "Eterno Retorno" is very much like the meaning its title with its structure which evolves by a movement of ascending sequences of which the loops are heading for the same ritornello, as rhythmic as harmonious, while the moods and the secondary melodies are halfway between the most accessible and the most inaccessible of "Pirâmide".
Not for all the ears, although all should dare the experience “Meio-Dia” is an audacious music box which stays of a matchless accessibility in Gustavo Jobim's repertoire. The title-track shows all the genius of a musician who tests his machines in territories that few artists dare to venture. And the result is as well puzzling as delirious! Set apart the infernal final of "Pirâmide", some 40 other minutes of this album are in the field of a rather accessible experimental EM which will know how to seduce the least shy ears. Audacious and musical, the two extremes live without superficiality in this fascinating album which meets all challenges in order to have a special place among the most beautiful albums of experimental EM and without borders in 2017.

Sylvain Lupari (January 11th, 2018) ****½*
You will find this album on the Gustavo Jobim's Bandcamp 

Gustavo Jobim est tout un phénomène! Fan fini des structures de rythmes motoriques de la Düsseldorf School, le multi instrumentaliste du Brésil a graduellement gravi les marches de la crédibilité artistique en attaquant un genre musical pas vraiment accessible. Un genre qui fait pourtant un fascinant et tangible lien entre le Krautrock des années vintages à un Krautrock plus contemporain, tout en injectant les parfums du vieux Ashra et Tangerine Dream des années Pink. On peut toujours être intimidé par son style, mais à chaque fois que l'on dompte un de ses albums on reconnaît toute l'étendue de sa créativité. “Meio-Dia” est déjà un 19ième album pour cet artiste éclectique. Et c'est tout un album! Un album surprenant puisque l'on glisse facilement dans des sphères qui nous sont connues avec 2 titres phares qui évoluent entre des schémas aussi étonnants et toujours complexes, mais à la toute fin assez séduisants.
Des éléments percussifs dansent avec le rythme d'un pic bois un peu gelé en ouverture de la longue pièce-titre. Des accords, jouant un peu au chat et à la souris, épousent ce modèle de rythme qui fait plutôt EDM une fois que des nappes de synthés lancent de beaux refrains et solos qui se poussent dans une phase d'improvisation. Le rythme se casse d'une façon impromptue dès la 3ième minute. Seules restent ces castagnettes de bois qui sautillent dans des chants de Mellotron. Des arpèges sautillants redéfinissent alors des nouvelles frontières. Et si le rythme semble similaire, le décor change avec l'ajout de nappes rugueuses qui râlent dans un micmac d'effets et d'harmonies où le Mellotron valse maintenant avec un jet d’accords qui pétrifient une structure zigzagante que l'on entend à peine dans un décor riche en tons et en effets. Des riffs de claviers dansent au même diapason des nappes de Mellotron, qui ont ici un léger soupçon d'orgue, démontrant toute la profondeur d'un titre qui s'enracine dans sa structure minimaliste plutôt saccadée, mais qui coule tout de même assez bien. Vous aimez les sons? Un carrefour de sons qui sont indépendants l'un des autres mais qui respirent dans le même corridor? Les 8 premières minutes de "Meio-Dia" vont vous séduire, après en avoir apprivoisé toute la dimension sonore. Par la suite, la musique se dirige vers une phase d'ambiances chtoniennes avec de délicieuses nappes d'orgue dont les harmonies flottantes errent comme des spectres égarés tout en imitant la structure de rythme initiale avec de lentes impulsions. Un peu plus de 4 minutes plus loin, ces ambiances se fondent vers un rythme plus enlevant. Un rythme où les séquences dansent comme une réunion de petits diablotins sur un air de folklore traditionnelle. Gustavo Jobim tisse de superbes solos de synthé alors que "Meio-Dia" s'enfonce dans une finale lourde de ces ambiances sculptées par un Mellotron en mode Suspiria de Goblin.
Après ce superbe titre, "Pirâmide" nous amène dans les territoires oubliés du Krautrock et des premiers albums de Kraftwerk dans une structure où les parfums de Ralf And Florian embrasent le squelette affamé d'Autobhan. Le rythme, les ambiances et les harmonies! Tout est vertigineux dans cette ouverture très multi couleurs et pluri tonales. Le mouvement dérape vers une phase très bariolée où les tons communiquent avec un langage aussi complexe que ces sons qui pullulent dans les jeux vidéo. Cette phase d'ambiances s'achemine vers la 3ième partie de "Pirâmide". Ici l'Autobhan est bariolé d'une muraille de tonalités stridentes qui crissent dans une folie éternelle. Si le rythme reste entraînant, les ambiances et les harmonies cacophoniques qui hurlent une vision tout simplement abstraite donneront quelques maux de têtes à ceux qui veulent résister. Nous sommes un peu beaucoup dans l'extrême de Gustavo Jobim. Dans une musique plus abstraite, voire concrète, où l'on palpe cette grande admiration de Gustavo pour Conrad Schnitzler dont l'approche anti commerciale, quasiment anti musique, est fortement ancrée sur ce titre. À tout le moins, dans sa dernière phase. Mais il y a beaucoup d'éléments de Berlin School rétro sur "Pirâmide" que l'on découvre avec étonnement après quelques écoutes. C'est un peu moins pire, mais toujours assez intimidant, avec le rythme très Richard Pinhas (période L'Éthique) qui atterrit entre nos oreilles dans la piste suivante. "Eterno Retorno" est très à l'image de son titre avec sa structure qui évolue par un mouvement de séquences ascendantes dont les boucles épousent la même ritournelle, tant rythmique qu'harmonique, alors que les ambiances et mélodies secondaires sont à mi-chemin entre le plus accessible et le plus inaccessible de "Pirâmide".
Pas pour toutes les oreilles, quoique toutes devraient oser l'expérience, “Meio-Dia” est une audacieuse boîte à musique qui reste d'une accessibilité sans égal dans le répertoire de Gustavo Jobim. La pièce-titre démontre tout le génie d’un musicien qui teste ses machines dans des territoires que peu d'artistes osent s'aventurer. Et le résultat est aussi déroutant que délirant! Mis à part l'infernale finale de "Pirâmide", les quelques 40 autres minutes de cet album sont dans le domaine d’une MÉ expérimentale plutôt accessible qui saura séduire les oreilles les moins timides. Audacieux et musical, les 2 extrêmes cohabitent sans superficialité dans ce fascinant album qui relève tous le défis pour se tailler une place de choix parmi les plus beaux albums de MÉ expérimentale et sans frontières en 2017.
Sylvain Lupari 10/01/2018

mardi 9 janvier 2018

ANDY PICKFORD: Works 2 (1997-2013)

“What I like the most in this Works 2 is this natural way that AP has to switch from his obscur side to a more harmonious, luminous visions”
1 The Girl from Planet X 5:10
2 Cathedral 6:57
3 Hellsgate 11:23
4 In Silent Vigil 4:50
5 Akira 7:34
6 Sarcophagus 4:36
7 Solitude's Shadow 11:19
8 Sayonara 7:02
9 Hellfire (Studio Track) 8:46
10 Into the Blue (Studio Track) 5:33
11 Into the Blue (Blue Two Remix) 4:58

Andy Pickford Music (DDL 78:15)
Recorded during concerts given to the Derby Guildhall between 1994 and 1996, “Works 2” is a great album from Andy Pickford which covers the period of Maelstrom to Xenomorph. The most beautiful period, according to his fans, of Andy Pickford. I consider it superior to Works 1 and one cannot makes differently with the immeasurable "Cathedral". I discovered on this album a better balance between the dark side of the English musician and his clearly superior melodious approach here, as well as his orchestrations which are very English. The rhythms are catchy and lively. They go from a solid E-rock to a more furious England School, without forgetting the soft ballads which become inescapable in the repertoire of AP.
Austere layers lead the opening of "The Girl from Planet X" which turns into a good E-rock very near of Geoff Downes' kind of electro-pop, in particular at the level of the orchestrations. At times Arabian, these orchestrations are teasing effects of voices from a vocoder still very present in Andy Pickford's visions of the future. Exclusion made of the opening, "The Girl from Planet X" turns out to be a good light, melodious and lively rock. The kind of thing we whistle afterward by wondering from where comes this tune. The fusion between the titles of this album reminds me of these famous bridges created by TD in order to unite 2 titles in concert, so bringing "The Girl from Planet X" towards the most enjoyable jewel on this album, "Cathedral". This is an outstanding ballad on a kind of down-tempo beat which waits for our ears here. The music is just splendid with soft synth layers which sing and float on good effects of felted and subdued percussions. The melody is blown by a vocoder, an instrument here which does a pattern of android singer and which flows very well into the Andy Pickford's synth-pop universe. And the tunes are interrupted by a synth and by its charms of electronic nightingales. The solos spin around between the interludes of these futuristic ritornellos and the more it goes and the more they are incisive and end in strength the finale of what sounds like a classical piece of EM in the Pickford universe. We hear all of his talent of melodist here. And it's the same thing, on another level, with the heavy rhythm of "Hellsgate" where AP knits superb solos which give back all the nobility to EM. The percussions are very active and spit a rhythm which follows the long zigzagging movements of the sequencer from which some lost thin lines are flirting with a stroboscopic structure. These percussions give a Machiavellian depth to "Hellsgate" in a phase which is more ambient in the middle. The second part moreover is less wild with an ascending movement of the sequencer but which is still very decorated by great synth solos. AP is in great shape! Some huge layers of organ conclude the title which finds refuge under a thunder of applause. And it's well deserved! The depth reaches the ambiences of "In Silent Vigil" which is a more meditative title fill with nice synth pads with orchestral breaths which could very well come from the darkness. Furthermore, a humming of machine can be heard in the background and solves the finale of this title of atmospheres which is very welcome after the heaviness of "Hellsgate".
"Akira" gets loose from these atmospheres to offer a more nervous structure with good effects which are borrowed from the domain of the Dream. The music proposes a drop of the Middle East with some tribal essences, illuminating a rhythm which becomes more incisive, more lively after the point of 2 minutes. I like these percussive effects which ring like breaths of flute. Still here, the rhythm is as much catchy and maker of musical itch as in "The Girl from Planet X". "Sarcophagus" is a title of dramatic atmospheres with heavy rather harmonious synth pads which flow over percussions which would make a fantastic impression in a terror movie. The introduction of "Solitude's Shadow" respects a little bit the dark approach of the previous title with sequences which flicker such as a small swarm of fireflies in a hieratic mist. Voices of women recite a psalm of which the definition escapes my understanding. On the other hand, I understand clearly the plaintive harmonies of the synth which brings this phase of static rhythm towards a solid E-rock lectured by the jerky movement from the layers of an always melodious synth and smith of solos as charming as unpredictable. A surprising, and short, solo of electronic percussions waits for our ears here. Sign that AP tries constantly to renew the fascination of his listeners. I like, even with this more realistic choir which brings back "Solitude's Shadow" to the atmosphere's elements of its opening. "Sayonara" ends the live section of “Works 2” with a structure of melodies and of pompous ambiences which makes very Vangelis. The first version of this album came with 2 titles recorded in studio at the same period. "Hellfire" is a pure big rock a la sauce England School. The movement is introduced by 2 lines of sequences which criss-cross their keen oscillations whereas the synth raises beautiful harmonies which flow such as phases of solos. Percussions resound at the background, shaping a dramatic approach, whereas another line of sequences invites itself in this tournament of static rhythm. The cymbals which decorate the movement also awaken percussions, wilder ones, in order to plunge the music into a good E-rock, with a particular language of some sequences and numerous solos of a synth which also goes in mode electronic guitar. A very good catchy and lively England School style track. "Into the Blue" and "Into the Blue (Blue Two Remix)" are 2 rather light titles. Soft and hyper melodious titles, "Into the Blue (Blue Two Remix)" is more lively, to which one listens by a beautiful and relaxing Sunday morning. Between New Age (yes yes) and Easy Listening (yes yes)!! Now I understand a little more the roots of the 5 volumes from the Adagiometry series! And in the end, it just confirms the high quality of melodist that is Andy Pickford. And no matter the kinds, the styles he always manages to stick an unexpected thing which blows out our ears! Definitively, I prefer it to Works 1.

Sylvain Lupari (January 8th, 2018)
You will find this album on AP Bandcamp
Enregistré lors de concerts donné au Derby Guildhall entre 1994 et 1996, “Works 2” est un très bel album d'Andy Pickford, je le considère supérieur à Works 1 et on ne peut faire autrement avec l'immesurable "Cathedral", qui couvre la période de Maelstrom à Xenomorph. La plus belle période, selon ses fans, d'Andy Pickford. J'ai découvert une meilleure balance entre le côté obscur du musicien Anglais et son approche mélodieuse, nettement supérieure ici, ainsi que ses orchestrations qui sont très anglaises. Les rythmes sont vivants et entraînants. Ils transitent entre du bon rock électronique et du England School fougueux, sans oublier les douces ballades qui deviennent des incontournables dans le répertoire d'AP.
Des nappes austères animent l'ouverture de "The Girl from Planet X" qui se transforme en un bon rock-électronique très près du genre électro-pop de Geoff Downes, notamment au niveau des orchestrations. Des orchestrations par moments arabiques qui entraînent des effets de voix d’un vocodeur toujours très actif dans les visions futuristes d'Andy Pickford. Exclusion faite de l'ouverture, "The Girl from Planet X" est un bon rock léger, mélodieux et entrainant. Le genre de truc que l'on siffle par la suite en se demandant d'où vient cet air. La fonte entre les titres de cet album rappelle ces fameux ponts créés par TD afin d'unir 2 titres, amenant "The Girl from Planet X" vers le suave "Cathedral". C'est une splendide ballade du genre down-tempo qui attend nos oreilles ici. La musique est superbe avec de tendres nappes de synthé qui chantent et flottent sur de bons effets de percussions feutrées et effacées. La mélodie est soufflée par un vocodeur, instrument qui fait figure de chanteur automate et qui coule très bien dans l'univers synth-pop d'Andy Pickford. Et les refrains sont entrecoupés par un synthé et par ses charmes de rossignols électroniques. Les solos virevoltent entre les intermèdes de ces ritournelles futuristes pour finir avec force dans ce qui s'apparente comme étant un classique de l'univers Pickford. On entend tout son talent de mélodiste ici. Et c'est la même chose avec le rythme lourd de "Hellsgate" où AP tricote de superbes solos qui rendent toute la noblesse à la MÉ. Les percussions sont très actives et crachent un rythme qui suit les longs mouvements zigzagants du séquenceur dont certaines lignes égarées flirtent avec une structure stroboscopique. Ces percussions donnent une profondeur machiavélique à "Hellsgate" dans une phase plus ambiante en mi-parcours. Une 2ième moitié d'ailleurs qui est moins sauvage, avec un mouvement ascendant du séquenceur, et ornée encore de très bons solos. De grosses nappes d'orgue conclut le titre qui se réfugie sous un tonnerre d'applaudissements. Et pour cause! La profondeur atteint les ambiances de "In Silent Vigil" qui est un titre plus méditatif avec de belles nappes aux souffles orchestraux qui pourraient fort bien venir des ténèbres. D'ailleurs un ronronnement de machine se fait entendre en arrière-plan et résoud la finale de ce titre d'atmosphères qui passe très bien après la lourdeur de "Hellsgate". 
"Akira" se détache de ces ambiances afin d'offrir une structure plus nerveuse avec de bons effets qui sont empruntés au domaine du Dream. La musique propose un soupçon du Moyen-Orient avec des essences tribales, illuminant un rythme qui devient plus incisif, plus entraînant après la barre des 2 minutes. J'aime ces effets percussifs qui sonnent comme des souffles de flûte. Encore ici, le rythme est aussi tisserand de désir coupable que celui dans "The Girl from Planet X". "Sarcophagus" est un titre d'ambiances dramatiques avec de lourdes nappes assez harmoniques qui coulent sur des percussions qui feraient un effet bœuf dans un film de terreur. L'introduction de "Solitude's Shadow" respecte un peu l'approche ténébreuse du titre précédent avec des séquences qui papillonnent comme un petit essaim de lucioles dans une brume hiératique. Des voix de femmes récitent un psaume dont la définition échappe à ma compréhension. Par contre, je comprends fort bien les harmonies plaintives du synthé qui amène cette phase de rythme statique vers un gros rock électronique sermonné par le mouvement saccadé des nappes d'un synthé toujours mélodieux et forgeur de solos aussi charmeurs qu'imprévisibles. Un étonnant, et court, solo de percussions électroniques attend nos oreilles. Signe qu'AP cherche constamment à renouveler la fascination de ses auditeurs. J'aime bien, même avec cette chorale plus réaliste qui reconduit "Solitude's Shadow" aux éléments d’ambiances de son ouverture. "Sayonara" termine la section concert de “Works 2” avec une structure de mélodies et d'ambiances pompeuses qui fait très Vangelis. La 1ière version de cet album venait avec 2 titres enregistrés en studio à la même période. "Hellfire" est un pur gros rock à la sauce England School. Le mouvement est initié par 2 lignes de séquences qui entrecroisent leurs vives oscillations tandis que le synthé dresse de belles harmonies qui coulent comme des phases de solos. Des percussions résonnent dans le fond, moulant une approche dramatique, tandis qu'une autre ligne de séquences s'invite à ce tournoi de rythme statique. Les cymbales qui ornent le mouvement éveillent aussi les percussions afin de plonger la musique dans un bon gros rock électronique avec un langage particulier de certaines séquences et de nombreux solos d'un synthé qui se met aussi en mode guitare électronique. Un bon titre très vivant et entraînant du genre England School. "Into the Blue" et "Into the Blue (Blue Two Remix)" sont 2 titres plutôt légers. Des titres hyper tendre et mélodieux, "Into the Blue (Blue Two Remix)" est plus entraînant, qui s'écoutent par un beau et bon dimanche matin. Entre du New Age (oui oui) et du Easy Listening (oui oui)!! Maintenant je comprends un peu plus les racines des 5 volumes de la série Adagiometry! Et au final, ça fait juste confirmer la grande qualité du mélodiste qu'est Andy Pickford. Et peu importe les genres, les styles il réussit toujours à coller un truc inattendu qui nous souffle les oreilles! Définitivement, j'aime mieux que Works 1.

Sylvain Lupari 08/01/2018

dimanche 7 janvier 2018

ANDY PICKFORD: Works 1 (1996-2013)

“Works 1 is a nice album of electronic rock tinged with this futuristic vision so characteristic to the music of Andy Pickford” 
1 Terraformer 7:16
2 Mesmereyes 5:48
3 Summer Past 5:16
4 Adios Amigo 5:41
5 Get Dyson 6:58
6 Darklands 7:14
7 Still Waters 5:40
8 The Furnace 7:15
9 Arc of Infinity (Bonus Studio Track) 10:15

Andy Pickford Music (DDL 60:50)
For those who don't already know it, Andy Pickford republishes his catalog on the Bandcamp site. So, from the album Replicant, in 1993, to Lughnasad in 2002, by excluding the collaboration with Ian Boddy on the album Symbiont, the 10 solos albums from Mr. Pickford are available again for those who have missed the era this rather particular character and whom was a pioneer of this fiery E-rock that is the one of the England School. Remixed and remasterised with current tastes, certain albums benefit even of bonus tracks which were left aside at these periods. Like here with the bombastic "Arc of Infinity". And like several fans of EM who were far from the borders artists such as Pickford, Wright, Boddy, Dyson and lot of others, I discovered the English movement late in life. Via Napster at the beginning of 2000 to be more precise. Most of the albums of that grand époque were then all sold out and out of stock. Thus, I appreciate these remasters, because indeed I missed some great albums. And if you are the type of aficionados of great E-rock, I would add like “Works 1” which was recorded live at the famous EMMA Festival in 1994. It was the year of the launch of Terraformer, the 3rd solo album of AP if we include Linear Functions, a work launched on 4 tracks cassette in 1983.
"Terraformer" switches on the moods with an introduction forged on rushes of furious layers which encircle a hoarse voice from a vocoder, a very present element in the Pickford universe. A first structure of harmonious rhythm gets loose from this surrealist opening. Beatings of percussions invite each other while more luminous synth layers weave an approach which inhales the universe of Tangerine Dream's soundtrack. Working each second of his music, Andy Pickford adds other elements, as much of ambiances than percussive, which will give the momentum needed for the rhythmic take-off of "Terraformer" a little before the 3 minutes' point. The rhythm is very lively with good percussions and foggy filters which serve as a bed to a nice and catchy electronic melody which has nothing to envy to the good moments of Mark Shreeve and to the very harmonious E-rock of Tangerine Dream. Rhythm and melody go hand in hand in the world of AP. "Mesmereyes" follows with a very synth-pop rhythm with vocals. The arrangements make very Tears for Fears and Simple Mind. "Summer Past" is a beautiful ballad with an approach of solitary cowboy on the dunes of Mars. The movement is slow and proposes a panoply of tones coming from instruments lost in the possibilities of the keyboards and synths. Moreover, this balance between the notes of acoustic guitar and of this delicate synth reverie are honey for the ears. "Adios Amigo" does very TD of the Jive years. The rhythm is rather lively with a jerky approach, a shy stroboscopic genre, and is slowly cherished by good synth solos, which sometimes sound like an electric guitar, and by harmonies of acoustic guitar. There is a great melody fragile of tenderness which swirls with a glass tone on this rhythm charmingly limping. "Adios Amigo" should be the first musical itch of “Works 1”.
A big shriveled voice which belches from a rusty loudspeaker presents "Get Dyson". After a few seconds of these mysterious atmospheres, the structure develops through a synth in mode; Mark Shreeve's melodic charms. The rhythm is as punchy as the synth which throws very lively and harmonious thin lines.  Percussions come to add a light gap to the form of this good electronic rock where Pickford throws solos of a dreamy guitar in a futuristic decor. Here, like everywhere in the 50 minutes of this concert, special effects of sound adorn the scenery nevertheless very rich in “Works 1”. I like that and to date I'm having a very good time to discover the world of AP. A universe that I discovered very late with the quadrilogy of Harmonics in the Silence to Pareidolia. And it's not "Darklands" which is going to make me changed my mind! It's a big and lively rock with a great sequencing pattern which spits its balls of lead on the carpet of a conveyor. The scenery is dense with a wall of synth layers to the wasted colors and effects of voices which already furnish a structure which finds the way to breathes here and there. It's a huge track! After so much rhythmic punch, our ears will find rest with another ballad approach where the synth cries on the harmonious stream of a keyboard. "Still Waters" is a nice romantic track which does very film music. "The Furnace" ends this concert with aggressiveness, as much in the rhythm as in the tone which sounds very metallic. The synths trumpet on a structure of rhythm annihilated by a surplus of energy from those keyboards. "Arc of Infinity" is the bonus track in “Works 1”. Andy Pickford adores this title and for a good reason! It's a heavy and very lively track which swirls as much as hammers in a very Dance and Trance style. The percussions and the sequences abound and are very closely weaved. They machine-gun a structure surrounded by an avalanche of effects with a certain melodic approach which loses all of its sense in so much sound violence. Without knowing the Terraformer album, we are far from the ambiences of “Works 1” which are more convenient to a good E-rock, sometimes heavy, which is the perfect pattern to weave beautiful melodies. But that doesn't change anything to this "Arc of Infinity" which has all it needs to ruin the wax of a dance floor. I'm ready for Works 2!

Sylvain Lupari (January 6th, 2018) ***½**
You will find this album on AP Bandcamp
Pour ceux qui ne le savent pas déjà, Andy Pickford réédite son catalogue sur le site Bandcamp. Ainsi, de l'album Replicant, en 1993, à Lughnasad, 2002, en excluant la collaboration Pickford/Boddy (album Symbiont), les 10 albums solos de Sieur Pickford sont disponibles à nouveau pour ceux et celles qui auraient manqué ce personnage assez particulier et qui était un pionnier de ce rock électronique fougueux qu'est celui de la England School. Remixés et remasterisés au goût du jour, certains albums bénéficient même de titres supplémentaires qui ont été laissé de côté à l'époque. Comme ici avec le bombastique "Arc of Infinity". Et comme plusieurs amateurs de MÉ qui étaient loin des frontières des artistes tel que Pickford, Wright, Boddy, Dyson et autres, j'ai découvert le mouvement Anglais sur le tard. Via Napster au début des années 2 000. La plupart des albums de cette grande époque était alors tous vendus et discontinués. Donc, j'apprécie ces remasterisations, car effectivement j'ai loupé de très bons albums. Comme ce “Works 1” qui fut enregistré en concert au fameux Festival EMMA en 1994. C'était l'année du lancement de Terraformer, 3ième album solo d'AP si on inclut Linear Functions un ouvrage lancé sur cassette en 1983.
"Terraformer" allume les ambiances avec une introduction forgée sur des poussées de nappes rageuses qui enserrent une voix éraillée par un vocodeur, un élément très présent dans l'univers Pickford. Une première structure de rythme harmonique se détache de cette ouverture surréaliste. Des battements de percussions s'invitent alors que des nappes de synthé plus lumineuses tissent une approche qui respire l'univers des musiques de film de Tangerine Dream. Travaillant chaque seconde de sa musique, Andy Pickford ajoute d'autres éléments, autant d'ambiances que percussifs, qui donneront l'élan nécessaire au décollage rythmique de "Terraformer" un peu avant les 3 minutes. Le rythme est très entraînant avec de bonnes percussions et des filtres brumeux qui servent de lit à une belle mélodie électronique qui n'a rien à envier aux bons moments de Mark Shreeve et au rock électronique très harmonieux de Tangerine Dream. Rythme et mélodie vont de pair dans le monde de AP. "Mesmereyes" suit avec un rythme très synth-pop et des vocales. Les arrangements font très Tears for Fears et Simple Mind. "Summer Past" est une belle balade avec une approche de cowboy solitaire sur les dunes de Mars. Le mouvement est lent et propose une panoplie de tonalités provenant d’instruments égarés dans les possibilités des claviers et synthés. D'ailleurs, cette balance entre les accords de guitare acoustique et les rêveries synthétisées sont du miel pour les oreilles. "Adios Amigo" fait très TD des années Jive. Le rythme est assez entraînant avec une approche saccadée, genre stroboscopique timide, et est doucement caressé par des bons solos de synthés, qui parfois sonnent comme une guitare électrique, et des harmonies de guitare acoustique. Il y a une belle mélodie toute fragile de tendresse qui tournoie avec une tonalité de verre sur ce rythme délicieusement clopinant. "Adios Amigo" devrait être le premier ver d'oreille de “Works 1”.
Une grosse voix racornie éructe d'un haut-parleur rouillée afin de présenter "Get Dyson". Après quelques secondes de ces ambiances mystérieuses, la structure se développe au travers d'un synthé en mode; mélodie à la Mark Shreeve. Le rythme est aussi vivant que le synthé qui lance des filets harmoniques très entraînants. Des percussions viennent ajouter un léger décalage dans la forme de ce bon rock électronique où Pickford lance des solos d'une guitare rêveuse dans un décor futuriste. Ici comme partout dans les 50 minutes de ce concert, des effets spéciaux soniques ornent le décor pourtant très riche de “Works 1”. J'aime bien et à date je passe un très bon moment à découvrir le monde de AP. Un univers que j’ai découvert très tard avec la quadrilogie de Harmonics in the Silence à Pareidolia. Et ce n'est pas "Darklands" qui va me faire changer d'idée! C'est du gros rock lourd et entraînant avec une superbe structure du séquenceur qui crache ses billes de plomb sur le tapis d'un convoyeur. L'univers est dense avec une muraille de couches de synthés aux couleurs atrophiées et des effets de voix qui garnissent déjà une structure qui trouve sa façon de respirer ici et là. Un très gros titre! Après autant de punch rythmique, les oreilles se reposent avec une autre approche de balade où le synthé pleure sur le flot harmonique d'un clavier. "Still Waters" Fait très musique de film. "The Furnace" termine ce concert avec agressivité, autant dans le rythme que dans la tonalité qui fait très métallique. Les synthés claironnent sur une structure de rythme anéantie par un surplus d'énergie des claviers. "Arc of Infinity" est le titre en bonus de “Works 1”. Andy Pickford adore ce titre et pour cause! Il s'agit d'un titre lourd et très entraînant qui tournoie autant que martèle dans le genre très Dance & Trance. Les percussions et séquences abondent et sont tissées très étroitement. Ils mitraillent une structure entourée d'une avalanche d'effets avec une certaine approche mélodique qui perd tout son sens dans tant de violence sonique. Sans connaître l'album Terraformer, on est loin des ambiances de “Works 1” qui sont plus propice à du bon rock électronique, parfois lourd, qui est le médium parfait pour tisser de belles mélodies. Mais ça n’enlève rien à ce "Arc of Infinity" qui possède tous les éléments nécessaires afin de ruiner un plancher de danse. Je suis prêt pour Works 2!

Sylvain Lupari 06/01/2018

vendredi 5 janvier 2018

DASK: Insecta [Extended] (2018)

“In its many ambiospherical phases, Insecta [Extended] hides some real jewels of true Berlin School style which prove that DASK was resolutely one of the beautiful finds of 2017”
1 Arthropod 13:43
2 Colony 7:29
3 Insecta 11:57
4 Biomass 9:56
5 Overwinter 9:19
6 Prevernal 9:12
7 Growth 2:10
8 Emergence 9:10

DASK Music (DDL 72:55)
(Ambient and sequencer-based Berlin School)
It's after the making of Electron Utopia, appeared on SynGate Records at the beginning of 2017, that “Insecta [Extended]” began to grow in the mind of DASK. There was still enough music to create another album, but not enough for today's usual standard. And brick by brick, David Marsh added compositions which were going to nest on an album inspired by the very noticed decline of the insects' population since 1970. We speak here about a 60 % order. The big existential question of DASK was to know the amount of minutes of music that he had to dedicate to this album! From where the adjective Extended. Initially idealized for a duration of more or less 45 minutes, “Insecta [Extended]” took around 30 minutes to the meter with an exploratory ambient music. So divided between titles of ambient elements, ambient tones and a sequencer-based style Berlin School music, “Insecta [Extended]” hides some real jewels which prove that DASK was resolutely one of the beautiful finds of 2017.
It's with sharp-edge wings, which cut out a wall of synth waves, and murmurs of insects that "Arthropod" begins this last adventure of the England musician. A wind-driven tumult knocks down these first elements with very oxidized waves which scrape this surreptitious décor where beats a first step of the sequencer. The winds persist with a dark Redshiftian coldness when that this lost step awakens its small rhythmic community to make quiver our walls with a heavy and black rhythm, as that coming from a Moog. This rhythm skips after the point of 4 minutes. Dancing with another line of sequences of which the sound pearls as a motionless drop of water, the rhythm without structure of "Arthropod" tries to structure a uniform carcass which eventually is limping like a majestic Berlin School. Majestic, I say? Certainly, because David Marsh lays here an evolutionary structure and of which the homogeneity depends on what surrounds it. This rhythm, heavy and lively, continues to spread its drive among sharpened strata which come to nibble it from time to time, when it borrows near the finale, be around the 11th minute, a harmonious approach which makes very Düsseldorf School, very Kraftwerk. Brilliant! "Arthropod" is simply masterful and worth at itself the purchase of “Insecta [Extended]”. "Colony" drags us in the underground passages, and they are legions in this album, where insects establish their brotherhood. DASK mixes electronic layers with organic effects on synth tints which go from the opaque black to crystal-clear lines as sharp as the sting of a scorpion. And if "Arthropod" is simply joyous, we can say the same about the splendid "Insecta" and its lively rhythm which oscillates among very cool percussive effects and other sequences which sizzle by offering a strange chant from invertebrate living beings. A chant which switches shape for a nice fluty effect. This is another great Berlin School sequencer-driven style which backs the purchase of this 5th album from DASK. Afterward, David Marsh explores the ambient model with Steve Roach's fragrances which fit to an insectivorous fauna. Mixing the tones and the dark waves with opalescent cracks, DASK plunges us into a universe of tiny creatures where all the ideas find roots behind a stream of layers with colors, effects and drone tones full of contrasts. After a crushing introductory heaviness, "Biomass" finds refuge in a clearing where the songs of insects irradiate the initial blackness of the title. If we like Steve Roach's Immersion Series, a title like "Overwinter" will its way to seduce you. I could add "Prevernal", except that some more bright meditative elements decorate its finale. Built on the same model, but from end to start, the short "Growth" brings us in a finale multicolored by drones of all kinds and of all the colors that is "Emergence". This long phase of ambient music, we speak all the same about more than 40 minutes of music here, can scare off fans of an EM concentrated on the sequencer model. I understand it because it's not my cup of tea either! But my curiosity, and doubtless the fact that I got this album as a promo in order to review it, make me heard a tonal flora as much attractive as the one of Shane Morris or yet that of Memory Geist. On the other hand, the first 40 minutes of this album will warm your ears because DASK offers us the best of the Berlin School style, sequenced or/and ambient. This album will be out in the summer of 2018. I will add a link then. But otherwise you can find more additional information here.

Sylvain Lupari (January 5th, 2018)
C'est lors de la conception de Electron Utopia, paru sur SynGate Records en début 2017, que “Insecta [Extended]” a commencé à germer dans l'esprit de DASK. Il restait encore du bon matériel qui ne trouvait pas sa place sur cet album, mais pas assez pour un album de plus d'une 40taine de minutes. Et brique par brique, David Marsh ajoutait des compositions qui allaient nicher sur un album inspiré par le déclin très remarqué de la population des insectes depuis 1970. On parle ici d'un ordre de 60%. La grosse question existentielle de DASK était de savoir le total de minutes qu'il devait consacrer à cet album! D'où l’adjectif Extended. Initialement idéalisé pour une durée respectable, “Insecta [Extended]” a pris une 30taine de minutes au compteur avec une musique d'ambiances exploratoire. Ainsi divisé entre des plages très ambiosphériques, ambiosoniques et rythmés sur le modèle Berlin School, “Insecta [Extended]” cache de véritables joyaux qui démontrent que DASK était résolument une des belles trouvailles de 2017.
C'est avec des ailes acérées, qui découpent une muraille d'ondes synthétisées, et des murmures d'insectes que "Arthropod" amorce la dernière aventure du musicien Anglais. Un tumulte éolien renverse ces premiers éléments avec des ondes très oxydées qui éraflent ce décor subreptice où bat un premier pas du séquenceur. Les vents persistent avec une obscure froideur Redshiftienne lorsque que ce pas perdu éveille sa petite communauté rythmique afin de faire tressaillir nos murs avec un rythme lourd et noir, comme celui venant d'un Moog. Ce rythme sautille après la barre des 4 minutes. Dansant avec une autre ligne de séquences dont le son perle comme une goutte d'eau figée, le rythme sans structure de "Arthropod" tente de structurer une carcasse uniforme qui finit par clopiner comme un majestueux Berlin School. Majestueux, je dis? Certainement, puisque David Marsh couche ici une structure évolutive et dont l'homogénéité dépend de ce qui l'entoure. Ce rythme, lourd et vif, continue d'étendre son entrain parmi des strates acérées qui viennent le titiller par moments, lorsqu'il emprunte en toute fin, soit vers la 11ième minute, une approche harmonique qui fait très Düsseldorf School, très Kraftwerk. Génial! "Arthropod" est tout simplement magistral et vaut à lui seul l'achat de “Insecta [Extended]”. "Colony" nous amène dans les souterrains, et ils sont légions dans cet album, où les insectes établissent leur confrérie. DASK mélange des nappes électroniques avec des effets organiques sur des teintes de synthétiseurs qui vont du noir opaque à du cristallin aussi acéré que le dard d'un scorpion. Et si "Arthropod" est tout simplement jouissif, on peut en dire autant du superbe "Insecta" et de son rythme vif qui oscille parmi de beaux effets percussifs et d'autres séquences qui grésillent en offrant un chant d'invertébré. Un chant qui se transforme avec un bel effet flûté. Un très bon titre du modèle Berlin School qui seconde l'achat de ce 5ième album de DASK.
Par la suite, David Marsh explore le modèle ambiant avec des parfums de Steve Roach qui se prêtent à une faune insectivore. Mélangeant les tonalités et les ondes sombres avec des fissures opalescentes, DASK nous plonge dans un univers de bestioles où toutes les idées trouvent racines derrière un flot de nappes aux couleurs, aux effets et aux bourdonnements pleins de contrastes. Après une lourdeur introductive écrasante, "Biomass" trouve refuge dans une clairière où les chants d'insectes irradient la noirceur initiale du titre. Si on aime la série Immersion de Steve Roach, un titre comme "Overwinter" saura vous séduire. Je pourrais ajouter "Prevernal", sauf que des éléments méditatifs plus lumineux ornent sa finale. Construit sur le même modèle, mais à l'envers, le court "Growth" nous amène à une finale bariolée de drones de tous acabits et de toutes les couleurs qu'est "Emergence". Cette longue phase de musique d'ambiances, on parle tout de même de plus de 40 minutes de musique ici, peut faire fuir les amateurs d'une MÉ concentrée sur le modèle séquenceur. Je vous comprends puisque ce n'est pas non plus ma tasse de thé! Mais ma curiosité, et le fait sans doute que j'ai obtenu cet album en promotion, m'a fait entendre une flore tonale aussi séduisante que celle de Shane Morris ou encore celle de Memory Geist. Par contre, les 40 premières minutes de cet album vous réchaufferont les oreilles puisque DASK nous offre le meilleur du genre Berlin School, séquencé ou/et ambiant.

Sylvain Lupari (05/01/2018)