jeudi 19 octobre 2017

WOLFGANG NACHAHMER: Hexenkessel (2017)

“Hexenkessel is another special guest from SynGate which will be revealed on E-Live 2017. All I know is that it's a great vintage psychedelic Berlin School which unites the many faces of the 70's”
1 Der Garten der Träume 17:51
2 Vorwärme 4:39
3 Hexenkessel 15:39
4 Auf das neue Land 9:41
5 Schoß der Götter 8:03

SynGate CD-r WA01 (CD-r/DDL 55:53) ****
(Berlin School with psychedelic vibes)
In April 2014, SynGate had fun testing the knowledge of the hard and pure fans of the Berlin School genre by launching an album, Aus dem Nichts, conceived by a well-known artist and whose works were recognized by his colleagues and who has signed a mysterious album under the acronym of M.O.B.S. (Man Of Berlin School). About 30 months later, the German label reattempts the experiment with this album from a certain Wolfgang Nachahmer; a pen name this time for an artist well established on the international scene since decades. The press info gives us 2 indications: this artist wanted to make a solo album which would accentuate its affinities with the Berlin School genre. Thus, he is part of a band which does something else than EM. The pallet is wide and we can rule out Detlef Keller because he was the man behind M.O.B.S.! After some listening, the music of “Hexenkessel” dips actually into the Berlin School style, but a Berlin School which marinates in a more psychedelic approach with a beautiful use of synths and Mellotron. But no matter the identity, I find the idea of the thinkers at SynGate as much attractive as also very interesting.
A bed of reverberations, dosed well by fine modulations, and tears of synth which flow with the fluidity of beautiful ethereal solos; "Der Garten der Träume" puts at once my ears in these years where the solos of synth used to make the charms of an EM more drifting than rhythmic. The synth solos stream with the nobility of the art by sticking to it some nice fluty melodies. These solos dance and twist themselves with a duality in tones, while that quite slowly is drumming a structure of sequences in the kind of Picture Music from Klaus Schulze. In spite of the presence of these sequences and of some moments of intensity, "Der Garten der Träume" stays anchored well in its position of astral drifting. Banks of mist awakes an intensity which finds a partner in the vibrations of these sequences. While the solos undulate beneath the metallic jingles of percussive effects, the music seeks for a new partner with cosmic effects which lead "Der Garten der Träume" towards a finale more in ambiospherical mode. "Vorwärme" proposes a short phase of ambient music with all these cosmic effects of the 70's as well as murmurs and sighs of synth and Mellotron which win more in swiftness, as the music reaches its last seconds of cosmic drift.
A beautiful chant of Mellotron awakens the sequences of the Tangerine Dream style which will light the passion of the title-track. Well settled in its decoration of electronic effects, the structure of "Hexenkessel" goes up and down with the same ingenuity of the analog rhythms of the vintage years. At this level, the title is a real tribute to Tangerine Dream of the Phaedra years with good Mellotron and perfumes of guitar which is roaming in the background. Sometimes violent, sometimes misty and often unpredictable the music adopts the diverse gradations of the electronic hymns of that time. The sequencing pattern here is splendid and forges a structure in continual movement, even if the nuances abound in its rhythmic progression. After a good 8 minutes of big electronic rhythm, "Hexenkessel" finds refuge in a foggier zone with the somber harmonies of a very good Mellotron and odd percussive effects (that sounds like an old vinyl to often played and which has trouble with the ambient passages). This is highly addictive! "Auf das neue Land" brings us to another level of psychedelic music with manual percussions which drum around a campfire. Friends surround the percussionist, apparently stoned, and play the acoustic guitars and flutes. Other friends, just as much stoned, hum layers of faded voices while an ingenious among the gang plays synths without electricity. The whole thing gives a very lively acoustic music which spreads its charms under the concerto of stars and dusts of stars. One would say Pink Floyd, period Atom Heart Mother. After a short introduction of ambiences decimated by a fauna of colorful sound effects, "Schoß der Götter" burst with a movement of limp from the sequencer which loses the rhythmic guides in a line of quick and tenacious oscillations. The variations of sinusoidal waves draw a steady race which doesn't feel the need to breathe, the oxygen being assumed by the acrobatic solos of a synth in mode psychedelic gas. It's a good vintage rhythm with a beautiful correlation between the various layers of synth with tones always so ill-assorted. The storm of the oscillations subsides in a finale of soft perfumes of transcendental rest unique to the esoteric ideology of the LSD years. A real return in time my friends! Hey that I look forward for Saturday October 21st 2017.

Sylvain Lupari (October 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page
here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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En Avril 2014, SynGate s'amusait à tester les connaissances des fans purs et durs du genre Berlin School en lançant un album, Aus dem Nichts, conçu par un artiste reconnu mondialement et qui signait l'album sous l'acronyme M.O.B.S. (Man Of Berlin School). Quelque 30 mois plus tard, le label Allemand retente l'expérience avec cet album de Wolfgang Nachahmer; un pseudonyme cette fois-ci pour un artiste toujours bien établi à l'international depuis des décennies. La revue de presse nous donne 2 indices: cet artiste voulait faire un album en solo qui mettrait en relief ses affinités avec le genre Berlin School. Donc, il fait partie d'un groupe bien établi qui fait autre chose que de la MÉ du style Berliner. La palette est large et on peut écarter Detlef Keller puisqu'il était l'homme derrière M.O.B.S.! Après quelques écoutes, la musique de “Hexenkessel” trempe effectivement dans le genre Berlin School, mais un Berlin School qui marine dans une approche plus psychédélique avec une belle utilisation des synthés et du Mellotron. Mais peu importe l'identité, je trouve l'idée des penseurs chez SynGate aussi séduisante que très intéressante.
Un lit de réverbérations, bien dosées par de fines modulations, et des larmes de synthé qui coulent avec la fluidité de beaux solos éthérés; "Der Garten der Träume" place tout de suite mes oreilles dans ces années où les solos de synthé faisaient les charmes d'une MÉ plus planante que rythmique. Les solos de synthés affluent avec la noblesse de l'art en se collant à des mélodies flûtées. Ces solos dansent et se tordent avec une dualité dans les tons alors que tout doucement tambourine une structure de séquences dans le genre Picture Music de Klaus Schulze. Malgré la présence de ces séquences et des quelques moments d'intensité, "Der Garten der Träume" reste bien ancré dans sa position de dérivation astrale. Des bancs de brume allument une intensité qui trouve un partenaire dans les trépidations de ces séquences. Alors que les solos ondulent sous les cliquetis métalliques des effets percussifs, la musique cherche un nouveau partenaire avec des effets cosmiques qui amènent "Der Garten der Träume" vers une finale plus en mode ambiosphérique. "Vorwärme" propose une courte phase en mode musique ambiante avec tous ces effets cosmiques des années 70 et des murmures et soupirs de synthé et Mellotron qui gagnent plus en vélocité à mesure que la musique atteint ses dernières secondes de dérivation cosmique.
Un beau chant de Mellotron éveille les séquences du style Tangerine Dream qui allumeront la passion de la pièce-titre. Bien installé dans son décor d'effets électroniques, la structure de "Hexenkessel" monte et descend avec la même ingéniosité des rythmes analogues des années vintages. À ce niveau, le titre est un véritable hommage au Tangerine Dream des années Phaedra avec du bon Mellotron et des parfums de guitare qui traînent dans le décor. Tantôt violente, parfois nébuleuse et souvent imprévisible la musique épouse les diverses gradations des hymnes électroniques de l'époque. Le jeu du séquenceur ici est splendide et forge une structure en continuel mouvement, même si les nuances abondent dans son déroulement rythmique. Après un bon 8 minutes de grand rythme électronique, "Hexenkessel" se réfugie dans une zone plus brumeuse avec les sombres harmonies d'un très bon Mellotron et d'étranges effets percussifs (on dirait un vinyle qui supporte très mal les passages ambiant). "Auf das neue Land" nous amène vers un autre niveau de musique psychédélique avec des percussions manuelles qui tambourinent autour d'un feu de camp. Des amis entourent le percussionniste, visiblement inspiré par une matière douteuse, et jouent de la guitare acoustique et des flûtes. D'autres amis, tout aussi bien gelés, fredonnent des nappes de voix éteintes alors qu'un ingénieux parmi la gang joue des synthés sans électricité. Le tout donne une musique acoustique bien vivante qui étend ses charmes sous le chant des étoiles et des poussières d'étoiles. On dirait du Pink Floyd, période Atom Heart Mother. Après une courte introduction d'ambiances décimées par une faune d'effets sonores bigarrés, "Schoß der Götter" éclate avec un mouvement de clopinement du séquenceur qui perd les guides rythmiques dans un filon d'oscillations vives et tenaces. Les variations d'ondes sinusoïdales dessinent une course soutenue qui ne sent pas le besoin de respirer, l'oxygène étant assumé par les solos acrobatiques d'un synthé en mode gaz psychédélique. C'est du bon rythme vintage avec une belle corrélation entre les différentes couches de synthé aux tonalités toujours aussi disparates. La tempête des oscillations s'affaisse dans une finale aux doux parfums de repos transcendantal unique à l'idéologie ésotérique des années LSD. Un vrai retour dans le temps mes amis! Eh que j'ai hâte à samedi le 21 Octobre 2017.

Sylvain Lupari (19/10/2017)

lundi 16 octobre 2017

AKIKAZE: Solstice (2017)

“This is another great gem in the vast ocean of EM built upon the roots of retro and new Berlin School”
1 Jacob's Ladders 7:18
2 Halo 17:06
3 Autumn Mist 5:16
4 Solstice Part 1 17:26
5 Solstice Part 2 13:03
6 Northern Light 19:20

Spheric Music ‎– SMCD 3011 (CD 79:43) ****
(Retro and New Berlin School on great melodic themes)
In my distant memories, I think that I have heard the music of Akikaze. In fact, I had a friend who spoke well of him and he even lent me a CD, I believe that it was In High Places, so that I discover the music of the Dutch musician. I didn't hook on it. And, listening to this “Solstice” and to its structures in continual movement, I don't understand why and how I missed that train. This album totally took me by surprise. And, in order to remain calm, I took the time to well listening this last opus of Akikaze of which main lines were presented to the E-Live festival in October 2015 (Gert Emmens played even the percussions on it). Verdict? There are no doubts! I well and truly discovered another small pearl in the vast ocean of EM. For a reason I ignore, I had associated the name of Akikaze, which means autumn wind in Japanese, to a Kitaro style of New Age. Moreover, the German label SynGate has reissued some of his albums on its Bandcamp platform at the end of 2015 in a silence which said it all on the artistic direction of Pepijn Courant, the man behind Akikaze. And then came this “Solstice” on Lambert Ringlage's label, a record company which specializes on the Berlin School style and which is known to produce good artists and mostly some great EM.
Twisted effects which break out into a wave of continuous sounds furnish a rather festive introduction to "
Jacob's Ladders". A line of sequences, with a harmonious tone which is reminiscent of the very beautiful movements of Eddie Jobson Synclavier on his very poetic and icy Theme of Secrets, made roll its keys which skip in circular movements. The nuances and the notches of the movement give a harmonious nobility which will seduce, under various angles, throughout “Solstice”. The harmonies flow like the grace of a ballet which personifies a dance of swans while in the background sparkles of murmurs remain sieved by the tenacity of a shaded veil. Minimalist and circular, the main movement of "Jacob's Ladders" stretch its charms up until that a line of bass sequences knocks them down with a lively movement and its aura of tension which makes our fingers strum. Layers of voices bewitch this brief change of direction before a 3rd change of skin brings "Jacob's Ladders" towards a more ethereal ambient phase with notes from an acoustic guitar which dream in the calm of sibylline voice layers. Three changes of direction for 7 minutes? We have to live with it because “Solstice” is everything but far from being king of homogeneity. "Halo" begins with a duel between a kind of accordion, a flute and a harp. The harp gets victorious and weaves us a comfortable melody that we would want so eternal. Voices hum behind a new association between the harp and an acoustic six-strings. It's like a small concert of angels in the new Eden which gets lost from the 3rd minute with a spheroidal movement of the sequencer to which get are grafted keyboard keys. The keyboard adds other chords, with more crystalline shadows, and pulls us towards the lands of Berlin School with good effects and a gradation in the rhythm which remains always ambient. The synth spreads beautiful harmonies and good solos whereas some surprising, and very unexpected, percussive effects invite themselves in this sonic painting in movement which tries constantly to fool the hearing with modifications which crop slightly the axis of "Halo" without denying its genre, nor its destination. "Autumn Mist" is a very Vangelis melody in Berlin School ambiences. I found that very seducing.
Composed for the E-Live festival, the title-track is the cornerstone of “
Solstice”. The first 6 minutes of "Solstice Part 1" are a beautiful moment of romance with an acoustic guitar which condemns its melody to roam in foggy layers which switch shape into rather striking arrangements. A spiral line of sequences injects a circular rhythm which is strongly snatched by very good percussions. The movement becomes then a good phase of progressive electronic rock with a swarm of melodies which survives and which charms in spite of the severity of the percussions' strikes. While my ears get more and more excited, Akikaze unwinds its solos unique to the vintage years which take forms and colors as so creative than in these beautiful years. A superb track which will throw a little of shade on "Solstice Part 2" and its route weaved in the continuity, here the first 6 minutes are forged in melancholy with a delicate flute and its fragile bucolic chant. Lively sequences flicker and congeal a still rhythmic after 6 minutes, forging a more electronic rhythm, in spite of the percussions, which seduces just as much with the very beautiful synth, and the way he is using it, of Akikaze. Because of its very changeable character, and its numerous arrangements drawn in the 60 other minutes of “Solstice”, "Northern Light" requested me more than one listening to find satisfaction between my ears. With hesitating pulsations in an organic sound envelope and carousels of sequences glittering on the spot, the introduction is tinted with an approach sewn by mystery. A first mobile line of sequences emerges after 120 seconds. The rhythm becomes fluid with a running which oscillates cheerfully in layers of voices in the shape of riffs. Another movement of bass sequences runs like the one in "Jacob's Ladders" while a 3rd one cements a more harmonious approach. These 3 layers alternate the phases of steady rhythm, of ambient phases and of harmonious ones in an ascending movement which coats itself of a soft sibylline choir and of nightmarish organ layers. A first bridge of ambiences appears around the 7th minute, bringing "Northern Light" on a path sculptured by sequences which go tiptoe. Some very nice orchestrations throw a dose of passion on the harmonies become hoarser and on sequences become less uncertain. Slowly, the universe of "Northern Light" falls over again but this time towards a more harmonious race. The synth displays its more discreet charms whereas always glitters this swarm of sequences which goes and comes discreetly. The layers of organ are more chthonian and the rhythm which follows is more ambient, leading the fates of "Northern Light" being consumed by a lullaby as much morphic as so very oniric.
Layers of rhythms which crisscross and follow each other in an electronic decoration which allies the retro and the new Berlin School and synths, especially synths, which weave good soloes as charming as the melodies in a soundscape not too much fill nor too mat,
Akikaze succeeds his entrance on Spheric Music in a remarkable way. With its multiple sound faces, “Solstice” is an album that we savor at any time of the day. We want beautiful melodies on light rhythms, “Solstice” is there. We wish for strong stuff and robustness coated by magic solos, “Solstice” is there again. We seek for complexity which flows such as fluid without abrasive, “Solstice” is always there. And without being aware of it we pass from a phase to the other one without being too much disoriented, nor with regrets. A very beautiful album my friends …
Sylvain Lupari (October 16th, 2017)
synth&sequences.com
One finds this album on CD Baby and on the Spheric Music shop here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Dans mes lointains souvenirs, il me semble avoir déjà entendu la musique d'Akikaze. En fait, j'avais un ami qui en parlait en bien et il m'avait même prêté un CD, je crois que c'était In High Places, afin que je découvre la musique du musicien Hollandais. Je n'avais pas vraiment accroché. Et, à l'écoute de ce “Solstice” et de ses structures en continuel mouvement, je ne comprends pas comment ai-je pu avoir louper un tel artiste. Cet album m'a totalement pris par surprise. Et, question de ne pas m'emballer trop vite, j'ai pris le temps de bien écouter ce dernier opus d'Akikaze dont les grandes lignes furent présentées au festival E-Live en Octobre 2015 (Gert Emmens y jouait même les percussions). Verdict? Il n'y a pas de doutes! J'ai bel et bien découvert une autre petite perle dans le vaste océan de la MÉ. Pour une raison que j'ignore, j'avais associé le nom d'Akikaze, qui signifie vent d'automne en japonais, à du New Age à la Kitaro. Le label allemand SynGate avait d'ailleurs ressorti quelques-uns de ses albums sur sa plateforme Bandcamp à la fin de 2015 dans un silence qui laissait planer un doute sur la direction artistique de Pepijn Courant, l'homme derrière Akikaze. Et puis vint ce “Solstice” sur le label de Lambert Ringlage, une maison de disque qui se spécialise sur le style Berlin School et qui a l'habitude de signer de bons artistes.
Des effets torsadés qui déferlent en une vague de sons continus garnissent une introduction plutôt festive de "Jacob's Ladders". Une ligne de séquences, avec une tonalité harmonique qui n'est pas sans rappeler les très beaux mouvements du Synclavier d'Eddie Jobson dans le très poétique et glacial Theme of Secrets, fait rouler ses ions qui sautillent en mouvements circulaires. Les nuances et les échancrures du mouvement rend une noblesse harmonique qui séduira, sous différents angles, tout au long de “Solstice”. Les harmonies coulent comme la grâce d'un ballet qui personnifie une danse des cygnes alors qu'en arrière-plan des éclats de murmures restent tamisés par la ténacité d'un voile ombragé. Minimaliste et circulaire, le principal mouvement de "Jacob's Ladders" étire ses charmes jusqu’à ce qu'une ligne de basse séquences les bouscule avec un mouvement vif et son aura de tension qui fait pianoter nos doigts. Des nappes de voix ensorcèlent ce bref changement de direction avant qu'un 3ième changement de peau amène "Jacob's Ladders" vers une phase d'ambiances plus éthérée avec des accords de guitare acoustique qui rêvent dans des nappes sibyllines. Trois changements de direction pour 7 minutes? Faut s'y faire, car “Solstice” se tient loin de tout ce qui concerne l'homogénéité. "Halo" débute avec un duel entre accordéon, flûte et harpe. La harpe sort vainqueur et nous tisse une somptueuse mélodie que l'on voudrait tant éternel. Des voix chantonnent derrière une nouvelle association entre harpe et six-cordes acoustique. C'est comme un petit concert d'anges dans le nouvel Éden qui s'égare dès la 3ième minute avec un mouvement sphéroïdal du séquenceur où se greffent des accords de clavier. Un clavier qui ajoute d'autres accords, avec des ombres plus cristallines, et nous attire dans les terres de la Berlin School avec de bons effets et une gradation dans le rythme qui reste toujours ambiant. Le synthé étend de belles harmonies et de bons solos tandis que d'étonnants, et très inattendus, effets percussifs s'invitent dans cette toile en mouvement qui cherche constamment à déjouer l'ouïe avec des modifications qui détourent légèrement l'axe de "Halo" sans pour autant renier son genre, ni sa destination. "Autumn Mist" est une mélodie très Vangelis dans des ambiances Berliner. J'ai trouvé ça très séduisant.
Composé pour le festival E-Live, la pièce-titre est la pierre d'assise de “Solstice”. Les 6 premières minutes de "Solstice Part 1" sont un beau moment de romance avec une guitare acoustique qui condamne sa mélodie à errer dans des nappes brumeuses qui se transforment en arrangements assez saisissants. Une ligne de séquences spiralée injecte un rythme circulaire qui est fortement happé par de très bonnes percussions. Le mouvement devient alors une bonne phase de rock électronique progressif avec un essaim de mélodies qui survit et qui charme malgré la sévérité des frappes de percussions. Alors que mes oreilles deviennent de plus en plus folles de plaisir, Akikaze déroule ses solos uniques aux années vintage qui prennent des formes et des couleurs aussi créatives que dans ces belles années. Un superbe morceau qui jettera un peu d'ombre sur "Solstice Part 2" et de son parcours tissé dans la continuité, ici les 6 premières minutes sont forgées dans la mélancolie avec une délicate flûte et son fragile chant bucolique. Des séquences vives papillonnent et figent une rythmique stationnaire après les 6 minutes, forgeant un rythme plus électronique, malgré les percussions, qui séduit tout autant avec le très beau synthé, et la façon dont il s'en sert, d'Akikaze. À cause de son caractère très changeant, et ses nombreux arrangements puisés dans les 60 autres minutes de “Solstice”, "Northern Light" m'a demandé plus d'une écoute afin de trouver satisfaction entre mes oreilles. Avec des pulsations hésitantes dans une enveloppe sonore organique et des carrousels de séquences miroitant sur place, l'introduction est teintée d'une approche cousue de mystère. Une première ligne de séquences mobile émerge après 120 secondes. Le rythme devient fluide avec une course qui oscille allègrement dans des nappes de voix en forme de riffs. Un autre mouvement de séquences basses court comme dans celui de "Jacob's Ladders" alors qu'une 3ième cimente une approche plus harmonique. Ces 3 couches alternent les phases de rythme soutenus, ambiants et harmoniques dans un mouvement ascendant qui se nappe d'une douce chorale sibylline et de nappes d'orgue cauchemardesques. Un premier pont d'ambiances surgit vers les 7 minutes, amenant "Northern Light" sur un sentier sculpté par des séquences qui marchent à pas-de-loup. De belles orchestrations jettent une dose de passion sur les harmonies devenus plus rauques des séquences devenues moins incertaines. Doucement, l'univers de "Northern Light" bascule à nouveau mais cette fois-ci vers une course plus harmonique. Le synthé déploie ses charmes plus discrets tandis que miroitent toujours cet essaim de séquences qui va et vient en toute discrétion. Les nappes d'orgue sont plus chtoniennes et le rythme qui suit plus ambiant, conduisant les destinées de "Northern Light" consumée par une berceuse aussi morphique que très onirique.
Des couches de rythmes qui s'entrecroisent et se succèdent dans un décor électronique qui allie le rétro et le nouveau Berlin School et des synthés, surtout des synthés, qui tissent de bons solos aussi enchanteurs que les mélodies dans un paysage sonique pas trop rempli ni trop terne, Akikaze réussit son entrée chez Spheric Music de façon remarquable. Avec ses multiples visages soniques, “Solstice” est un album qui se déguste à n'importe quel moment de la journée. On a envie de belles mélodies sur des rythmes légers, “Solstice” est là. On désire du coffre et de la robustesse enrobée de solos magiques, “Solstice” est encore là. On cherche de la complexité qui coule comme du fluide sans abrasif, “Solstice” est toujours là. Et sans s'en rendre compte on passe d'une phase à l'autre sans trop être dépaysé, ni avec regrets. Un très bel album mes amis…

Sylvain Lupari (18/10/2017)

samedi 14 octobre 2017

ARC: Fleet (2017)

“What we have here is a splendid album, from start to end, which will blow your ears away with a loud and fast sequencer-based style England School”
1 Fleet 8:38
2 Soar 8:37
3 Surge 12:23
4 Escape 8:07
5 Crux 13:59
6 Runner 12:01
7 Howl 10:42

DiN 53 (CD/DDL 74:34) *****
(Loud and fast sequencer-based style England School)
At each new album of Arc, we ask ourselves the question to know if the English duet would surpass its previous album. I devoured every album of Arc and more specially Umbra and its live reconstitution in the striking Arclight. Since Church, Ian Boddy and Mark Shreeve polish their style with new gear and they push an EM which wins in intensity as the seconds flee meters. The last studio and live album let emerge strong the finales, constituted of the gloomy and explosive Panthera and Cherry Bomb, which are for me the quintessence of the England School style. So, the bar was very high for “Fleet”, an album of original material that Arc performed at the famous E-Scape Festival earlier this year. “Fleet” proposes one 75 minutes of an EM which reaches new summits for Arc with a superb symbiosis between the ambiences, the rhythms and the melodies which are constantly peppered by perfect sound and percussive effects. Always whipped by good structures of rhythms (as we expected, the sequences are dominant and excellent), “Fleet” will know a finale as convincing as the one in Umbra.
If we remember correctly the
E-Scape 2017 album, Arc has interpreted a Mark Shreeve title, System Six, in this compilation album which gathers the artists present at this festival. I bring this fact, because the music of “Fleet” really sounds strangely like the universe of the one to whom we owe the Legion album. Maybe it's because he has mixed and masterised it. But whatever, it's on this mold that the title-track approaches our ears. Chthonian breaths embalm the moods of a sinister theatrical approach which is amplified by knockings of percussions coming from the outer-world. A line of bass polished the heavy relief of "Fleet" which is proud of its introduction with thick layers of a Gothic organ from a dark Mellotron and a chthonian choir which galvanizes its presence with a delicious cinematographic ode. The rhythm skipping weakly in these splendid luciferian arrangements, "Fleet" orientates again its dark axis with an attractive harmonious approach a little after the 4 minutes point. The arpeggios which sparkle here have this scent of John Carpenter and/or Legion in a heavy pattern where whistle shadows and specters with an attractive fusion between the singing of a synth and its orchestrations which reign over this structure as much lively than a gooseflesh which is afraid of the wind. Now each title here is interrupted by applauses. They are witness of an audience of connoisseurs of the Arc style from where "Soar" escapes with its lively structure. To say the least for its first 4 minutes. The rhythm is fluid and tied up on a line of bass sequences in mode; run after my keys! Another line of sequences gets grafted at this race, adding a more harmonious section to the rhythm and in the many sound effects of "Soar" which will dive into a phase of ambiences and of Mephistophelian effects where this harmonious line of sequences will weaken its last ounces of charm in one of the rare quiet moments of “Fleet”. The first moments of "Surge" are also of ambient nature with foggy breezes and layers of sibylline voices which float in an embryo of rhythm split up by yet uncertain rush. Except for a bass line which is always lively and stuck in a universe of perdition where also sparkle keyboard keys which are soaked of the sweet perfumes of Ian Boddy. Since its introduction, we smell that "Surge" is going to explode right in our face. And that starts with a livelier structure at the edge of the 4 minutes with a meshing between motionless sequences and percussions in mode rock which push the music towards a strong structure of electronic rock covered by layers and squeaking of synths. A pure moment of euphoric trance is going on and is provided by the wonderful quality of the duel of synths and of their vampiric effects. A little as in "Soar", "Surge" reveals its structure of rhythm with sequences beating without blanket which charm so much with these rolling of balls very in mode Chris Franke.
The heavy layers which cover the hesitating and at the end more coherent movement of "
Escape" bring to us not too distant memories with the approach of Panthera. In a structure which also unifies heaviness and suppleness, the music remains more harmonious and less stormy in this title fed by superb percussive effects as harrowing as these layers of Mellotron which wrap a structure supported in an approach always very theatrical. The first 4 minutes of "Crux" are also fed by delicious luciferian vibes. The rhythm which hatches is lively with sustained bass pulsations and movements of sequences which activate their crisscrossed loops like flights of bats in a haunted cave. "Runner" is a little bomb with its rhythm knotted around strange cawing of the sequencer and the line of bass pulsations in mode techno/dance. The synths are very harmonious and our starving ears have difficulty in seizing this whole fauna of percussive effects which surrounds a charmingly bumpy structure and of which the charms stay in these synths in mode Jarre and his Pop years. But a Pop here which loses this nuance of fragility with a rhythmic envelope as heavy as the vibes which surround the 7 tracks of this very strong opus from Arc. The 2nd part is clearly more explosive and in mode Shreeve of the Assassin times. With its approach skillfully weaved in a sound tension, "Howl" wants to make counterweight to the very overexcited Cherry Bomb and to the powerful Veil (Church). And that works! Here, as on many titles in “Fleet”, the tension in the introduction cogitates in the first 4 minutes. And then … Bang! "Howl" explodes between our ears with a heaviness and a fluidity up to here unequalled in the repertoire of Arc. The synths spit solos as much furious as those in Cherry Bomb and this in a heaviness assumed by layers of wild and boosted riffs. A slight moment of calm ambiences and bang! "Howl" explodes again and this time the solos whistle such as those of a heavy metal guitar in a structure just as much greedy for heavy electronic metal. An explosive finale for an album which doesn't disappoint at all and which is delicious from start to end. Misters Boddy and Shreeve, the bar will still be very high to surpass this “Fleet”. But I feel that you are capable! This is what I call an unescapable and perfect loud and fast sequencer-based style album, Enjoy my friends!

Sylvain Lupari (October 14th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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À chaque nouvel album d'Arc on se pose la question à savoir si le duo Anglais surpasserait son précédent album. J'ai dévoré chaque album d'Arc et plus spécialement Umbra et sa restitution en spectacle avec le percutant Arclight. Depuis Church, Ian Boddy et Mark Shreeve fignolent une MÉ qui gagne en intensité à mesure que les secondes fuient les compteurs. Et les finales, constituées des sombres et explosifs Panthera et Cherry Bomb sont pour moi la quintessence de la England School. La barre était donc bien haute pour “Fleet”, un album de matériel original qu'Arc a performé au fameux E-Scape 2017. “Fleet” propose un 75 minutes d'une MÉ qui atteint des nouveaux sommets avec une superbe symbiose entre les ambiances, les rythmes et les mélodies qui sont constamment pimentés de superbes effets sonores et percussifs. Toujours fouetté par de bonnes structures de rythmes, comme on s'y attend les séquences sont dominantes et excellentes, “Fleet” connaîtra une finale aussi convaincante qu'Umbra.
Si l'on se souvient de l'album E-Scape 2017, Arc interprétait une pièce du répertoire de Mark Shreeve, System Six, dans cet album compilation qui réunit les artistes présents à ce festival. J'amène ce fait, car la musique de “Fleet” ressemble drôlement à l'univers de celui à qui l'on doit l'album Legion. Et c'est aussi dans ce moule que la pièce-titre aborde nos oreilles. Des souffles chtoniens embaument les ambiances d'un sinistre approche théâtral qui est amplifié par des cognements de percussions venant d'outre-monde. Une ligne de basse poli le lourd relief de "Fleet" qui enorgueillit son introduction avec d'épaisses nappes d'un orgue gothique et une chorale chtonienne qui galvanise sa présence avec une délicieuse ode cinématographique. Le rythme sautillant mollement dans ces superbes arrangements lucifériens, "Fleet" réoriente son axe ténébreux avec une séduisante approche harmonique un peu après les 4 minutes. Les arpèges qui y scintillent ont cette odeur de John Carpenter et/ou de Legion dans un lourd canevas où sifflotent ombres et spectres avec une séduisante fusion entre le chant d'un synthé et ses orchestrations qui règnent sur cette structure aussi enlevante qu'une chair de poule qui a peur du vent. Chaque titre est entrecoupé par des applaudissements qui est le témoin d'une audience connaissante du style Arc d'où "Soar" s'échappe avec sa structure vive. À tout le moins pour ses 4 premières minutes. Le rythme est fluide et conçu sur une ligne de basse séquences en mode court après mes ions. Une autre ligne de séquences se greffe à cette course, ajoutant une section plus harmonieuse au rythme et aux moult effets sonores de "Soar" qui plongera dans une phase d'ambiances et d'effets Méphistophéliques où cette ligne de séquences harmonique étiolera ses dernières onces de charme dans un des rares moments de calme de “Fleet”. Les premiers instants de "Surge" sont aussi de nature ambiante avec des brises brumeuses et des nappes de voix sibyllines qui flottent dans un embryon de rythme fragmenté par des éclats encore incertains. Sauf pour une ligne de basse qui est toujours vivante et plaquée dans un univers de perdition où scintillent aussi des accords de claviers qui sont imbibés des doux parfums d'Ian Boddy. Depuis son introduction, nous sentons que "Surge" va nous sauter en pleine gueule. Et ça débute par une structure plus entrainante à l'orée des 4 minutes avec un maillage entre séquences stationnaires et percussions en mode rock qui poussent la musique vers une solide structure de rock électronique recouvert par des nappes et des crissements de synthé. Un pur moment de transe euphorique transmise par une superbe qualité du duel des synthés et de leurs effets vampiriques. Un peu comme dans "Soar", "Surge" dénude sa structure de rythme avec des séquences sans couverture qui charment avec des roulements très Chris Franke.
Les lourdes nappes qui recouvrent le mouvement hésitant et finalement cohérent de "Escape" imposent des souvenirs pas trop lointains avec la démarche de Panthera. Dans une structure qui unifie aussi lourdeur et agilité, la musique reste plus harmonique et moins tempétueuse dans ce titre nourri de superbes effets percussifs aussi angoissants que ces nappes de Mellotron qui enveloppent une structure soutenue dans une approche toujours très théâtrale. Les 4 premières minutes de "Crux" sont aussi nourries par de belles ambiances lucifériennes. Le rythme qui éclot est vif avec des basses pulsations soutenues et des mouvements de séquences qui activent leurs boucles entrecroisées comme des vols de chauve-souris dans une grotte hantée. "Runner" est une petite bombe avec son rythme noué autour d’étranges croassements du séquenceur et d’une ligne de basses pulsations en mode techno/danse. Les synthés sont très harmonieux et nos oreilles affamées peinent à saisir cette faune d'effets percussifs qui entoure une structure délicieusement cahoteuse et dont les charmes restent ces synthés en mode Jarre et ses années de Pop. Mais du Pop ici qui perd cette nuance de fragilité avec une enveloppe rythmique aussi lourde que les ambiances. La 2ième partie est nettement plus explosive et en mode Shreeve des années Assassin. Avec son approche habilement tissée dans une tension sonore, "Howl" veut faire contrepoids au survolté Cherry Bomb et au puissant Veil (Church). Et ça fonctionne! Ici, comme sur bien des titres de “Fleet”, la tension dans l'introduction cogite dans les 4 premières minutes. Et puis…Bang! "Howl" explose entre nos oreilles avec une lourdeur et une fluidité jusqu'ici inégalées dans le répertoire d'Arc. Les synthés crachent des solos aussi furieux que dans Cherry Bomb et ce dans une lourdeur assumée par des couches de riffs sauvages et surexcités. Un léger moment d'ambiances et bang! "Howl" explose à nouveau et cette fois-ci les solos sifflent comme ceux d'une guitare heavy métal dans une structure tout autant heavy métal. Une finale explosive pour un album qui ne déçoit pas et qui est exquis du début à la fin. Messieurs Boddy et Shreeve, la barre sera encore très haute afin de surpasser ce “Fleet”. Mais je sens que vous en êtes capable! Un incontournable album sans faille.
Sylvain Lupari (16/10/2017)

jeudi 12 octobre 2017

DASK: Messages (2017)

“Second opus From DASK, Messages is a wild sequencer-based style EM album filled by vintage, as contemporary, moods”
1 A Message 12:52
2 M13 Cluster 8:26
3 Gliese 581 12:02
4 Fermi Paradox 6:15
5 Cosmic Call One 14:24
6 Cosmic Call Two 12:52
7 Contact Made 3:23

SynGate DASK02 (CD-r/DDL 70:16) ***¾
(Sequencer-based style Berlin School)
In 1974, an interstellar message containing information on the Earth and its inhabitants was sent by the observatory of Arecibo in Puerto Rico towards a heap of stars named M13 which was at 25,000 light years from our planet. Frank Drake had then invented the format of dialogue of the message with the assistance of Carl Sagan. "A Message" onsets “Messages” with the tones of this message. After a first album which contained all the elements to capture the interest the aficionados of a classic Berlin School style a la Tangerine Dream, DASK returns with a 2nd opus resolutely cosmic which fills our ears with a clear evolution in its sound vocabulary.
After a good ambiospherical 5 minutes weaved by cosmic elements, the drift of "
A Message" accosts a rhythmic station. The boarding is made from the tips of hesitating sequences which swirl into a soft circular escalation. Cabalistic effects add a touch of intensity while a bass pulsation invites itself and restructures the passive rhythm into a more fluid one. Other pulsations get in and force the flow of rhythm towards one which is more dynamic and where the shadow of Redshift watches over a splendid polyphased waving movement with two sequencers which spit their contrasts in a good electronic rock finale worthy of the vintage years. "M13 Cluste " takes a short ambiospheric bend before weighing down its presence with a heavy sequencer which makes a line of rhythm oscillates with effects of radiations in the loops which are closer to our ears. Another movement of the sequencer makes its keys skip of which the delicious stumbles correct the rhythm's effect of neutrality. It's a heavy static movement which seduces our ears when it goes from a loudspeaker to the other one in a puddle of cracklings which gives it a depth of a cosmic neo-psychedelic genre. In 2008, a powerful digital signal was sent by the telescope RT-70 which should reach the planet Gliese 581en 2029. A hopping structure of rhythm emerges from the abstruse depths of "Gliese 581". This oscillatory and stroboscopic movement will amplify its presence with aerobatic maneuvers which roll in loops after the point of 3 minutes. Minimalist, with some nuances in the tone and in the interstellar cavorts, "Gliese 581" sounds like a relay station by redirecting these circular kicks towards their transmitter. DASK manages to maintain the interest with beautiful insertions of more harmonious sequences throughout these timeless loops, making of "Gliese 581" something nice to hear.
"Fermi Paradox" is a good title of meditative vibes with a beautiful sampling of celestial voices and an astral poetry which dominate this cosmic corridor. Inspired by a signal transmitted by the same telescope towards a door to stars in 1999, "Cosmic Call One" extirpates its figure of spasmodic rhythm from a singing of a synth which irradiated the first moments of vibes from the title. A little as in Electron Utopia, the sequencer dominates the territory of “Messages” while the synths are rather more in mode decorators and painters of atmospheres while toying with the rhythmic curves by a brighter presence and loops of melodies which fit just well into the Motorik rhythms, or the spasmodic ones like here, of this 2nd opus of the musician who like to experiment lines of rhythms and seeks to stay anonymous behind the acronym
DASK. Before the short floating and quite dark finale of "Contact Made", "Cosmic Call Two", for a 2nd contact which should reaches Cassiopeia in 2036, proposes a dynamic pattern of heavy and lively rhythm which leans on a base of boom-boom- tchak-tchak techno. Impossible to stay the feet neutral here!
Offered as much in CD-r as in downloadable format on SynGate Bandcamp site, “Messages” has more punch and rhythmic offensive than in Electron Utopia while keeping a dosage of atmosphere elements, which is rather creative at some points, in view of the unexplained mysteries in these messages and of the consequences of those. Furthermore, the artwork is rather significant … In spite of this cosmic vision, this “Messages” from
DASK is the ideal album for those who eat sequences over sequences freed by furious sequencers.

Sylvain Lupari (October 12th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page here

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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En 1974, un message interstellaire contenant des informations sur la Terre et ses habitants a été envoyé de l'observatoire d'Arecibo à Porto Rico vers un amas d'étoiles nommé M13 qui se trouvait à 25 années-lumière de notre planète. Frank Drake avait alors inventé le format de dialogue du message avec l'assistance de Carl Sagan. "A Message" amorce “Messages” avec les tons de ce message. Après un premier album qui contenait tous les éléments pour ravir les aficionados d'un genre Berlin School classique à la Tangerine Dream, DASK revient avec un 2ième opus résolument cosmique qui plombe nos oreilles avec une nette évolution dans son vocabulaire sonique.
Après un bon 5 minutes ambiosphérique tissées d'éléments cosmiques, la dérive de "
A Message" accoste une station rythmique. L'abordage se fait du bout de séquences hésitantes qui virevoltent en une douce escalade circulaire. Des effets cabalistiques ajoutent une touche d'intensité alors qu'une basse pulsation s'invite et restructure le rythme passif en un rythme plus fluide. D'autres pulsations s'invitent et forcent la structure vers une qui est plus dynamique où l'ombre de Redshift veille sur un superbe mouvement ondulatoire polyphasé avec deux séquenceurs qui crachent leurs contrastes dans une bonne finale de rock électronique des années vintages. "M13 Cluster" prend un court détour ambiosphérique avant d'alourdir sa présence avec un séquenceur lourd qui fait osciller une ligne de rythme avec des effets de radiations dans les boucles qui se rapprochent de nos oreilles. Un autre mouvement du séquenceur fait sautiller des ions dont les délicieux trébuchements corrige l'effet de neutralité du rythme. C'est un mouvement statique lourd qui séduit nos oreilles lorsqu'il voyage d'un haut-parleur à l'autre dans une mare de grésillements qui lui donne une profondeur d'un genre néo-psychédélique cosmique. En 2008, un puissant signal digital fut envoyé du télescope RT-70 qui devrait atteindre la planète Gliese 581en 2029. Une structure de rythme sautillante émerge des profondeurs absconses de "Gliese 581". Ce mouvement oscillatoire et stroboscopique amplifiera sa présence avec des acrobaties aériennes qui roulent en boucle après la barre des 3 minutes. Minimaliste, avec quelques nuances dans le ton et dans les caracoles interstellaires, "Gliese 581" fait figure de station à relais en redirigeant les ruades oscillatrices vers leur émetteur. DASK réussit à maintenir l'intérêt avec de belles insertions de séquences plus harmoniques au travers ces boucles intemporelles, rendant "Gliese 581" plus agréables aux oreilles.
"
Fermi Paradox" est un beau titre d'ambiances méditatives avec un bel échantillonnage de voix célestes et de poésie astrale qui dominent ce corridor cosmique. Inspiré par un signal transmit par le même télescope vers une porte des étoiles en 1999, "Cosmic Call One" extirpe sa figure de rythme spasmodique d'un chant de synthé qui irradiait les premiers instant d'ambiances du titre. Un peu comme dans Electron Utopia, le séquenceur domine le territoire de “Messages” alors que les synthés sont plus en mode décorateurs et peintres d'ambiances tout en déjouant parfois les courbes rythmiques par une présence plus lumineuses et des boucles de mélodies qui s'insèrent dans les rythmes Motorik, ou spasmodiques comme ici, de ce 2ième opus du musicien expérimentaliste qui reste anonyme derrière l'acronyme DASK. Avant la courte finale très sombre et planante de "Contact Made", "Cosmic Call Two", pour un 2ième contact qui devrait atteindre Cassiopeia en 2036, propose une dynamique figure de rythme lourd et vive qui s'appuie sur une base boum-boum-tchouk-tchouk techno. Impossible de rester les pieds au neutre ici!
Offert tant en CD-r ainsi qu'en format téléchargeable sur le site Bandcamp de SynGate, “
Messages” a plus de punch et d'offensive rythmique que dans Electron Utopia tout en conservant un beau dosage d'ambiances, qui est assez créatif par endroits, en égard des mystères inexpliqués de la nature des messages et des suites de ceux-ci. D'ailleurs, la jaquette est assez significative…Malgré cette vision cosmique, ce “Messages” de DASK est l'album idéal pour ceux qui se nourrissent des séquences libérées par des séquenceurs endiablés.
Sylvain Lupari (12/10/2017)

mardi 10 octobre 2017

CAUSTIC REVERIE: Here and Away (2017)

“Dark ambient music built upon layers of abstract confettis and effects of guitar delays, Here and Away is before everything for those who enjoy something more than the usual thing”
1 Night Trip 1:32
2 Ordered and Filed 6:48
3 Composition Book 1:50
4 Family Gathering 1:01
5 End Credits 1:10
6 Reconstruction 1 3:22
7 Reconstruction 2 6:51
8 Reconstruction 3 5:08
9 Reconstruction 4 3:11
10 Reconstruction 5 2:45
11 Reconstruction 6 3:38
12 Reconstruction 7 3:12
13 End Credits (Extended) 2:37

Caustic Reverie Music (DDL 40:31) ***½
(Dark ambient and experimental music)
Here, we are in the spheres of very dark ambient music with an experimental approach which flirts almost with an abstract music. Caustic Reverie, a name which says it all, is the project of Bryn Schurman, a sound engineer from Miami and a supporter of EM built on the effects of delays and reverberations as the kind of Robert Fripp and his Frippertronic. Inspired by cosmos and novelties about science fiction, he already has a novel in his portfolio, Bryn Schurman is a kind of artist who touches at everything. Musician, sound designer, radio man, writer, computer programmer and video player, he adores walking in the Keys in Florida and recording the noises of nature, of a city and of all the noises which drag in his everyday life. Offered only in download on the Bandcamp site of Caustic Reverie, “Here and Away” disposes of its 40 minutes in 2 chapters, more or less identical, of which the first part is the music is the soundtrack of a short film of the same name made by Abby Sirwatka in 2016.
Our ears welcome "Night Trip" and its long hollow breezes which are lulled by a nice poetic approach. "Ordered and Filed" follows with a ballet for idle layers which float among strange sibylline murmurs. Two lines of synth/guitar criss-cross their contrasting phases in a soft movement of floating vibes which is briefly disrupted by more shadowed winds at the gate of 4 minutes. The short "Composition Portfolio" espouses the same principle but with an incursion in a parallel universe while that "Family Gathering" lulls the whole thing with a more poetic approach. "End Credits" ends the music of Abby Sirwatka's movie with a more rhythmic approach fed by fascinating percussions which structure a kind of native trance. The layers of voice are superb here. This short segment of a dozens of minutes is rather attractive and promising. Except that the 2nd part of “Here and Away” is soberer and exploits a little more the universe of samplings and effects of reverberations in a less poetic approach, less animated by the visual suggestions of the American movie director. So "Reconstruction 1" begins this 2nd phase with more metallic flavored layers which melt between our ears by creating a feeling of emptiness around us. Some effects sweep the sonic horizons and pull the music, too short according to me, towards a finale without explanations. Cut in 7 very different parts but nevertheless connected by the same visions, the "Reconstruction" saga flows between our ears like 7 chapters of ambient music and elements which mix emotionalism and passivity at some different degrees. The color of the tones and the soundscapes are separated between good effects of reverberations and synth layers which cuddle depths rather colorful painted by very diversified samplings. The sibylline and psychotronic sides are elements that we remark a little bit better after more than one listening. And contrary to the addicting and delicious rhythm of "End Credits", "End Credits (Extended)" ends this 20th album from Caustic Reverie with a more ambient and especially more melodious approach. But all in all, Bryn Schurman's music is constantly evolving between two universes where fright is never too far from a strange paranormal sweetness. A fascinating album which will please the amateurs of a music built in the art to seduce eardrums with an approach clearly bore by a vision for the abstract art.

Sylvain Lupari (December 10th, 2017)
synth&sequences.com
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ici, nous sommes dans les sphères de la musique ambiante très sombre avec une approche expérimentale qui flirte avec une musique abstraite. Caustic Reverie, un nom qui veut tout dire, est le projet de Bryn Schurman, un ingénieur en sons de Miami et un adepte de la MÉ construite sur les effets de délais et de réverbérations du genre Robert Fripp et ses Frippertronic. Inspiré par le cosmos et les nouvelles de science-fiction, il a déjà un roman à sa fiche, Bryn Schurman est un genre de touche à tout. Musicien, sculpteur de sons, animateur de radio, écrivain, programmeur en électronique et joueur de jeu vidéo, il adore se promener dans les Keys en Floride et enregistrer les bruits extérieurs, de même que les bruits qui entourent le déroulement du quotidien. Offert seulement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Caustic Reverie, “Here and Away” dispose de ses 40 minutes en 2 chapitres, à peu près identiques, dont le premier est la musique du court métrage du même nom réalisé par Abby Sirwatka en 2016.
Nos oreilles accueillent "Night Trip" et sa longue brise caverneuse qui est bercée par une belle approche poétique. "Ordered and Filed" suit avec un ballet pour nappes oisives qui flottent parmi d'étranges murmures sibyllins. Deux lignes de synthé/guitare entrecroisent leurs phases contrastantes dans un tendre mouvement d'ambiances qui est brièvement perturbé par des vents plus ombragés vers les 4 minutes. Le court "Composition Book" épouse le même principe mais avec une incursion dans un univers parallèle alors que "Family Gathering" balance le tout avec une approche plus poétique. "End Credits" termine la musique du film d'Abby Sirwatka avec une approche plus rythmique nourrie par de fascinantes percussions qui structurent un genre de transe indigène. Les nappes de voix sont superbes ici. Ce court segment d'une douzaine de minutes est assez séduisant et plutôt prometteur. Sauf que la 2ième partie de “Here and Away” est plus sobre et exploite un peu plus l'univers des échantillonnages et des effets de réverbérations dans une approche moins poétique, moins animée par les suggestions visuelles de la réalisatrice américaine. Ainsi "Reconstruction 1" débute cette 2ième phase avec une nappe à saveur plus métallisée qui fond entre nos oreilles en créant un sentiment de vide autour de nous. Des effets balaient les horizons soniques et entraînent la musique, trop courte selon moi, vers une finale sans explication. Coupé en 7 parties bien distinctes mais néanmoins rattachées par les mêmes visions, la saga "Reconstruction" coule entre nos oreilles comme 7 chapitres de musique ambiante et d'ambiances qui entremêlent émotivité et passivité dans des degrés différents. La couleur des tons et les horizons soniques sont départagés entre de bons effets de réverbérations et des nappes de synthé qui cajolent des profondeurs plutôt bigarrées peintes d'échantillonnages très diversifiés. Les côtés sibyllin et psychotronique sont des éléments qui ressortent un peu mieux après plus d'une écoute. Et contrairement au rythme addictif et savoureux de "End Credits", "End Credits (Extended)" termine ce 20ième album de Caustic Reverie avec une approche plus ambiante et surtout plus mélodieuse. Mais l'un comme dans l'autre, la musique proposée ici par Bryn Schurman évolue constamment entre deux univers où l'effroi n’est jamais trop loin d'une étrange douceur paranormale. Un fascinant album qui plaira aux amateurs d'une musique construite dans l'art de séduire les tympans avec une approche nettement portée par les méandres de l'art abstrait.
Sylvain Lupari (10/10/2017)

dimanche 8 octobre 2017

GIVENS & PADILLA: Being of Light (2017)

“Exquisite music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors”
1 Clearing the Mind 13:09
2 Threads of Thought 14:34
3 A Contemplative State 30:30
4 Being of Light 10:20

Spotted Peccary ‎– SPM 9094 (CD/DDL 68:26) ****½
(Pacific Shool, Ambient Music)
Sound reflections dance in troubled waters while a heavy dark veil covers the static agitations of "Clearing the Mind"s introduction. Multiple chords turn and stroll there, like sonic verses which try to get out of a musical manuscript, entailing in a harmonious trail these sweet nightingale singings sculptured in synths as analog as digital. The whole thing releases a structure of embryonic rhythm of which the fluidity is flooded in an intense veil of immersive tones. And from the first moments on this 2nd collaboration Givens/Padilla, we notice the depth of this delicious pallet of sounds and among which the switching phases between electronic, electric and acoustic have made the delights of Life Flows Water. Discreet, the piano becomes more and more incisive, throwing a more dramatic shade to a phase which already goes in transit towards another one which is more poetic. Our ears are attracted to a well of sounds which spin like these dusts of prisms that a camera picks in a dainty swirl of dust and pollen by a radiant afternoon at springtime. Very lyrical, this second phase of "Clearing the Mind" spreads its charms and its synth beams which give a so tonal flavor and celestial than very esoteric to the music of the American duet. A movement of rhythm, always so silent as at the beginning, add a more intense depth to this dance of prism and to this embryonic melody of a piano always in mode evasive and melancholic. It's the piano, and its notes divided between the black and the white, which guides the lyrical dance of "Clearing the Mind" and who quietly drains its energy in a more ethereal finale.
Produced by the label
Spotted Peccary, “Being of Light” is proposed as a manufactured CD with a very beautiful digipack 4 panels artwork as well as in download of high quality on the Bandcamp site of the American label. And this 2nd collaboration between Howard Givens and Craig Padilla is in the same dimension as Life Flows Water with a music which oscillates wonderfully between rhythms for soft legs and ambient structures of a sound aestheticism rich in forms and in tonal colors. "Threads of Thought" follows with slow movements of scarlet colors anesthetic layers which rush towards our ears at the same speed as these gigantic ink stains from a majestic octopus which melt in the ocean. A delicious line of bass pulsations weaves a delicate rhythm to which is added a guitar and from which the persevering harmonies decrease the load of these layers which finally give a spectral touch to "Threads of Thought". The sequences limp and galvanize a structure of ambient rhythm and of which the sound duel between both surrounding areas of Givens/Padilla gives a dimension of organic life. "A Contemplative State" manages its 30 minutes with a meditative approach which depicts the depth of its title. It's very ambient with sometimes contrasted movements and interlacing of apathetic lines which melt themselves with very subdued points of harmonies and intensity which take shape in the gravity of tones. This is a long apathetic journey that we have to follow closely in order to differentiate these more celestial passages which escape from this rather esoteric landscape. The title-track is as much beautiful as "Threads of Thought", in fact the floating movements of the layers are drawn in the same elegance. There is a very beautifully morphic melody forged on a superb circular movement of the sequencer to which is added a poignant line of bass. The whole approach coupled to the endorphin layers of Craig Padilla, and I am not far from the shivers that I had with the wonderful Until We Meet the Sky from Solar Fields. A very strong title and a jewel of emotionalism my friends which concludes a splendid album from the duet Givens/Padilla. Yes, the ambient music and the music of ambiences can be very beautiful!

Sylvain Lupari (October 8th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Spotted Peccary Bandcamp webshop here
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des reflets soniques dansent en eaux troubles alors qu'un lourd voile obscur recouvre les agitations statiques de l'introduction de "Clearing the Mind". De multiples accords y tournaient et flânent comme des vers soniques qui tentent de sortir d'un manuscrit, entraînant dans un sillage harmonique ces fins chants de rossignol sculptés dans des synthés autant analogiques que digitaux. Le tout dégage une structure de rythme embryonnaire dont la fluidité est noyée dans un intense voile de tons immersifs. Et dès les premiers instants de cette 2ième collaboration Givens/Padilla, on remarque la profondeur de cette délicieuse palette de sons et dont les mutations entre l'électronique, l'électrique et l'acoustique avaient fait les délices de Life Flows Water. Discret, le piano devient de plus en plus incisif, jetant une ombre plus dramatique à une phase qui transite déjà vers une autre qui est plus poétique. Nos oreilles sont attirées vers un puits de sons qui virevoltent comme ces poussières de prismes qu'une caméra cueille dans un léger tourbillon de poussières et de pollen par un radieux après-midi de printemps. Très lyrique, cette seconde phase de "Clearing the Mind" étend ses charmes et ses rayons de synthétiseurs qui donnent une saveur tonale aussi céleste que très ésotérique à la musique du duo américain. Un mouvement de rythme, toujours aussi muet qu'au début, ajoute une profondeur plus intense à une danse de prisme et à une mélodie embryonnaire d'un piano toujours en mode évasif et mélancolique. C'est le piano, et ses accords dédoublés entre le noir et le blanc, qui guide la danse lyrique de "Clearing the Mind" et qui tranquillement épuise ses réserves dans une finale plus éthérée.
Produit par le label Spotted Peccary, “Being of Light” est proposé en CD manufacturé avec une très belle jaquette en format digipack ainsi qu'en téléchargement de haute qualité sur le site Bandcamp du label américain. Et cette 2ième collaboration Howard Givens et Craig Padilla est dans la même dimension que Life Flows Water avec une musique qui oscille merveilleusement entre rythmes pour jambes molles et structures ambiantes d'un esthétisme sonore riche en formes et en couleurs tonales. "Threads of Thought" suit avec de lents mouvements de nappes anesthésiantes, aux couleurs écarlates, qui foncent vers nos oreilles à la même vitesse que ces gigantesques taches d'encre d'une majestueuse pieuvre qui fondent dans l'océan. Une délicieuse ligne de basses pulsations tisse un rythme délicat auquel s'ajoute une guitare et dont les harmonies persévérantes diminuent la charge de ces nappes qui finalement donnent une touche spectrale à "Threads of Thought". Des séquences clopinent et galvanisent une structure de rythme ambiant et dont le duel sonique entre les deux approches de Givens et Padilla donne une dimension de vie organique. "A Contemplative State" gère ses 30 minutes avec une approche méditative qui dépeint la profondeur de son titre. C'est très ambiant avec des mouvements parfois contrastés et des entrelacements de lignes atones qui se fondent avec des pointes d'harmonies, très effacées, et d'intensité qui prennent forme dans la gravité des tons. C'est un long voyage atone qu'il faut traverser afin de différencier ces passages plus célestes qui s'échappent de ce paysage assez ésotérique. La pièce-titre est aussi belle que "Threads of Thought", en fait les mouvements flottants des nappes y sont puisés dans la même élégance, avec une très belle mélodie morphique forgée sur un superbe mouvement circulaire du séquenceur auquel s'ajoute une poignante ligne de basse. Le tout jumelé aux nappes endormitoires de Craig Padilla et ne suis pas loin des frissons que j'ai eu dans le superbe Until We Meet The Sky de Solar Fields. Un titre très fort et un joyau d'émotivité mes amis qui conclut un splendide album du duo Givens/Padilla. Oui, la musique ambiante et d'ambiances peut être très belle!
Sylvain Lupari (08/10/2017)

vendredi 6 octobre 2017

JUTA TAKAHASHI: Albion

“Albion is a little sound treasury intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones”
1 Silver Waves 13:52
2 Frozen Day 13:18
3 Shining Valley 14:56
4 Maeve 13:58
5 Summits 16:28

Lunisolar Records ‎– LR014 (CD 73:02) ****½
(Ambient music)
It's been a while since I heard new music from the Japanese Steve Roach, Juta Takahashi. The last album was The Door into Winter in 2015 which was a remaster of an album initially made in 2007. In fact, we need to go back as far as 2013 to hear the last original meditative mass of the mixed-tones line sculptor from Japan with the splendid album Angel of which we can hear sonic dust here and there on this last album of his. “Albion” is Juta's 11th album and honestly I do not know what Juta did during this period, but I suspect that he studied his music to give it a new more melodious orientation. His music is always thought in order to make float sound arcs and translucent reverberations which are filled of drones sometimes hungry and sometimes more nuanced. A rather shady ambient music which seems to wake up to the joy of the meditative melodies.
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Silver Waves" rings like some good old Juta Takahashi with a heap of floating interlacing waves which drift with peaks of emotionalism and anesthetic breezes more shadowy. The crossbreeding of both poles sculptures a sound horizon closer to cosmos with effects which sparkle as the singing of stars in an intersidereal space embellished of images well shaped by the analog tone from the synths of the Japanese master of esoteric vibes. The melodious term is very subjective in the universe of ambient music. The well advised ears are very capable of catching these melodious waves in the grasps of two tones, while absent-minded ears miss this delicate meeting point. It's more convincing in the very beautiful "Frozen Day" and its notes of a piano which losts its feeling of solitude through the rangy waves of synth and its colors tinted with a suspicion of ether and with powder of metal. Layers of voices, as some passive drones, enclose these note which moan in a slow whirlwind of sinusoidal waves which oscillate constantly between two universes. There is some Steve Roach in there and one listens to this piece of music marvelously with Structures from Silence. A very solid title of Juta Takahashi which makes rise recollections of his very beautiful album Angel, made in 2012.
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Shining Valley" is a very dark title sculptured around resonating drones which also sing in a platonic way with the sound arcs a little more floodlit. Arcs which get rid of their circular forms to follow the walls of nothingness with of beautiful transitory floating movement. These songs, rather of a spectral kind, illuminate the rather low and very shaded sound ceiling. I have this delicious impression to drift in the cosmos with songs of intersidereal whales which try to lull my innocence. There are flavors of Vangelis, period Blade Runner, which ooze throughout my cosmic odyssey. Intense and very enveloping! If I do not make a mistake, "Maeve" is the most beautiful title of Juta Takahashi's repertoire. A magnificent melody, delicately put down by a piano in a minimalist mode, deploys its embrace with a series of juvenile ritornellos which twirl such as astral ballerinas on a carpet of cosmic mists and prisms. The reverberating effects of the synth waves become as honeyed as this virgin melody which haunts our ears, always full of mist, well beyond this last time that I listened to it. Splendid candy for the ears my friends! The atmospheres of "Summits" and the structures of its sound arcs depict marvelously the sense of its title. It's a long and a hefty ambient movement sculptured in the emotionalism with heavy drones which are like these moments when the air is lacking in our lungs. I have no difficulty in imagining myself to be on summits with winds without oxygen to contemplate a gigantic panorama where a piano tries to breathe by a melody scattered in this ballet of drones and waves with contrasting colors and emotions.
Albion” is a little jewel intended for the music lovers of meditative ambiences who like when a harmonious approach hides in these high walls of intensive drones. Juta Takahashi goes beyond his very beautiful album Angel with a touch which freed itself from the dark model sieved by a strong nostalgia. If the melancholic side is always present in the music of the Japanese synth wizard, there is now a smile of drawn above and of which the borders even brush a more accessible musicality up to here absent in his repertoire. A wonderful album which lulls my preludes to sleep since about ten days.Sylvain Lupari (October 6th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on CD Baby and on Juta's own label
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Ça faisait un bail que je n'avais pas entendu la musique du Steve Roach japonais, Juta Takahashi. Le dernier album en liste fut The Door into Winter en 2015 qui était un remaster d'un album initialement paru en 2007. En fait il faut remonter jusqu'en 2013 pour entendre la dernière messe méditative originale du sculpteur d'ondes métissées du Japon. “Albion” est son 11ième album et honnêtement je ne sais pas ce que Juta Takahashi a fait durant cette période, mais je soupçonne qu'il s'est penché sur sa musique afin de lui donner une nouvelle orientation plus mélodieuse. Sa musique est toujours pensée afin de faire flotter des arcs sonores et des réverbérations translucides qui sont bourrées de bourdonnements tantôt faméliques et tantôt plus nuancés. Une musique d'ambiances plutôt ombrageuses qui semble s'éveiller aux joies des mélodies méditatives.
"Silver Waves" sonne comme du bon vieux Juta Takahashi avec un amas d'entrelacements d'ondes flottantes qui dérivent avec des pointes d'émotivité et des brises anesthésiantes plus ombrageuses. L'embranchement des deux pôles sculpte un horizon sonore plus près du cosmos avec des effets qui scintillent comme le chant des étoiles dans un vide intersidéral bien imagé par la tonalité analogue des synthés du maître japonais des ambiances ésotériques. Le terme mélodieux est bien subjectif dans l'univers de la musique ambiante. Les oreilles avisées sont bien capables de capter ces ondes mélodieuses au travers les enlacements de deux tonalités, alors que des oreilles distraites manquent ce délicat point de rencontre. C'est plus probant dans le très beau "Frozen Day" et ses notes d'un piano qui égare son sentiment de solitude au travers les longilignes ondes de synthé aux barioles teintées d'un soupçon d'éther et de poudre de métal. Des nappes de voix, comme des bourdonnements passifs, enserrent ces notes qui gémissent dans un lent tourbillon d'ondes sinusoïdales qui oscillent constamment entre deux univers. Il y a du Steve Roach là-dedans et ça s'écoute à merveille avec Structures from Silence. Un très grand titre de Juta Takahashi qui fait monter des réminiscences de son très bel album Angel, paru en 2012.
"Shining Valley" est un titre très sombre sculpté autour de drones dont les résonnances chantent de façon platonique avec des arches sonores un peu plus illuminés. Des arches qui se défont de leurs formes circulaires afin de longer les murs du néant avec de beaux mouvement transitoires flottant. Ces chants, plutôt d'un genre spectral, illuminent le plafond sonore assez bas et très ombragé. J'ai cette délicieuse impression de dériver dans le cosmos avec des chants de baleines intersidérales qui tentent de bercer mon innocence. Il y a des parfums de Vangelis, période Blade Runner, qui suintent tout au long de mon odyssée cosmique. Intense et très enveloppant! Si je ne me trompe pas, "Maeve" est le plus beau titre du répertoire de Juta Takahashi. Une splendide mélodie, délicatement déposée par un piano en mode minimaliste, étend son emprise avec une série de ritournelles juvéniles qui tournoient comme des ballerines astrales sur un tapis de brumes et de prismes cosmiques. Les effets réverbérant des ondes de synthé deviennent aussi doucereux que cette mélodie virginale qui hante nos oreilles, toujours pleines de brume, bien au-delà de cette dernière fois que je l'ai écouté. Du splendide bonbon mes amis! Les ambiances de "Summits" et les structures de ses arches sonores dépeignent à merveille le sens de son titre. C'est un long, et lourd, mouvement d'ambiances sculpté dans l'émotivité avec des drones pesants qui sont comme ces moments où l'air manque à nos poumons. Je n'ai aucune difficulté à m'imaginer être sur des sommets uniques avec des vents sans oxygène à contempler un panorama gigantesque où un piano tente de respirer par une mélodie éparpillée dans ce ballet de drones et d'ondes aux couleurs et aux émotions contrastantes.
Albion” est un petit bijou destiné aux amateurs de musique d'ambiances méditatives qui aiment lorsqu'une approche harmonieuse se tapit dans ces murailles de bourdonnements intensifs. Juta Takahashi va au-delà de son très bel album Angel avec une touche qui s'affranchie du modèle sombre et tamisé par une forte nostalgie. Si le côté mélancolique est toujours imprégné dans la musique du Japonais, il y a maintenant un sourire de dessiné dessus et dont les frontières effleurent même une musicalité plus accessible jusque-là absente de son répertoire. Un splendide album qui berce mes nuits depuis une dizaine de jours.

Sylvain Lupari 06/10/2017