vendredi 23 juin 2017

ARGH: Get it Right (2017)

“A musical project of Glenn Main, Get it Right aims a new audience for AD Music with a totally in the style of retro synth-pop”
1 Homemade Wings 3:42
2 Night of the Living Synth 4:29
3 Get it Right 3:51
4 Dream a Dream 3:23
5 No Romance 4:09
6 Run Away 4:29
7 Too Late to Say Goodbye 3:45
8 Superwish 3:33
9 Wonderful Life 4:46

AD Music ‎– Argh2017r (CD/DDL 36:05)
(Retro Synth-Pop)
I'm asking myself the same question quite often. Should I speak about it? Do I have to write about this 2nd album of the Norwegian band ARGH. Does it have its place in this vast library of EM that became Synth&Sequences? And then I said myself; why not? By respect for my readers and by respect to the AD Music label which aims at diversifying, in a wider range, the styles of its catalog, I told myself that to speak about it, if only just a little, can guide my readers towards a more sensible choice. And why this preamble? Because “Get it Right” from ARGH, standing for the initials of Andreas Ronbeck and Glenn Henrikson, is very far from this EM which livens up the debates here and which fires the curiosity of the aficionados of the Berlin School style and of all its derivatives. We are dealing here with an album of Synth-Pop, or Future Pop that depends of, with a singer and one or two keyboard players who are apparently inspired by the Depeche Mode model or by the Norwegian pop music band A-ha. And I imagine that the fact that Glenn Main Henriksen is behind this project helped this band so that it joins the ranks of the prestigious English label and thus to get more visibility.
Who says Glenn Main, who says
AD Music says quality! At this level, “Get it Right” won't have no difficulty to charm the fans of the kind. But is not Depeche Mode who wants! The music of ARGH, to say the least here, oscillates closer to the roots of romantic Synth-Pop and the bubblegum pink of the golden years of the kind and of MTV. The rhythms are little wild and the percussive effects are clearly less furious than in the structures of DM. I would go more to the kind Human League, especially when the voice of Iselin Main, Glenn Main's daughter, teams up with Andreas Ronbeck on vocals on titles as "No Romance" and the nice ballad "Run Away", of Howard Jones, Simple Minds or still Bryan Ferry in solo, in particular in "Wonderful Life", to describe better the 9 titles which lengthen hardly the 37 minutes of this album. There are good moments, like the very catchy "Night of the Living Synth", and many danceable titles which are built around dance beats like on David Bowie's Let's Dance if you want more reference tools. The approach remains very retro with rhythmic structures supported by beat-box percussions and very pastiches effects of the golden years of Synth-Pop. It's moreover one of weaknesses of this album. By offering a “Get it Right” more than seducing to the fans of the kind, the Norwegian duet (or trio?) forgets largely the innovative aspect. The sounds, the tones and the arrangements are in the heart of the 80's. It's agreeable, but more than 35 years later the kind has fairly evolved. Unless ARGH aims at the nostalgic. If it's the case, they aimed quite right! In brief; well-done Synth-Pop with tones of yesterday played with instruments of today. And it seems that the band is very good in concert with a highly inspired Glenn Main, who is quite a showman and who is surrounded by his daughter and son Nicko on keyboards.

Sylvain Lupari (June 22nd, 2017)
You will find this album on the AD Music web shop here

Je me suis posé la question assez souvent. Devrais-je en parler? Est-ce qu'une chronique à propos de ce 2ième album du groupe Norvégien ARGH avait sa place dans la bibliothèque de MÉ qu'est devenu Synth&Sequences? Et puis je me suis dit; pourquoi pas? Par respect pour mes lecteurs et par respect le label AD Music qui vise à diversifier dans un plus large éventail les styles de son catalogue, je me suis dit qu'en parler, ne serait-ce qu'un petit peu, peut guider mes lecteurs vers un choix plus judicieux. Et pourquoi ce préambule? Parce que “Get it Right” de ARGH, pour les initiales de Andreas Ronbeck et Glenn Henrikson, est très loin de la MÉ qui anime les débats ici et qui enflamme la curiosité des amateurs du genre Berlin School et de tous ses dérivés. Nous avons affaire ici à un album de Synth-Pop, ou de Future Pop c'est selon, avec chanteur et claviéristes qui sont visiblement inspiré du modèle Depeche Mode ou du groupe de musique Pop Norvégien A-ha. Et j'imagine que le fait que Glenn Main Henriksen soit derrière ce projet a donné un coup de pouce à ce groupe pour qu'il rejoigne l'écurie du prestigieux label Anglais et ainsi obtenir plus de visibilité.
Qui dit Glenn Main, qui dit AD Music dit qualité! À ce niveau, “Get it Right” n'aura aucune difficulté à séduire les fans du genre. Mais n'est pas Depeche Mode qui veut! La musique de ARGH, à tout le moins ici, oscille plus près des racines du Synth-Pop romantique et rose-bonbon des années d'or du genre et de MTV. Les rythmes sont peu sauvages et les effets percussifs sont nettement moins endiablés que dans les structures de DM. J'irais plus dans le genre Human League, surtout lorsque la voix de Iselin Main, fille de Glenn Main, qui appuie le chanteur Andreas Ronbeck dans des titres comme "No Romance" et la belle ballade "Run Away", de Howard Jones, Simple Minds ou encore Bryan Ferry en solo, notamment dans "Wonderful Life", afin de mieux décrire les 9 titres qui allongent à peine les 37 minutes de cet album. Il y a de bons moments, comme "Night of the Living Synth", et beaucoup de titres dansables construits autour d'un Let's dance de David Bowie comme meilleur outil de référence. L'approche reste très rétro avec structures rythmiques soutenus par des percussions en boîtes et des effets très pastiches des années d'or de la Synth-Pop. C'est d'ailleurs une des faiblesses de cet album. En offrant un “Get it Right”, qui est tout de même assez séduisant, aux amateurs du genre, le duo Norvégien oublie grandement l'aspect innovateur. Les sons, les tons et les arrangements se situent dans la catégorie des années 80. C'est agréable, mais plus de 35 ans plus tard le genre a passablement évolué. À moins que ARGH vise les nostalgiques. Si c'est le cas, on peut dire mission accomplie. Bref; du Synth-Pop bien fait avec des tonalités d'hier rendues avec des instruments d'aujourd’hui. Et il paraît que le groupe offre tout un spectacle avec un Glenn Main inspiré qui est entouré de sa fille et son fils Nicko. Donc avis aux intéressés.

Sylvain Lupari (22 Juin 2017)

mercredi 21 juin 2017

ANDY PICKFORD: Vanguard III (2017)

“Vanguard III is a logical end of the first two chapters which have so superbly charmed us”

Free all Angels 6:06
Ritual (Electro Mix) 7:19
Could You Cry 5:07
Rise 6:58
Schadenfreude 5:53
Ahnenerbe 15:45
Transit 6:03
Elektra 5:57
Ascendance 5:47
Wished 6:24

AD Music ‎| AD177 (CD/DDL 71:22) ***¾
(E-Rock, EDM & Orchestral Cinematographic EM)
To be a fan of Andy Pickford can turn out destabilizing! I am not a fan from the very beginning, but I learnt to know the artist and to like his music since the adventure of Spank the Dark Monkey and Binar in the early 2000's. And after an absence of about 10 years, he made a strong comeback with the Vanguard trilogy begun in 2015 on the AD Music label. Since then, he widely compensated these years far from the scene of EM with not less than 10 albums in 2 years. And each of those album hides traps of seduction, otherwise of addiction. That takes some doing! Destabilizing because AP touches everything with the fervor and a rage to put his fans on a foot of alert by jumping from a style to another with as much ease as grace. In so doing, each album becomes an opened door towards a wonderful world of sounds, of rhythms and of ambience which are as well attractive as puzzling, like in this “Vanguard III”.
The adventure begins with a horn of plenty which let drops its sound prisms from the heavens, so pouring a delicate ethereal approach where ring a beautiful variety of celestial bells. "
Free all Angels" leans from now on a purely electronic rhythm which is transformed into a good rock. The bass is throbbing and its humming sometimes gets lost in full resounding layers of which the hoarse radiances try to forge fine stroboscopic circles. The percussions are in the tone and the synths decorate a sibylline beautification with pearled harmonies and layers of absent voices, which murmur in the background of this decoration, and arrangements of trumpets which give a festive air to this liberation of the angels. The tone is given for an album where every title abounds in soundscapes which feeds completely the voracity of our ears. In 2012, Andy Pickford realized a series of 6 E.P. among which EP#04: Ritual. It's from this E.P. that is taken the very Electronica "Ritual (Electro music Mix)". A mixture between Techno and Trance Goa, the music is lively and jerky like in these electronic parties where we turn around beneath wild stroboscopic effects. Besides all his talents, AP sings! Like here with the slow dance beat which is "Could You Cry". The music flows behind a wide curtain of mist, so giving this tint to the voice of AP. The tempo is hyper slow and the arrangements influence an approach of a love song where cry superb synth solos. Lise loves it and I have to admit that it passes well enough. We stay in the field of ballad with "Rise" and its circular movement which increases its intensity gradually in order to explode in another good electronic rock. That becomes rather intense and the voice of a Berber woman adds a touch of exoticism to a strong title which will turn pale on the other hand in front of the well of intensity that is the powerful "Ahnenerbe". After a very glamorous electronic rock in "Schadenfreude", another title with an evolution controlled by an emotionalism amplified by diverse arrangements and especially by the presence of a good synth / guitar with striking harmonious soloes, "Ahnenerbe" nails us in our armchair. Very filmic, the music streams like a thousand of lapping which sparkle and sing as these circles which extend by the grace of a finger over the peaceful surface of a lake. Timid, the intensity of the circles increases its emotional and dramatic value with heavy percussions and orchestral arrangements, in particular this angelic choir, which give the shivers that our soul needs to confirm our thirst of life. It's powerfully dramatic and we search everywhere so that our ears swallows all of this sound scenario which ends up like a storm on the ice floes of time. The voices of the NASA and the electronic chirpings reminds us that with Andy Pickford, we can expect everything!
Even in this mosaic of styles,
AP manages to weave thin links which unite the 10 titles and some 71 minutes of “Vanguard III”. The electronic chirpings go beyond the borders of "Ahnenerbe" and throw themselves into the static movement of "Transit" where riffs, orchestrations of the Dance Music years and effects get torn between a rock and a good EDM. The density and the sound fauna is abundant here as everywhere in “Vanguard III”. And this is true, no matter the styles. The weeping violin of "Elektra" reminds it to us with a beautiful ballad, sometimes light and sometimes intense, which supports very well the harmonious voice of an Elves woman. Still here, there is a cinematographic link to be weaved with rhythmic impulses which fly away like a knight leaving his lady-love just before the end credits of a movie. "Ancestry" is a title with dominant moods. Still here, the effects of goddesses voices caress melancholic chords where a delicate stroboscopic thread gets worn out. Catchy and filled by tenderness! "Wished" ends this last part of the Vanguard trilogy like the music of a pompous movie. The effects of orchestrations are as much poignant as very varied and the title progresses in strength with sequences which flash hard and around these felted percussions which are synonyms of Electronica's psybeats but which it not totally that. A very good title which will give you the same effect as "Ahnenerbe" and which closes a logical conclusion to the 2 first ones Vanguard where Andy Pickford has fun to fill our ears of delights. I heard that a new album, of the kind of Harmonics in the Silence and Shadow at the Gate is at our doors… Yummy Yummy…

Sylvain Lupari (June 20th, 2017)
You will find this album on the AD Music web shop here

Être un fan d'Andy Pickford peut s'avérer déstabilisant! Je ne suis pas un fan de la première heure, mais j'ai appris à connaître et aimer sa musique depuis l'aventure Spank the Dark Monkey et Binar au début des années 2000. Et après une absence de près de 10 ans, il revenait en force avec la trilogie Vanguard amorcée sur le label AD Music en 2015. Depuis, il a largement compensé ces années loin de la scène EM avec pas moins de 10 albums en 2 ans. Et chacun de ces albums cache des pièges de séduction, sinon d'addiction. Faut le faire! Déstabilisant parce qu'AP touche à tout avec la ferveur et la rage de mettre ses fans sur un pied d'alerte en sautant d'un style à l'autre avec autant de facilité que de grâce. Ce faisant, chaque album devient une porte ouverte vers un merveilleux monde de sons, de rythmes et d'ambiances qui sont aussi séduisants que déroutants, comme ce “Vanguard III”.
L'aventure débute par une corne d'abondance qui échappe ses prismes sonores des cieux, coulant ainsi une délicate approche éthérée où tintent une belle variété de clochettes célestes. "Free all Angels" s'appuie dès lors sur un rythme purement électronique qui se transforme en un bon rock. La basse est ronflante et ses vrombissements se perdent parfois dans des nappes pleines dont les radiations éraillées tentent de forger des cercles stroboscopiques. Les percussions sont dans le ton et les synthés ornent un décor sibyllin avec des harmonies perlées et des nappes de voix absentes, qui murmurent dans le fond de ce décor, et des arrangements avec des trompettes qui donnent un air de fête à cette libération des anges. Le ton est donné pour un album où chaque titre regorge d'un panorama sonique qui régale à fond la gourmandise de nos oreilles. En 2012, Andy Pickford réalisa une série de 6 E.P. dont EP#04: Ritual. C'est de cet E.P. qu'est soutiré le très Électronica "Ritual (Electro Mix)". Un mélange entre le Techno et le Trance Goa, la musique est vive et saccadée comme dans ces fêtes électroniques où l'on tourne sous des effets stroboscopiques. En plus de tous ses talents, AP Chante! Comme ici avec les slow-tempo qu'est "Could You Cry". La musique coule derrière un large rideau de brume, donnant ainsi cette teinte à la voix d'AP. Le tempo est hyper lent et les arrangements influencent une approche de chanson d'amour où pleurent de splendides solos de synthé. Lise adore et je dois admettre que ça passe assez bien. On reste dans le domaine de la ballade avec "Rise" et son mouvement circulaire qui augmente son intensité graduellement pour exploser dans un autre bon rock électronique. Ça devient assez intense et la voix d'une femme berbère ajoute un touche d'exotisme à un solide titre qui pâlira par contre devant le puits d'intensité qu'est le puissant "Ahnenerbe". Après un rock électronique très glamour en "Schadenfreude", un autre titre à évolution contrôlée par une émotivité amplifiée par divers arrangements et surtout la présence d'un bon synthé/guitare avec des solos harmoniques criants, "Ahnenerbe" nous enfonce dans notre fauteuil. Très cinématographique, la musique ruissèle comme des milliers de clapotis qui scintillent et chantent comme ces cercles qui s'étendent par la grâce d'un doigt sur une paisible surface d'un lac. Timide, l'intensité des cercles accroit sa valeur émotive et dramatique avec de lourdes percussions et des arrangements orchestraux, notamment cette chorale angélique, qui donnent les frissons que notre âme a besoin afin de valider notre soif de vie. C'est puissamment dramatique et on fouille partout afin que nos oreilles gobent tout de ce scénario sonique qui se termine comme une tempête échoue sur les banquises du temps. Les voix de la NASA et les bipbips électroniques nous rappelle qu'avec Andy Pickford, on peut s'attendre à tout!
Même dans cette mosaïque de styles, AP réussit à tisser de minces liens qui unissent les 10 titres et les quelques 71 minutes de “Vanguard III”. Les bipbips électroniques dépassent les frontières de "Ahnenerbe" pour se jeter dans le mouvement statique de "Transit" où les riffs, les orchestrations des années de la Dance Music et les effets se déchirent entre un rock et une musique de danse électronique. Mais peu importe! La densité et la faune sonore est foisonnante ici comme partout dans “Vanguard III”. Et ce, peu importe les styles. Le violon pleureur de "Elektra" nous le rappelle avec une belle ballade, tantôt légère et tantôt intense, qui supporte très bien une harmonieuse voix Elfique. Encore ici, il y a un lien cinématographique à tisser avec des impulsions rythmiques qui s'envolent comme un chevalier quittant sa dulcinée juste avant le générique de la fin. "Ascendance" est un titre avec des ambiances dominantes. Encore ici, les effets de voix de déesses caressent des accords mélancoliques où s'érode un délicat fil stroboscopique. "Wished" termine “Vanguard III” comme la musique d'un film pompeux. Les effets d'orchestrations sont aussi poignants que variés et le titre progresse en puissance avec des séquences qui clignotent avec ardeur et autour de ces percussions feutrées synonymes d'Électronica mais qui ne le sont pas toujours. Un très bon titre qui vous donnera le même effet que "Ahnenerbe" et qui clôture une suite logique aux 2 premiers Vanguard où Andy Pickford s'amuse en nous en mettre plein les oreilles. Paraitrait qu'un nouvel album, du genre de Harmonics in the Silence et Shadow at the Gate, est à nos portes…Miam Miam…
Sylvain Lupari (20/06/2017)

lundi 19 juin 2017

VANDERSON: Beyond Time Structure (2017)

“Here, Vanderson left the comfort zones of ambient Berlin School and purposes a trip to the lands of Boom-Boom, Doo-Doo and Tsitt-Tsitt wild and voracious”
1 Children of Andromeda 11:08
2 Outer Space 8:05
3 Reality 7:19
4 Underwater World 13:46
5 Invisible Contact 8:03
6 Sense 6:34
7 Time Travellers 9:01

MellowJet Records ‎| cdr-va1701 (CD/DDL 64:11) ***½
(EDM, IDM & Techno)
A cosmic wave rises from the East. Chirping of birds welcome this cosmic layer filled of comfort and serenity. Quite smoothly, "Children of Andromeda" begins like these small moments of tenderness which overflowed from the horns of plenty in the time of New Age. A superb movement of serenity where even flows these small swash of sequences … But there you have it! Since Vandisphere, Vanderson has undertook a Dance, a Techno and even a Trance bend. And if we had forgotten it, it's with tact that Maciej Wierzchowski reminds it to us because "Children of Andromeda" goes from ambient melodic to a very Berliner movement of the sequencer which is chewed and, eventually disemboweled by flickering sequences sucking of ambiences and by percussions in Techno mode. The movement transits then from Techno to Ambient House with short ambiospherical phases where the sequences flit around like keys without direction in a rhythmic which is always reborn of its ashes. "Children of Andromeda" is the warning shot of an album which aims to be merciless for the fans of Berlin School who savored the first opuses of the Polish synthesist. Except that we have to throw an ear behind these furious rhythms, because beyond all Vanderson tempts an union between those kinds which feed the Electronica and a Berlin School which hangs on here due to the sequencer and the ambiences.
Which is not completely the case of "
Outer Space" and its very Ambient House introduction with a touch of the 80's (Frankie Goes to Hollywood) and a very Underworld approach. Slow but filled of a ambiospherical heaviness, this rhythm is encircled by a line of stroboscopic sequences and decorated with a really catchy melody which is thrown by a synth more creative than lobotomized. The 2nd part is more lively, more energetic with thin lines of epileptic sequences which show more quickness. "Reality" is my first crush in “Beyond Time Structure”! After an introduction in the kind of sci-fi, the sequences fly lightly with hesitation before forming a slow and heavy aerial rhythm, as I like them, decorated with small jolts and with these small hoops which collide and form a line of jerky sequences. The percussions get fit to the beat and the union between them and the sequencer creates a light movement of gallop that a synth decorates of nice electronic syllables, as those in "Outer Space". Delicious from start to end which livens up with more liveliness. "Underwater World" is in the very Dance style. The intro is always imagined with electronic tones which evaporate in a phase of atmospheres. The lines of sequences are held in suspension, like these spatial squadrons which wait and flutter before diving towards an intergalactic war. They wait for a line of bass which gallop slowly and percussions which hammer a static rhythm with elastic doom-doom. This introductory spiral dives towards a steadier structure and wrapped with an approach of electronic effects which flirt a little with the model psybient. The more "Underwater World" moves forward and the more we feel this attraction towards a Goa Trance a la Jarre, Électronica era, with chords which spin in a circular and jolting approach. A little less long and that would have been better! Like with "Invisible Contact" which is slower and which is decorated with good solos which flee from the movements of acrobatic spirals. "Sensible" is in the kind of thing that I like, either a good slow beat with nice harmonies whistled as a walker admiring the landscapes. Certainly, there are Techno and dance effects as well as with robotics percussions and stroboscopic strands....but that remains a music of electronic dance (EDM) and that passes better in this little less wild approach. "Time Travellers" is the least energetic title of “Beyond Time Structure”! It always stays in the kind EDM, but with a slowness which places it between an E-rock and an EDM in an electronic decoration always so cosmic … as electronic.
Beyond Time Structure” proposes a new opus of Vanderson which isn't anymore, to say the least at this moment and in this album, the Vanderson that I discovered with Visions in 2011. But one has to evolve! No? And on the MellowJet label, and with the complicity of Bernd Scholl, Vanderson's EDM approach is deliciously well structured, mixed and mastered with highlight by all the knowledge of the MellowJet Records' own boss who adores working on these links between the EDM and the electronic rock side of the Berlin School. It took me some listenings, but I finally succumbed to the charms of some titles. And “Beyond Time Structure” deserves definitely to be in this mass of great diversity of the German label MellowJet Records. Me! Well, I think I did evolve over the past years…

Sylvain Lupari (June 18th, 2017)
You will find this album on the MellowJet Records shop here

Une onde cosmique s'élève de l'Est. Des pépiements d'oiseaux accueillent cette nappe cosmique remplie de confort et de sérénité. Tout en douceur, "Children of Andromeda" débute comme ces petits moments de tendresse qui débordaient des cornes d'abondance du temps du New Age. Un splendide mouvement de sérénité où ruissèle même ces petits clapotis de séquences…Mais voilà! Depuis Vandisphere Vanderson a entrepris un virage Dance, Techno et même Trance. Et si on l'avait oublié, c'est avec doigté que Maciej Wierzchowski nous le rappelle car "Children of Andromeda" transite de l'ambiant mélodique à un mouvement très Berliner du séquenceur qui se fait mastiquer et, éventuellement, éventrer par des séquences papillonnantes et suceuses d'ambiances et des percussions en mode Techno. Le mouvement transite alors de Techno à Ambient House avec de courtes phases ambiosphériques où les séquences volètent comme des ions sans direction dans une rythmique qui renaît toujours de ses cendres. "Children of Andromeda" est le coup de semonce d'un album qui se veut sans pitié pour les amateurs de Berlin School qui ont dégusté les premiers opus du synthésiste Polonais. Sauf qu'il faut jeter une oreille derrière ces rythmes endiablés, car au-delà de tout Vanderson tente une union entre ces genres qui nourrissent l'Électronica pur et dur et le Berlin School qui s'enracine de par le séquenceur et les ambiances.
Ce qui n'est pas tout à fait le cas de "Outer Space" et de son introduction très Ambient House avec une touche des années 80 (Frankie Goes to Hollywood) et une approche très Underworld. Lent mais plombé d'une lourdeur ambiosphérique, ce rythme est ceinturé d'une ligne de séquences stroboscopiques et orné d'une mélodie vraiment accrochante qui est lancée par un synthé plus créatif que lobotomisé. La 2ième partie est plus enlevante, plus énergique avec des filets de séquences épileptiques qui affichent plus de vélocité. "Reality" est mon premier coup de cœur dans “Beyond Time Structure”! Après une introduction dans le genre sci-fi, des séquences volètent avec hésitation avant de former un rythme aérien lent et lourd, comme je les aime, orné de petites secousses et de ces petits cerceaux qui s'entrechoquent et forment une ligne de séquences saccadées. Les percussions s'ajustent et l'union entre elles et le séquenceur crée un léger mouvement de galop qu'un synthé décore de belles syllabes électroniques comme celles dans "Outer Space". Savoureux du début à une fin qui s'anime avec plus de vivacité. "Underwater World" est dans le genre très Dance. L'intro est toujours imaginée avec des tonalités électroniques qui s’évaporent dans une phase d'ambiances. Des lignes de séquences se tiennent en suspension, comme ces escadrilles spatiales qui font du surplace et volètent avant de plonger vers une guerre intergalactique. Elles attendent une ligne de basse qui galopent doucement et des percussions qui martèlent un rythme statique avec des doom doom caoutchouteux. Cette spirale introductive plonge vers une structure plus soutenue et enrobée d'une approche d'effets électroniques qui flirtent un peu avec le modèle psybient. Plus "Underwater World" avance et plus on sent cette attirance vers un Goa Trance à la Jarre, période Électronica, avec des accords qui virevoltent dans une approche circulaire et saccadées. Un peu moins long et ça aurait été mieux! Comme avec "Invisible Contact" qui est plus lent et qui est agrémenté de bons solos qui fuient dans des mouvements de spirales acrobatiques. "Sense" est dans le genre de truc que j'aime, soit un bon beat lent et entraînant avec de belles harmonies sifflées comme un promeneur admirant les paysages. Certes, il y a des effets Techno et dance avec des percussions robotiques et des filets stroboscopiques…mais ça passe mieux dans une approche un peu moins sauvage. Mais ça reste une musique de danse électronique (EDM). "Time Travellers" est le titre le moins énergique de “Beyond Time Structure”. Ça reste toujours dans le genre EDM, mais avec une lenteur qui le place entre un rock électronique (E-Rock) et l'EDM dans un décor électronique toujours aussi cosmique…qu'électronique.
Beyond Time Structure” propose un nouvel opus d'un Vanderson qui n'est plus, à tout le moins pour l'instant de cet album, le Vanderson que j'ai découvert avec Visions en 2011. Mais il faut savoir évoluer! Non? Et sur le label de MellowJet, et avec la complicité de Bernd Scholl, son approche EDM est savoureusement mise en valeur par tout le savoir du boss de MellowJet Records qui adore tisser ce lien entre l'EDM et le côté Berlin School du rock électronique. Ça m'a pris quelques écoutes, mais j'ai finalement succombé aux charmes de quelques titres. Un album digne de la très grande diversité du label Allemand MellowJet Records.

Sylvain Lupari (18 Juin 2017)

samedi 17 juin 2017

WELLENFELD: Ten (2017)

“Ten is a good album which will please the fans of Wellenfeld as well as those who like a more dynamic electronic rock...but still very melodious”

Reflections 5:38
Warm Saturate 10:04
Secret Island 7:37
Ring of Saturn Part II 7:08
Lo-Fi System 7:45
Timecode 12:34
Vacuum 8:41
Nimbus 6:50

MellowJet Records ‎| cdr-wf1701 (CD/DDL 66:22) ***½
(E.Rock with strong melodic patterns and cosmic moods)
"Reflections" entails us in the universe of “Ten” with a delicious down-tempo slows down by an impressive collection of effects, of sequences and of harmonies. An expanding sound wave disgorges itself of its wooshh and of its cosmic elements, a bass pulsation and a line of sequences are crumbling their keys in unfinished stroboscopic circle. You have here 4 elements which decorate an introduction of hardly a few seconds. WElcome to the world of Wellenfeld! The bass pulse stutters under the winds of wooshh and of keyboard keys which stimulate an embryonic melody, while the percussions get in line in order to inject a hesitating structure of hip-hop with pretty good jolts. Heavy with its humming bass and its percussions which strikes us inside, but just as much mild with these sequences which sing in symbiosis with the brief harmonies of the synth while supporting the elements of rhythm with ornamental fluttering, "Reflections" is in mode charm and seduces us from the first seconds of “Ten”.
Why change a recipe that works? Without being a copy or a continuity of
Elements, “Ten”, standing for Wellenfeld 10th album, remains in the category of the good albums of electronic rock, and of electronic dance music which stuns so much the music always tends to take completely unsuspected tangents. Like "Warm Saturate" and its circular movement which makes us glide through a lively rhythm and these short passages of atmospheres which bring us near to the cosmos. Sequences are agile and the very harmonious synths while the decoration is weaved in orchestral lines. The beat does very Düsseldorf School at times and remains always in evolutionary mode without becoming dynamic. And this mixture between the music of cosmic dance, this rhythmic robotic and these few spacings under the stroboscopic reflections, like being under the intergalactic stars, gives this depth which explains the infatuation of the fans for the music of the duet Detlef Dominiczak & Andreas Braun. "Secret Island" is another title on which we hooked right away with its slow rhythm, but not too much, where sparkle these harmonious sequences of the Wellenfeld universe. Built on a sequence in two movements, the structure of rhythm can spin around, as can galloping slowly, with good sober electronic percussions and beneath the tunes of the sequences in tones of prisms and these harmonious murmurs coming from a charming mist. Everything is well measured in the universes of Detlef Dominiczak & Andreas Braun. And "Ring of Saturn Part II" proves it! Built a little on the model of "Reflections" but with a more liveliness in the rhythm, "Ring of Saturn Part II", Part One comes from the very good Trip To Illusion back in 2005, brings a very French cosmic touch with elements of Space Art around a beautiful movement of sequences which make chime the keys in leap's figure, as rhythmic as harmonic. What remains the most striking is this wealth of elements in place and at no moment we find that there is too much or it's lacking some. Showing thus a good mastering and a good mixing!
Lo-Fi System" is a safe bet where limp some gurgling bass sequences and other sequences which dance a kind of tap dance and which pelt on a semi-slow structure of rhythm deliciously beat up by these robot-like percussions. The harmonies are a little bit evasive and hardly communicative, but coupled to the effects and to the sequences, they become charmingly insidious. There too, I hooked up on the 1st listening! After an introduction all in astral nebulosity, "Timecode" shakes its rhythmic skeleton with a march of sequences which climbs an esoteric top. The tone of the sequences is as a reflection between black and white. But no matter, this tortuous movement becomes livened up with good spasmodic shocks which skip like the feet of a hind walking on a pond of fire. But little by little, this rhythm assembles its sequences in a more homogeneous movement underneath a veil of nice synth layers which inspire celestial tunes. Negotiating with a 3rd phase, a little more in the electronic rock kind, "Timecode" will face its 3 phases of rhythm under an avalanche of very well done solos. From a romantic ballad to a cosmic electronic rock of a delicious hypnotic slowness, "Vacuum" proposes a gentle string of sequences which conjugates harmonies and rhythms in an attractive minimalist circular movement which charms under those dense layers of voices, a recurrent element in “Ten”. "Nimbus" ends this 10th opus of Wellenfeld by a bumpy rhythmic of a Düsseldorf style where the sequences and electronic percussions skip with a good approach of lunar harmony. Always very melodious, the title evolves with an approach of progressive House and a touch of Dub which reminds me of Leftfield. Some good Wellenfeld here which won’t disappoint its fans, as well of those who like the EDM style, so much the wealth of elements and this subtle diversity in the rhythms and in the styles which never cease to crisscross themselves are making of “Ten” this kind of album which deserves to be known and to discovered again at each new listening.

Sylvain Lupari (June 16th, 2017)
You will find this album on the MellowJet Records shop here
"Reflections" nous entraîne dans l'univers de “Ten” avec un savoureux down-tempo alourdit par une impressionnante collecte d'effets, de séquences et d'harmonies. Une onde gonflante se dégorge de ses wooshh et de ses éléments cosmiques, une pulsation basse et une ligne de séquences émiettent ses ions en cercle stroboscopique inachevé. Vous avez là 4 éléments qui décorent une introduction d'à peine quelques secondes. Une pulsation basse bégaie sous les vents de wooshh et des accords de clavier qui stimulent une mélodie embryonnaire, alors que les percussions qui viennent insufflent une structure de hip-hop hésitante avec de bonnes secousses. Lourd avec sa basse vrombissante et ses percussions qui nous rentrent dedans, mais tout autant léger avec ces séquences qui chantent en harmonie avec les brefs airs du synthé tout en soutenant les éléments de rythme avec des papillonnements décoratifs, "Reflections" est en mode charme et nous séduit dès les premières secondes de “Ten”.
Pourquoi changer une recette qui lève? Sans être pour autant une copie de Elements, “Ten” pour le 10ième album de Wellenfeld, est dans la catégorie des beaux albums de rock électronique, et même de musique de danse électronique, qui étourdit tant la musique a toujours cette tendance à prendre des tangentes tout à fait insoupçonnées. Comme "Warm Saturate" et son mouvement circulaire qui nous fait planer à travers un rythme entraînant et ces courts passages d'ambiances qui nous amènent aux portes du cosmos. Les séquences sont agiles et les synthés très harmoniques alors que la décoration est tissée dans des lignes orchestrales. Le beat fait très Düsseldorf School par moments et reste toujours en mode évolutif sans pour autant devenir dynamique. Et ce mélange entre la musique de danse cosmique, cette rythmique robotique et ces quelques écarts sous les reflets stroboscopiques, comme sous les étoiles intergalactiques, donne cette profondeur qui explique l'entichement des amateurs pour la musique du duo Detlef Dominiczak & Andreas Braun. "Secret Island" est un autre titre qui accroche tout de go avec son rythme lent, mais pas trop, où scintillent ces séquences harmoniques de l'univers Wellenfeld. Construit sur une séquence en deux mouvements, la structure de rythme peut tourner comme galoper doucement avec de bonnes percussions électroniques sobres sous les chants de séquences aux tonalités de prismes et ces murmures harmoniques qui proviennent d'une brume enchanteresse. Tout est bien dosé dans les univers de Detlef Dominiczak & Andreas Braun. Et "Ring of Saturn Part II" en est la preuve! Un peu construit sur le modèle de "Reflections" mais avec plus de vivacité dans le rythme, "Ring of Saturn Part II", Part One provient du solide Trip To Illusion en 2005, apporte une touche cosmique très Française avec des éléments de Space Art autour d'un beau mouvement de séquences qui fait tinter divers ions dans des cabrioles tant rythmique qu’harmoniques. Ce qui frappe est la richesse des éléments en place et en aucun moment on trouve qu'il y en a trop comme il en manque.
"Lo-Fi System" est une valeur sûre où boitillent des séquences basses qui gargouillent un brin et des séquences qui dansent la claquette et mitraillent une structure semi-lente délicieusement tabassée par ces percussions rendues vivantes par un robot. Les harmonies sont un peu évasives et à peine communicatives, mais jumelées aux effets et aux séquences, elles deviennent plaisamment insidieuses. Là aussi, j'ai accroché à la 1ière écoute! Après une introduction tout en nébulosité astrale, "Timecode" secoue son ossature rythmique avec une marche de séquences qui gravit une cime ésotérique. La tonalité des séquences est comme un reflet entre le noir et le blanc. Mais peu importe, ce mouvement tortueux devient animé avec de belles secousses spasmodiques qui sautillent comme des pieds d'une biche sur un étang de feu. Mais peu à peu, ce rythme assemble ses séquences avec un mouvement plus homogène sous un voile de belles nappes qui inspirent des chants célestes. Argumentant avec une 3ième phase un peu plus dans le genre rock électronique, "Timecode" affrontera ses 3 phases de rythme sous une avalanche de solos très réussis. De ballade romantique à rock électronique cosmique d'une savoureuse lenteur hypnotique, "Vacuum" propose un agréable chapelet de séquences qui conjugue harmonies et rythmes dans un séduisant mouvement circulaire minimaliste qui charme sous de denses nappes de voix, un élément récurrent dans “Ten”."Nimbus" termine ce 10ième opus de Wellenfeld par une rythmique cahoteuse du style Düsseldorf où les séquences et percussions électroniques sautillent avec une belle approche d'harmonie lunaire. Toujours très mélodieux, le titre évolue avec une approche de House progressive et une touche de Dub qui me fait penser à Leftfield. Du bon Wellenfeld qui ne décevra pas du tout ses fans, ni les amateurs de EDM, tant la richesse des éléments et cette subtile diversité dans les rythmes et les genres qui ne cessent de se croiser font de “Ten” ce genre d'album qui mérite à être connu et découvert de nouveau à chacune de ses écoutes.

Sylvain Lupari (16/06/2017)

mercredi 14 juin 2017

PERCEPTUAL DEFENCE: Wishstone (2005-2017)

“A purely ambient opus loaded of drones and noises of inner shuttle trapped in a Mars tempest, Wishstone is more of an experiment than a musical built around elegiac landscapes”
1 Approaching the Red Planet 12:51
2 Wishstone 15:21
3 Magnetic Sounds 14:12
4 Mars Spirits 14:16
5 Mystery Voices from the Red Soil 4:54
6 First Encounter on the Red Planet 11:19

Syngate Luna pd05 (CD-r/DDL 72:57) ***½
(Dark cinematic ambient EM)
A gigantic tide of hissing breezes accustoms gradually our sense of hearing whereas a wave of some jerky black loops stigmatizes a listening stunned by this powerful surging that we could confuse with the fall of a huge Black Hawk in an enormous crater. But no! A shuttle approaches with noises the borders of Mars. This pattern of violent and static rhythm follows the curve of its oscillations until disappear in the nothingness of a shrill din which gives to "Approaching the Red Planet" a depth so credible. We really have this feeling to be in a shuttle which tries its landing. Noisy but effective, this first title of “Wishstone” is at the size of what Perceptual Defence is used to offer to his public, be a music intensely visual. We close the eyes and we plunge, with earphones because the wife and neighbors are going to cringe, in this surprising constructed universe totally with analog equipment. From the dissonance born the tranquility, while a mass of hollow winds smothers the noises of "Approaching the Red Planet", giving so the necessary space so that our ears get their breath back because the title-track cultivates the noise of the dusty winds the Pinnacle Island with so much ferocity. Initially written in 2005, in a first edition very limited by 99 numbered copies, “Wishstone” is get out of times and winds, graciousness of the German label SynGate. An intensely ambient work with a great deal of hallucinating effects for ears, this 12th opus of Perceptual Defence (Gabriele Quirici) was exactly in its seat on the Umbra label, the property of the absolute master of soundscapes for theatrical, cinematographic and/or cosmic, otherwise esoteric atmospheres which challenge constantly the limits of the imagination; Oophoi. Embroidered on the theme of the Planet Mars atmospheres and its rocks of Wishtone kinds, this 3rd opus on dedicated to Space from Gabriele Quirici got a facelift with a new mastering besides offering 2 bonus tracks which were composed at the same time. Useless to specify that's an album of purely ambiences, of space ambiences, which answers admirably the dimension of its titles. As in "Magnetic Sounds" which tests literally the capacity of our earphones to absorb the howling hummings and the effects of a cosmic ship which confronts an avalanche of meteorites. More lugubrious, with a magma of lavas where are congealed ashes of specters, and clearly quieter too, although the myriad of ambient noises always evokes a storm to come, "Mars Spirits" remains just as much dramatic with a very realistic approach which again corresponds to the vision of its title. The same goes for the brief "Mystery Voices from the Red Soil" which is the most accessible track here at the level of a more meditative approach. Whereas between stridencies and floating vibes, "First Encounter on the Red Planet" doesn't really need a description. The title means all!
Wishstone” is more of an experiment, a musical adventure inside the capacities of the analog synths to create atmospheres and sound effects as far as the borders of the imagination. And beyond… Did I like? Let's say that I was more fascinated than I was subjugated. And it's my Lise who was very satisfied of this because she still doesn't understand at all my fascination in front of this concert of tumults which can easily be translated as a symphony for Mars' atmospheric noises. Thus, I liked? Not really and it isn't especially my cup of tea. But I got out from it with a kind of respect for this work. Imagined a space shuttle and its equipage in the heart of a storm and of whirlwinds of cosmic elements taken in the magnetic attraction of Mars, and it would doubtless give the music and the sound effects of “Wishstone”. For that, it's a great success!

Sylvain Lupari (June 14th, 2017)
You can find this album on the SynGate Bandcamp page here

Une gigantesque marée de brises sifflantes accoutume graduellement notre ouïe tandis qu'une onde de boucles noires saccadées en stigmatise une écoute ébahie par ce puissant déferlement que l'on pourrait confondre avec la chute d'un gros Black Hawk dans un énorme cratère. Mais non! Une navette approche avec vacarme les frontières de Mars. Cette figure de rythme violent et statique suit la courbe de ses oscillations jusqu'à disparaître dans le néant d'un tintamarre strident qui donne à "Approaching the Red Planet" une profondeur autant crédible. On a vraiment cette impression d'être dans une navette qui tente son atterrissage. Bruyant mais efficace, ce premier titre de “Wishstone” est à la grandeur de ce que Perceptual Defence a l'habitude d'offrir à son public, soit une musique intensément visuelle. On se ferme les yeux et nous plongeons, avec des écouteurs parce que conjoint et voisins vont grimacer, dans cet étonnant univers construit totalement avec des équipements analogues.
De la dissonance naît la quiétude alors qu'une masse de vents creux étouffe le chahut de "Approaching the Red Planet", donnant l'espace nécessaire afin que nos oreilles reprennent leur souffle car la pièce-titre cultive le vacarme des poussiéreux vents du Pinnacle Island avec autant de férocité. Initialement conçu en 2005, dans une 1ière édition très limité de 99 copies numérotées, “Wishstone” sort des boules à mites gracieuseté du label Allemand SynGate. Une œuvre intensément ambiante avec une pléthore d'effets hallucinants pour les oreilles, ce 12ième opus de Perceptual Defence (Gabriele Quirici) était exactement à sa place sur le label Umbra, propriété du maître absolu des panoramas d'ambiances théâtrales, cinématographiques et/ou cosmiques, sinon ésotériques, qui challengent constamment les limites de l'imagination; Oophoi. Brodé sur la thématique des atmosphères de la Planète Mars et ses roches de type Wishtone, ce 3ième opus sur dédié à l'espace de Gabriele Quirici fait peau neuve avec un nouveau mastering en plus d’offrir 2 titres en bonus qui ont été composé à la même époque. Inutile de préciser qu'il s'agit d'un album d'ambiances qui répond admirablement à la dimension de ses titres. Comme dans "Magnetic Sounds" qui teste littéralement la capacité de nos écouteurs à absorber les bourdonnements hurlants et les effets d'un navire cosmique qui confronte une avalanche de météorites. Plus lugubre, avec un magma de laves où sont figés les cendres de spectres, et nettement plus tranquille, quoique la myriade de bruits ambiants évoque toujours une tempête à venir, "Mars Spirits" reste tout autant dramatique avec une approche très réaliste qui correspond à la vision de son titre. Idem pour le court "Mystery Voices from the Red Soil" qui est le titre le plus accessible ici au niveau d'une approche plus méditative. Alors qu'entre stridence et ambiances flottantes, "First Encounter on the Red Planet" n'a pas vraiment besoin de description. Le titre veut tout dire!
Wishstone” est plus une expérience, une aventure musicale à l'intérieur des capacités des équipements analogues à forger des ambiances aussi loin que les frontières de l'imagination. Et bien plus loin encore…Est-ce que j'ai aimé? Disons que j'ai été fasciné plus que j'ai été subjugué. Et c'est ma Lise qui était bien contente car elle ne comprenait pas du tout ma fascination devant ce concert de tumultes qui peut facilement se traduire comme une symphonie de bruits atmosphériques pour Mars. Donc, est-ce que j'ai aimé? Pas vraiment et ce n'est surtout pas ma tasse de thé. Mais j'en suis ressorti avec une forme de respect pour cette œuvre. Imaginé une navette spatiale et son équipage au cœur d'une tempête et de tourbillons d'éléments cosmiques prise dans l'attraction magnétique de Mars, et cela donnerait sans doute la musique et les effets sonores de “Wishstone”.

Sylvain Lupari (14 Juin 2017)

mardi 13 juin 2017

ERIK WOLLO: Different Spaces (2017)

“A splendid lyrical opus! The best of Erik Wollo and so far the best of this year”
1 Low Winter Sun (Introduction 1) 4:46
2 Points in Time 8:23
3 Solaris 6:41
4 High Plains 8:08
5 Church Mountain 4:39
6 Similar World 6:18
7 Past Theme 5:38
8 Hydra 8:01
9 Kaleidoscope 8:47
10 Evening Island 6:05
11 Memory Space 6:53
CD 2
1 Mystical Sun (Introduction 2) 5:10
2 Chroma 6:27
3 Motion Blue 5:50
4 The Morph 7:39
5 Rundreise 5:55
6 Circle Dream 4:46
7 Pilgrim Way 8:41
8 Cascade Falls 8:53
9 Mirror Lake 6:06
10 Afterglow 6:31
11 Elysium 7:12

Projekt ‎| PRO338 (2CD/DDL 147:40) ***** (Berlin School, ambient and harmonic phases)
A little like a goddess who empties her jar of charms, dusts of prism decorate a celestial breeze which is used as bed to a sad seraphic melody which moans with neurasthenic sighs. While our soul drifts towards these inner corridors that we forbid ourselves the entrance, a delicate movement of sequences makes its keys sparkle which shape a spheroidal walking towards a dense storm of cabalistic breezes. "Low Winter Sun (Introduction 1)" is the front door of Erik Wollo's wonderful double album which will bolt you to your armchair and in your earphones, so much the lyrical approach of the Scandinavian bard will mark you ears of tenderness and of bewitchment. As much at ease in the vast soundscapes tied to the magnificence of his Norway than to the sequenced rhythms which invite in astral dances, Erik Wollo has accustomed us during the last years to realizations which separate both genres while letting drag a delicate link between them. “Different Spaces” is a mixture of both genres which seduce so much, but in an imposing double album which flirts with nearly 2:30 hours and which nevertheless flows like a musical tale of 30 minutes.
Points in Time" gives a very beautiful overview of what waits for your ears for the next 21 titles to come. The intro is sculpted of dark layers where murmurs, black winds and dark breezes color a soundscape which reaches the dimension of our imagination. These openings, sometimes short or sometimes long, and several times without outcomes, are the departures of structures of rhythms forged on the Berlin School approach, like here, or in ambient phases, like in "Low Winter Sun (Introduction 1)". Here, the beat gets out of limbos with a line of spasmodic riffs which pierces this wall of rather harmonious winds. A bass pulsation doesn't care of these winds, entailing "Points in Time" in a jerky structure which awakens in us, especially with the arrival of harmonious layers and percussions, this feeling to hear a good electronic rock of the Tangerine Dream style. The sound decoration is perfectly balanced, nothing of excess and nothing is lacking, in this electronic rock which is quite a surprise coming from Erik Wollo. Each title is different and proposes a range of varied rhythms which leaves all the same the necessary space so that Wollo draws all the splendor of his sound landscapes. Lighter, "Solaris" presents a slightly lively structure braided by a good line of bass and some rather sober percussions of which the metallic jingles buzz as in a birth of Electronica. The melody flows by sequenced oscillating loops which go and come in a choir of seraphic voices. There are titles which are alike in this collection of 22 tracks? Not really! Each has an identity and it's doubtless the pinnacle, that and this constant rush of emotion which comes as each title passes by, in the universe of “Different Spaces”. "High Plains" offers a delicious Berlin School approach with its stream of sequences which breaks its loops in vapors of ether and in nice layers in tones weaved between the synth and the magical six-string from the Norwegian poet of tones. I have the feeling to be in a soundtrack of Tangerine Dream here. Another strength of this album is this capacity of his author to enliven his structures of rhythm with constant additions which adorn aptly the numerous minimalist hymns in this Erik Wollo's 21th album. "Church Mountain" brings us in a landscape of vibes with beautiful ethereal layers which feed the vitality of a structure of rhythm slumbering with its loops which stuff themselves of great percussive effects. The waves which encircle its finale smother another minimalist structure which would have carried us even farther in our reverie. "Similar World" takes over with a steady circular structure and its jerky riffs which roll like a steam train under the acid colors of its burned coal black offerings. "Past Theme" is another title of atmospheres which are weaved by loops of which the echoes eventually forge a structure of rhythm as much vaporous as the nebulosity of the atmospheres. That reminds me of Peter Seiler, the time of Flying Frames, and Richard Pinhas in the time of L'Éthique. In any event, the flow of the movement is charmingly mesmerizing. "Hydra" comforts our ears with a fascinating rhythmic meshing between sequences, many sequences in contrasting tones and flows, and percussions which skip beneath a sonic sky stuffed by tears of synths and by texture of guitars of which the symbiosis weaves a huge cabalistic canvas. Between Berlin School and a morphic techno, the music remains as intense than deeply moving with a rhythmic skeleton which loosens its electronic spasms in a fluidity which espouses marvelously the flow of the harmonies stolen from a mourner six-strings. A very good title! "Kaleidoscope" is unarguably the most beautiful title on the 1st CD entitled Low Winter Sun. The movement is as much magnetizing as the one of a carousel of notes which flutter in a slightly holed spheroidal movement. The guitar is also intense with tears and mislaid dreams which merge with a veil of esoteric airs while the rhythm, always peaceful, shows a swiftness more emotional than the rhythm. Even better than "Hydra"! We speak of intensity? Just as much wonderful and clearly more dramatic, "Evening Island" is going to give you the shivers in the soul with a very striking guitar which slides its tears and its ethereal loops on a hypnotic rhythmic pattern, like in beautiful old Berlin School livened up by a revival in the color of the tones. Always in sound panoramas of which the reliefs are perfumed by shadows, by sighs and by tears, coming as much the guitar as the synth, Low Winter Sun's rhythms are parading in different forms, here it's the spasmodic impulses, and in tints which stick to the sadness and to the temporary nostalgia. Like here, where the loops of guitar shed tears on a structure which, like those huge vertical spirals, are soaring constantly without ever reaching heavens. The regulars of the genre name these structures; Californian School in homage to his sculptor, Steve Roach. "Memory Space" ends the first 75 minutes of “Different Spaces” by a beautiful phase of ambiences where the dark shadows and the sibylline harmonies drag us slowly towards a more translucent phase.

There is some more music in this last Erik Wollo's album. And "Mystical Sun (Introduction 2)" leads us towards the other side of the Scandinavian panoramas of Wollo with an approach always so very attractive in rhythms but with more luminosity in the vibes and in the harmonious lines. If "Mystical Sun (Introduction 2)" completes the moods of "Low Winter Sun (Introduction 1)", they are quite alike, "Chroma" differs from the very energetic rock of "Points in Time". In fact, Erik Wollo flirts here with a more Electronica approach, although the repetitive rhythms of the Berlin model remain very omnipresent. The harmonies and the atmospheres are lighter and more cheerful, putting a lot of emphasize on the contrasts of the sound panoramas between both CD. As in the structure of "Motion Blue", splendid by the way, with its effects of percussions and its motorik approach. Mysterious, "The Morph" collapses under a heavy mood in tints of melting metal. "Rundreise" is a superb Berlin School which rolls like a bluish steam train. We notice straight out these contrasts! "Circle Dream" is ideal for meditation, just like the very ambient and floating "Afterglow". After an introduction filled of the hubbubs of a crowd, "Pilgrim Way" brings us where no other title in “Different Spaces” brought us; towards the airs of a magnificent ballad extirpated by a guitar as dreamy as these banks of mist haloed of anonymous voices. A morphic ballad, a wonderful slow dance tempo with images of embraces which fill the eyes. The arrangements and the voices give an incredible depth to this slow ballad of solitary cowboy. One of the key points, there is a lot, of “Different Spaces”! After this small moment of musing, "Cascade Falls" assails our ears with an electronic rock very attracted by the IDM. A fiery title and sparkling of freshness and just as much amazing in the repertoire of our friend Erik. If we were unable to resist "Pilgrim Way", we are going to melt in front of the tenderness shown in this sonic pearl which is "Mirror Lake". There is a dance, like a magic ballet, which flows throughout the 6 minutes of this title with arpeggios glittering on an invisible ice and of which the charms sparkle with a guitar as effective as a Mike Oldfield at his top of his composer skill. Simply magical! "Elysium" concludes this wonderful 2 CD opus with an approach as supernatural as this dance in "Mirror Lake". Except that here, Erik Wollo adds a little of cloudiness, even if the voices fight against this savor, in order to weave this admirable link which will return us to "Low Winter Sun (Introduction 1)". Yes my friends…this is quite an album. The best of Erik Wollo and the best album of 2017 so far!
Sylvain Lupari (June 13th, 2017)

You will find this album on the Projekt Bandcamp page here

Un peu comme une déesse qui viderait son pot de charmes, des poussières de prisme ornent une brise céleste qui sert de lit à une triste mélodie séraphique qui gémit des soupirs neurasthéniques. Alors que notre âme dérive vers ces corridors intérieurs que l'on s'interdit l'entrée, un délicat mouvement de séquences fait scintiller ses ions qui moulent une marche sphéroïdale au travers une dense tempête de brises cabalistiques. "Low Winter Sun (Introduction 1)" est la porte d'entrée d'un magnifique album double d'Erik Wollo qui vous vissera à votre fauteuil et dans vos écouteurs, tant l'approche lyrique du barde Scandinave vous marquera les oreilles à coups de tendresse et d'envoûtement. Autant à l'aise dans de vastes panoramas soniques liés aux splendeurs de sa Norvège comme à des rythmes séquencés qui invitent à des danses astrales, Erik Wollo nous a habitués au cours des dernières années à des réalisations qui séparent les 2 genres tout en laissant traîner un délicat lien entre eux. “Different Spaces” est cet amalgame des genres qui séduisent tant, mais dans un majestueux album double qui flirte avec les 2:30 heures et qui pourtant coule avec un conte musical de 30 minutes.
"Points in Time" donne un très bel aperçu de ce qui attend vos oreilles pour les 21 prochains titres à venir. L'intro est sculptée des nappes obscures où des murmures, des vents noirs et des brises obscures teintent un paysage sonique qui atteint la dimension de notre imagination. Ces ouvertures, parfois courtes ou parfois longues et quelques fois sans issues, sont les départs de structures de rythmes forgées sur l'approche Berlin School, comme ici, ou ambiants, comme dans "Low Winter Sun (Introduction 1)". Ici, le rythme sort des limbes avec une ligne de riffs spasmodiques qui percent cette muraille de vents assez harmoniques. Une basse pulsation se moque de ces vents, entraînant "Points in Time" dans une structure saccadée qui éveille en nous, surtout avec l'arrivée de nappes harmoniques et des percussions, cette impression d'entendre un bon rock électronique du style Tangerine Dream. Le décor sonique est parfaitement équilibré, rien de trop et rien qui manque, dans ce rock électronique assez surprenant d'Erik Wollo. Chaque titre est distinct et propose une gamme de rythmes variés qui laisse tout de même de l'espace nécessaire afin que Wollo dessine toutes les splendeurs de ses paysages soniques. Léger, "Solaris" présente une structure légèrement entraînante tressée par une bonne ligne de basse et des percussions assez sobres mais dont les cliquetis métalliques bourdonnent comme dans une naissance d'Électronica. La mélodie coule par des boucles séquencées oscillatrices qui vont et viennent dans une chorale de voix séraphiques. Il y a des titres qui se ressemblent dans cette collection de 22 titres? Pas vraiment! Chacun a une identité et c'est sans doute le plus haut fait d'armes, ça et cette continuelle montée d'émotions qui survient après chaque titre, dans l'univers de “Different Spaces”. "High Plains" offre une délectable approche de Berlin School avec son chapelet de séquences qui disloque ses boucles dans des vapeurs d'éther et dans de belles nappes aux tonalités tissées entre le synthé et la six-corde du poète des tons Norvégien. J'ai l’impression d'être dans une trame sonore de Tangerine Dream ici. Une autre force de cet album est cette capacité de son auteur de bonifier ses structures de rythme avec des ajouts constants qui décorent avec justesse les nombreux hymnes minimalistes dans ce 21ième album d'Erik Wollo. "Church Mountain" nous amène dans un paysage d'ambiances avec de belles nappes éthérées qui nourrissent la vitalité d'une structure de rythme sommeillant avec ses boucles éternelles qui se gavent de beaux effets percussifs. Les vagues qui cernent sa finale étouffent une autre structure minimaliste qui nous aurait porté encore plus loin dans nos rêveries. "Similar World" prend la relève avec une structure circulaire plus soutenue et ses riffs saccadés qui roulent comme un train à vapeur sous les couleurs acides de ses noires offrandes de charbon brûlé. "Past Theme" est un autre titre d'ambiances qui sont tissées par des boucles dont les échos finissent par forger une structure de rythme aussi vaporeuse que la nébulosité des ambiances. Ça me fait penser à du Peter Seiler, du temps de Flying Frames, et Richard Pinhas dans le temps de l'Éthique. Quoi qu'il en soit, le débit du mouvement est délicieusement envoûtant. "Hydra" dispose de nos oreilles avec un fascinant maillage rythmique entre des séquences, beaucoup de séquences aux tonalités et au débit contrastant, et des percussions qui sautillent sous un ciel sonique farci de larmes de synthés et de texture de guitares dont la symbiose tisse une énorme toile cabalistique. Entre du Berlin School et du techno morphique, la musique reste aussi intense qu'émouvante avec une ossature rythmique qui délie ses spasmes électroniques dans une fluidité qui épouse à merveille le flux des harmonies soutirées à une six-cordes pleureuse. Un très bon titre! "Kaleidoscope" est sans contredit le plus beau titre sur le 1ier CD intitulé Low Winter Sun. Le mouvement est aussi magnétisant qu'un carrousel de notes qui voltigent dans un mouvement sphéroïdal légèrement percé. La guitare est intense avec des larmes et des songes égarés qui fusionnent avec un voile de chants ésotériques alors que le rythme, toujours paisible, affiche une vélocité plus émotive que cadencée. Encore meilleur que "Hydra"! On parle intensité? Tout autant superbe et nettement plus dramatique, "Evening Island" va vous donner des frissons dans l'âme avec une guitare très saisissante qui glisse ses pleurs et ses boucles éthérées sur une rythmique hypnotique, comme dans le beau vieux Berlin School animé de renouveau dans la couleur des tons. Toujours dans des panoramas soniques dont les reliefs sont parfumés d'ombres, de soupirs et de larmes, tant de guitare que de synthé, les rythmes de Low Winter Sun défilent dans des formes différentes, ici ce sont des élans spasmodiques, et dans des teintes qui se jumèlent à la tristesse et à la nostalgie passagère. Comme ici où les boucles de guitares versent des larmes sur une structure qui, comme ces grandes spirales verticales, grimpent constamment sans jamais atteindre les cieux. Les habitués du genre nomment ces structures la Californian School en hommage à son sculpteur, Steve Roach. "Memory Space" conclut les 75 premières minutes de “Different Spaces” par une belle phase d'ambiances où les ombres obscures et les harmonies sibyllines nous attirent doucement vers une phase plus diaphane.
Il reste encore beaucoup de musique dans ce dernier album d'Erik Wollo. Et "Mystical Sun (Introduction 2)" nous amène vers l'autre versant des panoramas Scandinaves de Wollo avec une approche toujours aussi très séduisante en rythme mais avec plus de luminosité dans les ambiances et les lignes harmoniques. Si "Mystical Sun (Introduction 2)" complète les humeurs de "Low Winter Sun (Introduction 1)", "Chroma" diffère du rock très énergique de "Points in Time". En fait, Erik Wollo flirte ici avec une approche plus Électronica, quoique les rythmes répétitifs du modèle de Berlin restent très omniprésents. Les harmonies et les ambiances sont plus légères et plus enjouées, mettant beaucoup d'emphase sur les contrastes des panoramas soniques entre les 2 CD. Comme dans la structure de "Motion Blue", superbe en passant, avec ses effets de percussions et son approche motorik. Mystérieux, "The Morph" croule sous une lourde ambiance aux teintes de métal fondant. "Rundreise" est un superbe Berlin School qui roule comme un train à vapeurs bleuâtre. On remarque tout de go ces contrastes! "Circle Dream" est idéal pour la méditation, tout comme le très ambiant et flottant "Afterglow". Après une introduction remplie de brouhahas d'une foule, "Pilgrim Way" nous amène là où aucun autre titre de “Different Spaces” nous a amené; vers les airs d'une splendide ballade extirpée d'une six-cordes électriques aussi rêveuses que ces bancs de brumes nimbés de voix anonymes. Une ballade morphique, un splendide slow tempo avec des images d'étreintes plein les yeux. Les arrangements et les voix donnent une profondeur inouïe à cette lente ballade de cowboy solitaire. Un des points forts, il y en a beaucoup, de “Different Spaces”! Après ce petit moment de rêverie, "Cascade Falls" assaille nos oreilles avec un rock électronique très attiré par de l'IDM. Un titre fougueux et étonnant de fraîcheur et tout autant étonnant dans le répertoire de notre ami Erik. Si on a craqué pour "Pilgrim Way", nous allons fondre devant la tendresse affichée dans cette perle sonique qu'est "Mirror Lake". Il y a une danse, comme un ballet féérique, qui coule tout au long des 6 minutes de ce titre avec des arpèges miroitant sur une glace invisible et dont les charmes scintillent avec une guitare aussi efficace qu'un Mike Oldfield au sommet de sa maîtrise en composition. Tout simplement magique! "Elysium" conclut ce superbe album avec une approche tout aussi surnaturelle que cette danse dans "Mirror Lake". Sauf qu'ici, Erik Wollo ajoute un peu de nébulosité, même si des voix se battent contre ce parfum, afin de tisser cet admirable lien qui nous ramènera à "Low Winter Sun (Introduction 1)". Oui mes amis…tout un album. Le meilleur d'Erik Wollo et le meilleur album de 2017 à ce jour!
Sylvain Lupari (13 Juin 2017)

samedi 10 juin 2017

RON BOOTS: Awakenings 2016 (Ron and Harold) (2016)

“This is a very good live album with a music which has the merit to not be an imitation of Schulze's works but to compete with his great music at the end of the 70's”
1 Awakenings Set 1:12:15
Groove Music (DDL 72:15) ****
(Vintage Berlin School)
Ron Boots is a music machine and an inescapable artist to see, and especially to hear, during the numerous festivals to which he participated. Going back at The Awakenings in May 2016, he had already performed there in 2014 (Awakening at Booth's Palace), he takes to opportunity for this event to give a concert tribute to Klaus Schulze in a very long river-title of 72 minutes together with his faithful companion-percussionist Harold van der Heijden. “Awakenings 2016 (Ron and Harold)” is the recording of this event which is mastered by Ron Boots. The host of the evening is rather direct in his prelude; he asks to the public to close their eyes, to sit back and relax while imagining to be in the 70's when Klaus Schulze and Harald Grosskopf united their efforts in order to give us timeless classics such as Moondawn, Body Love, X and the peak of it; Live in 1980. And let me tell you that the aimed purpose is reached with a delicious contemporary touch, in particular at the level of the layers and effects of synths which make very Tangerine Dream, the Jive years, in the first part.
Mastered but not edited, "
Awakenings Set" starts like these good old classics of improvisations where the artists connect by adjusting and by warming up their instruments. Therefore, the introduction is weaved of nebulous breezes and layers with spectral voices which float over a layer of a rather lugubrious bass. The effect is Mephistophelian and oratorical. A sequence emerges from this fog and accentuates its presence with keen skipping tinted with glass which dance and collide their delicate ringings. That gives the effect of an astral gallop executed by a horse of competition. A line of bass snores silently while a delicate stream of sequences reveals an ardent flowing where are hiding these glass sequences and their random hits. With the addition of the tears of synth which are dying on the movement, Ron Boots finishes the architecture of his soundscapes by starting a phase of circular rhythm which waits only for the percussions of Harold van der Heijden to get in the dance in order to accentuate the strength and the swiftness of this 1st part of "Awakenings Set". It happens around the 7th minute. At first hesitating under the rolling of the percussions and the tearful airs of the synth, "Awakenings Set" gets awaken more and more below the prickles of the cymbals. The decoration of the atmospheres is hallucinating; an other more contemporary texture of this concert tribute. While the solos replace the abstruse airs, the rhythm always spins around until that a splendid bass line forges this delicious movement of four sequences which goes up and down a little after the point of 11 minutes. Magical, this continual ongoing makes us roll of the neck and tap our fingers while flooding our ears of a sonic flow out of the ordinary. Ron Boots multiplies the solos while Harold van der Heijden exhibits his tentacles for the next 12 minutes, there where the structure of "Awakenings Set" hesitates between its phase of rhythm and its soundscapes perfumed of very TD effects. This 1st part of "Awakenings Set" crosses a passage of ambiences and electronic effects at the bridge of 25 minutes. A psychotronic stop of 8 minutes where the electronic elements pile up in a more intense approach at the door of 33 minutes, where "Awakenings Set" offers its wildest phase with a Harold van der Heijden at the top of his art. The sequencing is not outdone! Dominating the direction of the rhythm, it redirects it towards more swiftness in a good movement of pure electronic rock where Boots and Heijden show all the extent of their talents and their knowledge for the tastes of the fans of the beginning of this EM, a thing which is so hard to explain all love for this art by the aficionados of the genre. One grand finale which is so much just like Ron Boots! This war of tones, beats and moods between Ron Boots and Harold van der Heijden needs a rest around the 44th minute. The duet offers then an encore built around an introduction just as much nebulous than the opening. The rhythm progresses slowly before reaching its cruising speed, of which the velocity is situated between the 2 rhythmic parts of "Awakenings Set". This other delicious movement of EM hangs on indefatigably to our eardrums with a lively rhythmic which is forged around a very good ascending movement of the sequencer and of the multiple strikes of Heijden. The sequencer moreover shapes an insidious melody which finds its way straight in the deep of our ears and jostles a bit our effect of rhythmic hypnosis with those glass ringings. And Ron Boots, always so creative, decorates the whole thing with very judicious effects and aerial solos which reminds us the foundations of EM of the 70's.
Awakenings 2016 (Ron and Harold)” has gone under the radar when at its released. It's a pity because it's a very good live album which has a very good mastered. Out of stock very quickly, Ron Boots has finally decided to release it again in a downloadable format for now and for the pleasure of those who heard about it but who missed its first release. There is also a video on YouTube of this event (see the link before the review in French). If the sound quality is so/so the performances of Ron Boots and Harold van der Heijden is unequivocal. A superb tribute to Klaus Schulze of which the biggest merit is not to copy a work of the master but well and truly to compose a long 70 minutes of pure EM which would undoubtedly have competed with Schulze's music in the golden years of EM.

Sylvain Lupari (June 10th, 2017)
You will find info on how to get this album on Groove Bandcamp page here

Ron Boots est une machine à musique et un incontournable artiste à voir, et surtout entendre, lors des nombreux festivals auquel il a participé. De retour au At The Awakenings en Mai 2016, il y avait déjà performé en 2014 (Awakening at Booth's Palace), il profite de ce passage pour interpréter un concert hommage à Klaus Schulze dans un très long titre-fleuve de 72 minutes en compagnie de son fidèle compagnon-percussionniste Harold van der Heijden. “Awakenings 2016 (Ron and Harold)” est l'enregistrement masterisé par Ron Boots de cet évènement. Le présentateur de la soirée est assez direct dans son prélude; il demande à l'auditoire de se fermer les yeux et de s'imaginer être dans les années 70 où Klaus Schulze et Harald Grosskopf unissaient leurs efforts pour nous donner des classiques intemporels tel que Moondawn, Body Love, X et le point culminant; Live en 1980. Et laissez-moi vous dire que le but visé est atteint avec une délicieuse touche contemporaine, notamment au niveau des nappes de synthé que font très Tangerine Dream, années Jive, dans la première partie.
Masterisé mais non découpé, "Awakenings Set" débute comme ces bons vieux classiques d'improvisation où les artistes communiquent en ajustant et en réchauffant leurs instruments. Donc, l'introduction est tissée dans la nébulosité avec des voix spectrales qui flottent au-dessus d'une nappe de basse plutôt lugubre. L'effet est Méphistophélique et oratoire. Une séquence émerge de ce brouillard et accentue sa présence avec de vifs sautillements teintés de verre qui dansent et entrechoquent leurs délicats tintements. Ça donne l'effet d'un galop astral exécuté par un cheval de compétition. Une ligne de basse ronfle en silence alors qu'un délicat chapelet de séquences dévoile un ruissèlement ardent où se terrent ces séquences en verre et leurs coups aléatoires. Avec l'ajout des larmes de synthé qui agonisent sur le mouvement, Ron Boots fini l'architecture de ses ambiances en amorçant une phase de rythme circulaire qui n'attend que les percussions de Harold van der Heijden entrent dans la danse afin d'accentuer la force et la vélocité de cette 1ière partie de "Awakenings Set". Ça se produit autour de la 7ième minute. D'abord hésitant sous les roulements des percussions et les chants de synthé larmoyants, "Awakenings Set" s'anime de plus en plus sous les chatouillements des cymbales. La décoration des ambiances est hallucinante; autre texture plus contemporaine de ce concert hommage. Alors que les solos remplacent les chants abscons, le rythme tourne toujours sur lui-même jusqu’à ce qu'une superbe ligne de basse forge ce délicieux mouvement d'ascension un peu après la barre des 11 minutes. Magique, ce mouvement nous fait rouler du cou et tapoter des doigts tout en inondant nos oreilles d'un flux sonore hors de l'ordinaire. Ron Boots multiplie les solos alors que Harold van der Heijden déplie ses tentacules pour les 12 prochaines minutes, point où la structure de "Awakenings Set" tergiverse entre sa phase de rythme et ses ambiances parfumées d'effets très TD. Cette 1ière partie de "Awakenings Set" traverse un passage d'ambiances et d'effets électroniques au pont des 25 minutes. Un arrêt psychotronique d'une durée de 8 minutes où les éléments électroniques s'entassent dans une approche plus intense à la porte des 33 minutes, là où "Awakenings Set" offre sa phase la plus sauvage avec un Harold van der Heijden au sommet de son art. Le jeu du séquenceur n'est pas en reste. Dominant la direction du rythme, il le redirige vers plus de vélocité dans un bon mouvement de rock électronique pur où Boots et Heijden démontrent toute l'étendue de leurs talents et leurs connaissances des goûts des amateurs de la 1ière heure de cette MÉ qui est si difficile à expliquer tout l'amour de cet art par les irréductibles du genre. Une finale grandiose qui est tellement à l'image de Ron Boots! Cette guerre des tons entre Ron Boots et Harold van der Heijden s'éteint autour de la 44ième minute. Le duo offre alors un rappel autour d'une introduction tout autant vaporeuse que l'ouverture. Le rythme progresse lentement avant d'atteindre sa vitesse de croisière, dont la vélocité se situe entre les 2 parties rythmiques de "Awakenings Set". Cet autre succulent mouvement de MÉ s'accroche inlassablement à nos tympans avec une rythmique entraînante tissée avec un très bon mouvement ascendant du séquenceur et les multiples frappes de Heijden. Le séquenceur d'ailleurs façonne une mélodie insidieuse qui se loge tout au fond de nos oreilles et tasse un peu notre effet d'hypnose rythmique avec des tintements de verre. Et Ron Boots, toujours aussi créatif, décore le tout avec de bons effets très judicieux et des solos aériens qui nous rappelle les fondements de la MÉ des années 70.
Awakenings 2016 (Ron and Harold)” est passé sous le radar lors de sa réalisation. Dommage car c'est un très bel album en concert qui jouit ici d'un solide mixage. Tout vendu, Ron Boots a finalement décidé de le ressortir, en format téléchargeable pour l'instant, pour le plaisir de ceux qui en ont entendu parler et qui ont raté sa première édition. Il existe aussi une vidéo sur YouTube de cette présentation (voir le lien avant la chronique en français). Si la qualité sonore est moyenne, la prestation de Ron Boots et Harold van der Heijden est sans équivoque. Un superbe hommage à Klaus Schulze dont le plus grand mérite n'est pas de copier une œuvre du maître mais bel et bien de composer un long 70 minutes de MÉ qui lui aurait fait sans aucun doute concurrence dans les années d'or de la MÉ.

Sylvain Lupari (10 Juin 2017)